Il a également donné sa voix à Toge dans Jujutsu Kaisen, Ban dans Seven Deadly Sins ou encore Dabi dans My Hero Academia, entre autres.

Je suis donc en présence de Arnaud Laurent, comment vas-tu ?

Eh bien ça va très bien. Un peu fatigué. Ils (Japan Expo) m’ont programmé plein de trucs à faire et c’est ce que j’adore, mais du coup c’est vrai que ça s’enchaîne bien.

Aujourd’hui, on va parler de ton métier et des personnages que tu as interprété notamment Natsu, parce que la France te connaît surtout pour ce héros. Tout d’abord, depuis combien de temps tu fais du doublage ?

Alors, j’ai commencé à démarcher pour pouvoir faire du doublage en 2006. Donc ça fait quasiment… ça fera bientôt 20 ans que j’ai commencé à faire ça !

Waouh ! Tu as vu des évolutions dans le métier depuis que tu as commencé jusqu’à aujourd’hui ?

L’évolution, elle est plus au niveau qu’il faut être toujours de plus en plus efficace, faut aller toujours de plus en plus vite. On a de moins en moins de temps, de moins en moins de budget. Sinon, par contre, dans les points positifs, c’est au niveau du travail en lui-même : dans l’interprétation, dans le jeu, on fait beaucoup plus attention maintenant à la culture japonaise dans le cas des animes. Par exemple, moi j’ai été élevé par le Club Doroté et à l’époque on savait même pas que c’étaient des animes, on appelait ça des dessins animés. Ils édulcoraient tout, ils utilisaient des noms occidentaux pour les désigner : les Olivier Tom, les Jacques, les François,… Et là vraiment depuis les années 2000 et puis surtout de plus en plus maintenant, il y a un vrai savoir-faire au niveau du jeu aussi, de savoir comment jouer les animés, de comment aborder les fameuses réactions, les façons de crier tout ça. Et aussi, il y a un vrai respect de la culture japonaise, des noms japonais et donc au niveau de ça par contre, c’est une belle évolution je trouve !

Est-ce que tu peux nous donner le déroulement d’une journée type quand tu travailles et que tu vas doubler sur un animé ?

Alors on arrive en général aux alentours de 9h30 au studio. Après ça dépend de comment on est convoqué parce qu’en fonction de la quantité de texte et du personnage qu’on fait, des fois on peut être convoqué 1h, 2h, parfois une journée entière. C’est variable. Si par hasard on prend une journée qu’on a la chance d’être une journée entière, donc avec un personnage important qui parle beaucoup, comme c’était mon cas à l’époque de Natsu, souvent je faisais 24 épisodes en une journée.

Ce n’est pas un peu rush ou ce sont des conditions normales de travail ?

Si, effectivement ! Comme je disais, de plus en plus efficace, de plus en plus un peu contraignant – on veut faire des économies ? – oui voilà, des économies. Et donc en gros ben j’arrivais à 9h30, alors là, je savais ce que je doublais, mais très souvent on ne sait pas encore ce qu’on va enregistrer. On le découvre sur le moment. Le directeur artistique, qui nous a convoqué, nous dit : « Voilà, alors c’est telle série ou tel film, tel animé, c’est ce personnage que tu vas faire. » Certaines fois, ils vont l’expliquer : « il se passe ça, il lui arrive ça« . D’autres fois, ils vont dire : « Bah, on y va ! » Et puis en fait on découvre au fur et à mesure.

On va faire boucle par boucle. Ce qu’on appelle des boucles, ce sont des petites scènes de 1 minute, 1 minute 30 qui résultent de l’épisode qui a été divisé. Et on va faire boucle par boucle, toutes les boucles où il y a notre personnage, on va les faire les unes après les autres. On en fait une, on regarde la version originale, on écoute bien, on regarde l’image, la fameuse band ritmo qui défile en dessous avec le texte. C’est là où on découvre le texte, on découvre comment ça se passe, qui il y a à jouer, tous les détails techniques auxquels il faut faire attention. Donc là, on fait un visionnage. Une fois qu’on a fait le visionnage, on coupe le son complètement dans le studio. Il y a plus que le comédien qui parle. Il y a plus les musiques, il y a plus rien. Vraiment, on enregistre dans un silence complet pour avoir que la voix. Et ensuite, cette voix française qu’on vient d’enregistrer, est rajoutée à ce qu’on appelle la ‘VI‘, la version internationale, qui est en fait tout ce qui n’est pas la voix : ça va être tous les bruitages, les musiques, qui va être utilisé dans tous les pays. Et donc cette voix française avec la VI va faire une petite version française d’une scène. On l’écoute. Si c’est bien, on passe à une boucle suivante. Si c’est pas bien, on la refait aussi souvent qu’il le faut. Et voilà. Et on fait ça toute la journée. On fait boucle par boucle par boucle et à la fin de la journée, on a enregistré tout notre rôle.

Et concrètement, tu as les scènes dans l’ordre ? Est-ce que tu vois tous les épisodes en entier ou vraiment juste ce que tu vas doubler ?

Vraiment que les parties de mon personnage.

Est-ce que c’est contraignant quand tu dois doubler quelqu’un, de ne pas avoir, peut-être, tout le contexte ?

C’est pas contraignant dans le sens où c’est notre travail, on a appris à le faire et c’est aussi pour ça que le doublage est très particulier à l’inverse du théâtre ou des film où on va avoir des mois pour préparer un rôle. Là, vraiment le doublage, c’est de jouer ce qui se joue dans la scène. Si tu joues vraiment ce qui se passe dans la scène, tu peux pas te tromper sur ce qui se passe avant et après parce que tu auras joué la même chose que ce qui a été fait au départ. Et donc vraiment il faut se concentrer là-dessus. Parfois, effectivement, s’il y a un truc que tu comprends pas parce que c’est un peu compliqué, tu peux demander au directeur artistique, qui lui a vu tout l’épisode, et il te dira : « Oui, alors là en fait, il s’est passé ça, son papa est mort », des trucs comme ça, ou alors « c’est toi le méchant, c’est pour ça que tu parles comme ça » et ça peut t’aider. Mais après, c’est vraiment cette force là qu’a le doublage, c’est de jouer ce qu’il y a à jouer et logiquement, en général, ça passe.

Par contre, ce qui est drôle c’est qu’effectivement, je ne vois que les scènes de mes personnages et parfois quand je regarde la série, bah je comprends plein de choses que j’avais pas compris avant parce que j’ai joué des choses sans comprendre ce qui se passait et après je fais « Ah ok, c’est pour ça que j’ai dit ça. » Et voilà, donc ça c’est rigolo !

Est-ce que ça a été le cas avec Fairy Tail du coup ? 

Fairy Tail pas trop parce que, je vais me faire engueuler, mais j’ai pas regardé Fairy Tail. J’ai regardé genre quelques épisodes au début et les cinq derniers pour voir un peu le résultat et voilà. Mais sinon non. Par exemple, ça me l’a fait sur 13 Reasons Why, où je doublais Alex. Et ben en fait comme j’avais bien aimé la série, bon je l’ai regardé en VO. Je suis un très mauvais camarade !! Même si on est beaucoup à le faire.

Un comédien de doublage français qui regarde ses séries en VO ? Etonnant ! C’est juste par principe car tu ne veux pas t’entendre ou ça n’a rien à voir ?

Non, ça rien à voir. J’aime bien m’entendre. Des fois même je vais aller écouter pour entendre le résultat par curiosité, voir ce que ça donne. Mais sinon, c’est plus que moi c’est comme ça que je le ressens. J’aime bien, surtout sur une série live-action, voir le jeu de l’acteur original et parce que j’ai envie de voir ce qu’il a créé à la base. On essaiera toujours de faire au mieux pour ressembler à ce qu’il a fait, mais il y a une authenticité qu’on ne pourra pas avoir. Des fois, on s’en sort très bien et les VF sont de très bonne qualité, mais moi, un peu en tant que puriste, car j’aime beaucoup le cinéma et les séries, j’aime bien voir le jeu de l’acteur original : comment il l’a créé, les indications du réalisateur, l’accent aussi des fois, parce que du coup en VF on perd les accents anglais, les accents irlandais, etc…

Vous avez des indications par rapport à ça justement ?

Non, en général, il faut que ce soit le plus « accent français normal ». Il faut pas qu’il y ait de différence au niveau des accents. À la rigueur avec les anglais, le petit truc qu’on va nous dire c’est essayer de le faire un petit peu plus… – Bourgeois ?– Ouais, voilà exactement ! Mais sinon les accents on peut pas jouer là-dessus malheureusement.

On va revenir un peu aux animés et à Fairy Tail notamment. Natsu est du coup le personnage pour lequel on te connaît le plus. C’est quoi le lien que tu as avec ce personnage après l’avoir doublé pendant des années ? C’est quoi ton rapport à Natsu ?

Je le dis souvent, Natsu, ça a été une belle rencontre, dans le sens où c’était le premier rôle important qu’on m’a confié. C’était un rôle que je rêvais de faire depuis gamin car c’est un rôle de héros de shonen. Ayant été élevé avec les Chevaliers du Zodiaque ou Dragon Ball… pouvoir crier un pouvoir, c’était un rêve de gamin que j’ai réalisé. Donc tomber sur ce rôle là, en plus, il réunit tout ce que j’aime dans un héros de shonen qu’on retrouve un peu dans Nicky Larson. Ce côté il est complètement débile, il dit n’importe quoi et puis d’un coup dès qu’il est dans l’action par contre il a un charisme de ouf et il déchire tout. Ça c’est quelque chose que j’adore. À jouer, c’est super intéressant aussi. Et au-delà de ça, dans le métier, des fois, il y a des rôles qui seront plus difficiles à atteindre que d’autres parce qu’il va falloir les composer. Des rôles qui sont plus loin de nous. Et des fois, il y a des rencontres, ce que j’appelle des rencontres, c’est qu’il va y avoir des rôles où c’est une évidence ! Objectivement, notre voix a été faite pour ce personnage. On a rien à faire. On a juste à jouer les intentions. Donc il va falloir être dans la même énergie. Il va falloir donner, il va falloir crier. Mais on n’a pas à composer. Moi, Natsu, je regarde ce qu’il fait, j’y vais. Et c’est moi… En fait, Natsu, c’est moi ! J’ai pas besoin de réfléchir à ce que je fais.

On peut dire que tu t’identifies un petit peu à lui aussi ou pas à ce point ?

Pas vraiment identifié, parce que bon c’est quand même un univers différent, mais en fait même pas jusque là. C’est juste que c’est moi. J’ai pas besoin de réfléchir et au fur et à mesure des années en plus c’est devenu… je l’appelle un peu mon âme sœur dans le doublage, c’est mon meilleur pote, c’est mon meilleur ami. Quand je le retrouve je sais comment il va réagir je sais ce qu’il va faire, je le connais par cœur ! Pour moi, ça a été ma belle rencontre effectivement dans le doublage en tant que personnage.

Natsu, c’est quand même un personnage qui est connu pour brailler énormément. Il déborde d’énergie. À quel point c’est difficile de doubler un personnage qui finalement est tout le temps en action, qui a tout le temps la voix qui part dans tous les sens ? Je pense qu’on te le demande souvent, mais est-ce que tu finis la voix cassée en fin de tournage ?

Ouais. à l’époque où je faisais les 24 épisodes dans la journée. À la fin de la journée, alors j’avais pas la voix cassée, je me suis jamais cassé la voix, mais la voix était très fatiguée. Je le sentais, elle était raillée. Je n’aurais pas pu enregistrer autre chose derrière. Mais, c’est un personnage tellement chouette. Il est très proche de moi et moi j’ai naturellement aussi beaucoup d’énergie donc voilà, je peux mettre cette énergie dedans. La seule difficulté, c’est un peu au niveau de la voix, effectivement, de réussir à économiser sa voix. Maintenant, je me rends compte qu’en vieillissant, entre le moment où j’ai doublé les derniers Fairy Tail et là où j’ai doublé la Quête de 100 ans, à l’époque, je faisais 24 épisodes en une journée. Là, j’en ai fait 8 et on faisait que par session de 8 et j’étais mort à la fin. Donc je sens que l’âge fait que j’ai un peu moins la force et l’énergie que j’avais à une certaine époque pour assurer aussi bien. Je suis lessivé à la fin des 8 épisodes, là j’étais mort, j’en pouvais plus.

Mais est-ce que les personnes avec qui tu travailles respectent ça et du coup ne vont pas t’imposer de faire plus d’épisodes ?

Bah s’ils m’imposaient, je le ferai, je serais obligé de toute façon, je n’aurais pas le choix. Mais il se trouve que les conditions ont un peu évolué, qu’on va moins dans ce côté-là, en tout cas pour cette série là. On a fait plus de temps pour enregistrer, ce qui est bien et ce qui ce qui m’allait bien aussi.

Et toujours pour rester dans l’animé, c’est vrai que tu le disais un peu au début, ils ont vraiment des expressions très marquées, parfois des bruitages très typique qu’on entend vraiment beaucoup dans les animés. Est-ce que ça c’est un truc que tu fais? Et si oui, comment est-ce que ça tevient ? Comment tu as réussi à travailler ce côté-là ?

Alors moi je pense que je fais partie de ceux qui ont un avantage, c’est que avant de doubler dans de l’animé, j’étais très fan de manga et d’animé donc j’en avais regardé énormément et en VO ! En tout cas les derniers, pas forcément les premiers que j’ai regardé en VF, mais les derniers : Naruto, Bleach, je les ai défoncé en VO. Et donc en moi, il y a cette culture de la réaction du jeu japonais qui fait que faire un cri qui monte petit à petit, ça c’est un truc que je savais faire parce que j’en avais tellement bouffé que c’était en moi, c’était imprégné en moi. Après, il y a des comédiens, qui sont plus habitués à doubler dans des séries et des films. Quand ils arrivent dans des animés, ils sont perdus parce que justement, ils ont pas ces codes, ces façons de jouer, ces réactions. C’est tout bête, mais c’est quelque chose que si tu ne sais pas le faire, c’est quelque chose que tu ne fais pas dans la vie de tous les jours. Donc il faut apprendre à le faire, en fait !

C’est une super transition pour ma prochaine question qui est que donc tu as eu l’occasion de faire de l’animé, mais également des séries live action. Il y a eu notamment Pretty Little Liar, Mentalist, mais aussi tu as joué Léo Fitz dans les Agents du SHIELD… C’est quoi la principale différence entre quand tu fais du live action et quand tu doubles un animé ?

Alors il y a plusieurs petites différences. La base est la même, ce sera toujours du jeu. Si on va dans les différences, l’animé ça va être, ce que j’appelle moi, des émotions très sincères mais complètement exacerbées. Des ruptures d’émotions : c’est soit on pleure à fond, soit on est complètement joyeux. Il y a toujours une espèce de, moi ce que j’appelle une espèce de petite bulle d’énergie à avoir qui fait qu’on sera toujours un petit peu au-delà de ce qu’on serait dans la vie de tous les jours. C’est ça qu’il faut réussir à tenir et après il y a beaucoup de ruptures, ça va dans tous les sens, faut vraiment réussir à gérer ça.

Quand on va doubler du live action, en fait ça va être plus doubler la vie de tous les jours. Donc ça va demander un jeu beaucoup plus fin. Ça va demander de savoir aussi respecter ce qu’a fait l’acteur à la base et donc de se plonger en lui, d’être en empathie avec lui, de faire ce qu’il a fait et donc c’est beaucoup plus exigeant parce que c’est plus fin, plus précis. Et donc moi entre les deux, j’adore les animés, mais le challenge est plus difficile et donc plus intéressant pour des séries live-action.

Et quand tu parles de Leo Fitz, j’en parlais avec Natsu, mais Leo, c’est mon personnage tout confondu, mon comédien, mon acteur préféré. Celui que j’ai préféré doubler de tout confondu parce que l’acteur est exceptionnel. Ce qu’ils lui ont fait jouer au fur et à mesure des saisons, ils lui ont fait tout jouer. Il a une évolution incroyable. Quand on est comédien, c’est intéressant de pouvoir jouer plein de choses différentes. Et grâce à cet acteur-là, qui est pour moi un des meilleurs acteurs de sa génération et je regrette qu’on ne le voit pas plus parce qu’il est exceptionnel, il fait des choses mais incroyables. Pouvoir passer derrière lui et avoir la chance d’avoir ce challenge de réussir à le mettre en valeur, c’était un truc de fou ! Donc vraiment, j’ai adoré le doubler. Et lui pour le coup chacune de ces scènes c’était un challenge pour moi parce que c’était tellement bien en VO que je me disais « là, il faut pas que je me plante, faut que je fasse aussi bien que lui« . Donc c’était un vrai challenge ! Et quand j’ai vu le résultat là récemment, je me le suis regardé en VF. J’avais jamais vu en VF. Et objectivement, j’ai trouvé la VF cool quand même. – Du coup, tu es fier de toi et de ce que tu as pu faire ? – J’arrive à être fier. Il y a des fois, je suis très critique mais objectivement, j’arrive aussi à savoir me rendre compte quand les choses ont bien été faites et cette VF là en dehors de moi, tous les autres personnages, même les voix, le choix des voix qui a été fait par le DA, pour moi, c’est une des meilleures VF, elle est vraiment parfaite !

Deux questions en une : la première étant est-ce qu’il t’arrive d’écouter aussi les versions pas forcément juste originales anglaises, mais italiennes ou espagnoles, enfin ce qui se fait en Europe ou à l’étranger pour comparer ? Est-ce que tu as ce truc de d’aller voir un peu ailleurs pour voir ce qui a été fait ou pas du tout ?

Non, parce que je vais regarder les séries et les films espagnols ou italien de quand ils le sont à la base, donc quand c’est la VO – La Casa de Papel par exemple ? – Voilà. Exactement ! Mais c’est vrai que non, j’ai jamais été trop regardé le doublage en lui-même espagnol ou italien ou allemand. Je me suis pas trop intéressé à ça. J’avoue pour le coup, j’ai pas trop fait gaffe.

Après, c’est vrai qu’en France, on a quand même un certain prestige vis-a-vis de nos voix françaises. On est très fier de cette industrie là. Même à l’international, c’est reconnu comme étant une des meilleures. Ma question, c’est est-ce que tu as déjà eu l’occasion de discuter avec les vrais comédiens ? Donc, par exemple, peut-être l’acteur de Léo Fitz. Est-ce que tu as déjà rencontré tes homologues américains ou peut-être japonais ?

Léo, j’aurais adoré. Je le taguais sur Instagram quand des fois je mettais des petits extraits VF pour en me disant peut-être qu’un jour il le verra. J’ai fait pareil aussi avec Levi Schmitt que je double dans Grey’s Anatomy parce que j’aime beaucoup aussi cet acteur, mais il m’a jamais répondu. Curieusement c’est une autre actrice de la série qui a commencé à me suivre, je sais pas pourquoi. Donc c’est marrant, mais sinon non.

Le seul que j’ai réussi à rencontrer, c’est celui que j’ai doublé dans la dernière saison de Stranger Things, c’est Jason. C’est un enfoiré dans la série, mais il est ultra gentil en vrai. J’ai réussi à lui parler 30 secondes. Il m’a dit : « C’est génial ce que tu as fait. » Est-ce qu’il l’a fait à l’américaine du genre : c’est cool, ou est-ce qu’il l’a déjà vraiment vu ? J’en sais rien. Mais en tout cas, il était super gentil ! C’était un amour et voilà, c’était 30 secondes assez magiques. Et sinon non, mes homologues japonais, j’ai pas pu les rencontrer parce que c’est tellement des stars qu’ils sont intouchables au Japon. Par contre, j’ai eu la chance de rencontrer Hiro Mashima, le créateur de Fairy Tail et je l’ai même interviewé, je lui ai parlé, je lui ai fait un hurlement du dragon de feu en japonais. Il a été mort rire, il a adoré ! Il m’a fait un dessin spécial pour moi. Enfin voilà, donc c’était une belle rencontre.

Dans le milieu du doublage français, est-ce que tu as des noms qui t’ont inspiré ? Je pense peut-être par exemple à Brigitte Lecordier qu’on connaît énormément et qui est d’ailleurs très souvent à Japan Expo. Est-ce que tu as des noms où tu te dis « Ah ouais, je veux faire comme eux » ?

J’en ai plein parce que si j’ai fait ce métier, c’est grâce à tous ceux qui sont passés avant moi. Moi, j’étais amoureux de la VF. Je suis devenu très vite amoureux de la VF quand j’étais au collège, lycée. Je reconnaissais les voix. Je regardais à la fin des films, j’obligeais tout le monde à rester à la fin des films pour regarder le carton de doublage. Je repérais les noms et je suis devenu amoureux de ces comédiens de par les émotions qui nous transmettaient : de nous faire pleurer, tout ça. Et donc pour moi tous ces comédiens de doublage sont des références. C’est grâce à eux que je suis là aujourd’hui ! Je pourrais en citer plein mais effectivement Brigitte Lecordier, mais pour moi il y a par exemple Thierry Wermut, c’est la voix de Tintin dans les années 90 ou Dawson dans les années 2000 qui est très important. Un qui nous a quitté récemment, Éric LeGrand, qui a été pour moi un mentor. C’est grâce à lui que je suis là aujourd’hui puisque c’est lui qui m’a donné tous les conseils qu’il me fallait au départ pour pouvoir faire ça. Il a répondu à tous mes mails alors que j’étais insupportable. Quand je relis mes mails, je me dis : « Mais comment il a eu la patience de me répondre ?« . Il m’a tout expliqué. Il m’a dit : « Faut que tu fasses ça, ça ». Et alors après effectivement, j’ai fait ce qu’il m’a dit, donc c’est grâce à ça que j’y suis arrivé ! Mais s’il n’avait pas été là au départ, je serais pas là ici, aujourd’hui. Donc je lui dois beaucoup. Et il y en a d’autres, beaucoup d’autres…

En France, les animés sont de plus en plus démocratisés, de plus en plus appréciés, mais la place de la VF est encore un peu sensible. On voit souvent passer des remarques négatives de personnes très fans d’animé qui disent que la VF : ça sera jamais aussi bien que la VO, que c’est enfantin, que c’est nul… Il y a beaucoup de gens dans la communauté qui rabaissent le travail des comédiens de doublage. Comment toi tu vis tout ça ? Est-ce que tu as déjà été face à des gens comme ça ? C’est quoi ton ressenti là-dessus ?

Maintenant, je le prends avec beaucoup de distance. Mon ressenti là-dessus, c’est qu’on devrait laisser chacun faire ce qu’il a envie de faire. C’est-à-dire que les Pro-VO, si vous n’aimez pas la VF, ben vous regardez pas la VF, vous laissez la VF tranquille. Après aussi l’autre chose que je dis souvent, mais que ce soit VO ou en VF ou n’importe quelle série ou film avant de juger, regardez et ensuite faites vos critiques… constructives ! Le problème des réseaux maintenant, c’est qu’on va critiquer pour critiquer. Moi, je considère que je vais mettre un commentaire quand je trouve que le truc est bien. Si le truc est pas très bien et que ce que je vais dire n’a pas d’intérêt, ne va rien apporter, je vais rien dire. Je vais pas dire juste : « c’est de la merde ce que tu fais » parce que je trouve que ça n’a aucun intérêt. Ça ne va faire avancer personne à part blesser des gens.

Au moment de la sortie de Fairy Tail dans les années 2011/2012, le canal home vidéo de Facebook avait sorti deux premiers petits extraits pour annoncer que la VF de Fairy Tail allait arriver. On s’est fait descendre de ouf ! Moi j’étais comme un fou parce que c’était pour moi, mon premier gros rôle. J’avais vraiment la pression car je savais que c’était très attendu ! En plus, ils ont pris des extraits qui ont été faits pour les essais qui ont été envoyés au Japon. Donc pas le produit final, et des extraits pas très intéressants. Et quand j’ai vu ça effectivement, les commentaires m’ont fait beaucoup de mal… Pour moi c’était important et là on s’est fait vraiment descendre.

Ce qui est drôle, c’est que 1 an plus tard, on était élu meilleur VF de l’année par Animeland. Et ce, pour 2 ans de suite d’ailleurs ! Bonne revanche ! Mais c’est comme ça, c’est qu’il y aura toujours les pro-VO qui veulent que ça soit ‘authentique’ donc en japonais. Moi j’ai envie de leur dire : « Les gars, c’est un dessin donc que ce soit en japonais ou en français, à la base c’est un dessin donc on va le jouer différemment et chacun a sa préférence« . C’est une question d’affect, c’est une question de de sensibilité. Chacun aime ce qu’il a envie d’aimer. On se laisse tranquille, on accepte, on est tolérant envers la pensée de chacun. C’est juste que chacun a le droit de penser ce qu’il a envie de penser. S’il a envie de le dire, il le dit. Du moment qu’on reste dans le respect de la personne et qu’on évite de blesser les gens et puis après, il n’y a pas de raison que ça se passe mal. S’il y a des bons arguments, argumentez ! Et sinon bah restez sur la VO, personne vous oblige à aller voir la VF.

C’est une belle conclusion ! Je vais finir quand même avec quelque chose de plus sympathique. Il me semble que si tu avais pu doubler n’importe quel personnage d’animé, tu aurais aimé doubler Naruto. Est-ce que c’est le cas ?

Ouais, j’ai adoré Naruto ! C’est une des raisons pour lesquelles j’ai voulu faire du doublage. Enfin, dans les derniers moments où j’ai pris ma décision et où j’ai écrit à Eric Legrand, Naruto venait de sortir et je lui ai dit : « Ah, j’adorerais doubler dans Naruto » et il m’a répondu par mail, « D’abord, tu vas te calmer. On ne choisit pas ce qu’on double« , en rigolant un peu, mais il m’a remis les idées en place. C’est grâce à ça justement qu’après j’ai pris les bonnes bases. Mais au-delà de Naruto, après je me suis fait un petit essai plus tard sur TikTok et je me suis rendu compte que la voix aurait pas été bien. Par contre je pense que sur Shikamaru, j’aurais pu faire un boulot vraiment cool. J’adore Shikamaru, c’est un de mes personnages préférés ! Et sinon pour le coup Ichigo dans Bleach, je pense que ça aurait pu vraiment être cool.

As-tu d’autres projets en cours par rapport au doublage d’animé. Est-ce qu’on peut en parler ?

Alors, on pourrait en parler s’il y en avait. En général, il y a une période un peu calme dans le doublage où il y a beaucoup moins de travail et moi ça fait longtemps qu’on m’a pas proposé de vrais nouveaux rôles. Si ! Dans les jeux vidéos, j’ai des petites interventions dans des nouveaux jeux vidéos. Mais pour le coup, eux, je peux vraiment pas en parler parce que les jeux vidéos… Tu peux rien dire du tout. Donc, il y a des trucs qui vont arriver en jeux vidéo mais en animé, malheureusement rien pour l’instant et mais j’espère que ça va bouger !

Dans les animés récents, il y a des trucs qui t’intéressent un petit peu ?

J’ai pas trop suivi. J’arrive pas à savoir trop ce qui va sortir. Donc je connais pas assez les choses qui qui arrivent pour le savoir. Mais si, j’adorerais être dans la nouvelle version des One Piece, les One Piece Kai qui vont arriver. J’aimerais avoir un rôle là-dedans. Ça, ça me ferait triper !!

On te le souhaite en tout cas ! Merci beaucoup Arnaud Laurent, de nous avoir accordé cette petite interview !

Propos recueillis par Ines-Scarlet et L’avis de Ben.

L’article Interview d’Arnaud Laurent, le comédien de doublage de Natsu dans Fairy Tail ! est apparu en premier sur Kazoku.

Oreco Tachibana à la conquête de la France

C’est la première fois qu’Oreco Tachibana met les pieds hors du Japon. Elle découvre donc la France et sa culture et montre déjà un intérêt certain pour la cuisine de notre pays ! “Il paraît que la cuisine française est délicieuse” commence-t-elle, “j’aimerais manger différentes choses, notamment du pain, que j’apprécie particulièrement”. Et comment parler de gastronomie française sans évoquer le fromage ?! “Je n’aimais pas le fromage au Japon ; mais hier soir au restaurant, il y avait un plateau avec plein de sortes de fromages et j’ai tout mangé. J’ai découvert vraiment la variété de fromages français et j’adore” explique-t-elle.

Au moment de cette conférence, nous sommes le 2 juillet, veille donc du salon Japan Expo, et Tachibana-sensei est particulièrement stressée. “Je suis très timide, et je n’arrive pas à parler devant un grand public. J’ai le trac à 100%”, on espère que cette entrevue en petit comité saura la détendre un peu ! Au cours de cette convention, 2 séances de dédicaces sont prévues jeudi et samedi ainsi qu’une masterclass.

Les Noces des Lucioles. Une série en cours avec 8 tomes au Japon. Les 4 premiers sont déjà sortis en France chez Glénat.

• Durant l’ère Meiji, Satoko, une jeune femme issue d’une famille prestigieuse, est atteinte d’une maladie au cœur. Les médecins ont estimé qu’elle aura une faible espérance de vie. Afin qu’elle puisse vivre heureuse, son vieux père fait tout son possible pour la marier à quelqu’un qui prendra soin d’elle. Un jour, Satoko est kidnappée par des bandits qui ont été engagés pour la tuer. Afin de survivre, elle propose à Shinpei, un homme dérangé et assassin de légende, de se marier à lui. S’ensuit alors une histoire d’amour hors du commun.

Promise Cinderella. Une série finie au japon en 16 tomes. Les 4 premiers volumes sont aussi déjà disponibles en France chez le même éditeur.

• Hayame mène une vie modeste et paisible en tant que femme au foyer. Un jour, elle rencontre un étudiant nommé Issei. Alors que la vie de Hayame s’effondre autour d’elle, Issei fait une proposition inattendue qui va bouleverser sa vie.

Parcours & influences

Oreco Tachibana apprend seule à dessiner. Durant la conférence, elle nous explique qu’elle s’est beaucoup renseignée sur le corps humain. Elle lit de nombreux livres et regarde des documentaires pour mieux comprendre l’anatomie. La mangaka est passionnée par le dessin, mais n’a malheureusement pas trop de temps pour expérimenter de nouvelles choses. “Quand je suis sur une série, il faut que je me concentre dessus, donc je n’ai pas beaucoup de temps pour m’exercer. Mais entre deux projets, ça m’arrive de le faire”.

Alors justement, comment ça se passe lorsque Tachibana-sensei travaille sur un de ses mangas ? Avant d’écrire, elle a déjà certaines scènes et images dans sa tête. “J’essaie de dessiner en visualisant précisément cette scène”.

Elle explique que ses œuvres lui font souvent penser à des séries TV, mais que ce sont surtout des films qui l’ont inspiré. Titanic et Mr & Ms Smith étant ses longs-métrages préférés, on le ressent clairement dans sa manière de créer des relations amoureuses entre ses personnages. L’autrice cite aussi un drama coréen : Crash landing on You, comme étant sa série préférée.

En réalité, Oreco Tachibana s’inspire d’absolument tout ce qui l’entoure. Elle nous dévoile que ses discussions avec son mari l’inspirent beaucoup. “C’est le moteur de mes oeuvres” souligne-t-elle. “Même ici en France, lorsque je parle avec des Français, cela peut m’inspirer de nouvelles choses pour mes histoires !”

La dessinatrice fait ses débuts sur la plateforme Manga One avec Promise Cinderella. Une plateforme peu connue en France. Aujourd’hui Les Noces des Lucioles y paraît également. C’était une première pour elle qui n’avait jamais été publiée avant. Elle décrit cette expérience avec la plateforme comme “assez libre” en termes de “rythme de travail et de conception”. “J’en suis très contente et je compte bien y rester” affirme-t-elle.

Dans une interview, Oreco Tachibana a exprimé son intérêt pour les couples psychopathes. C’est de cet intérêt qu’est né son manga Les Noces des Lucioles. Pour cela, elle n’avait pas particulièrement de référence en termes d’œuvres, mais le caractère de Satoko et Shinpei lui ont été inspirés en lisant d’autres mangas japonais.

Pour rendre la tension romantique efficace dans ses œuvres, la mangaka prend soin d’étudier différents angles du corps humains sous différentes perspectives. Elle tente de choisir l’aspect qui sera le plus efficace pour chaque scène. Selon elle, “c’est pareil pour tous les mangakas”, mais alors comment se différencier des autres ? Surtout dans une ère où la romance est très à la mode.

“Créer des personnages qui donnent envie aux lecteurs”

“Pour les histoires de romance, je pense qu’on a pas le choix : elles sont toutes pareilles”. Mais elle nuance : “j’essaye de me différencier des autres mangakas en créant des situations originales”. Elle apporte un soin tout particulier aux expériences personnelles et se base principalement sur les siennes pour écrire ses œuvres.

De cette manière, elle tente de donner une expérience plus proche du réel. Mais ce sont aussi ses personnages qui donnent le change. “Pour moi, ce sont les personnages qui sont le plus important. Donc j’essaye de les créer pour donner envie aux lecteurs de lire jusqu’à la fin”.

Oreco Tachibana se décrit elle-même comme ‘réservée’ et ‘timide’. “Je n’arrive pas à dire ce que je pense, je suis comme ça”. Elle voulait faire un personnage principal à l’opposé d’elle. Cela passe donc par la création de personnages féminins extraverties. “J’ai eu envie de dessiner un personnage qui est le contraire de moi, qui est déterminé. Pareil pour les autres personnages féminins, j’aimerais qu’elles soient toutes comme ça”.

Même s’il semblerait que créer des héroïnes inspirantes soit un parti pris pour l’autrice, elle nuance : “c’est important de pousser le lecteur dans une direction particulière, certes. Mais d’abord, il faut que ça me plaise moi, c’est ça le plus important pour moi”. Elle insiste sur le fait qu’elle veut que ses personnages la touchent personnellement. “J’aimerais que Satoko fasse plein d’expériences et qu’elle surmonte des situations difficiles, mais qu’elle finisse par s’en sortir !”

Dans les Noces des Lucioles, mais aussi dans Promise Cinderella, Oreco Tachibana met au centre de ses récits des duos forts. “J’aime l’idée d’avoir un couple très fort et c’est ce que j’essaye de développer. Je joue avec l’équilibre entre ces deux personnalités fortes”. Un équilibre qu’on retrouve dans sa première série malgré la différence d’âge entre Issei et Hayame (d’une dizaine d’années). Si, en tant qu’européens, le concept pourrait nous déstabiliser un peu, la mangaka l’assume complètement : “après avoir accouché de ma fille, j’ai eu l’impression que les hommes étaient très mignons. J’ai imaginé que s’il y avait dix ans de décalage, peut-être qu’ils deviendraient encore plus mignons. C’est ce qui m’a inspirée pour Promise Cinderella.”

En effet, son mari est à l’origine du personnage de Hayame. “C’est quelqu’un qui dit les choses de manière très franche et forte”. Alors que l’autrice est plutôt réservée, elle aimerait s’exprimer comme Hayame lorsqu’elle parle à son mari. Oreco Tachibana estime qu’elle a réussi à surmonter un peu sa timidité envers son mari grâce à l’écriture de ce manga.

Une romance à l’ère Meiji ?

Même si elle n’a plus rien à prouver quant à la qualité et l’originalité de ses romances, avec Les noces des lucioles, elle fait le choix audacieux de planter son décor dans l’ère Meiji.

• L’ère Meiji (明治時代, Meiji jidai) est une ère de l’histoire du Japon comprise entre 1868 et 1912. Elle se situe entre l’ère Keiō (fin de l’époque d’Edo) et l’ère Taishō.

L’autrice a fait beaucoup de recherches sur cette ère. “J’ai lu plein de livres, j’ai consulté des archives et je suis même allée au musée (maison close de l’époque)”. Elle poursuit : “je crois qu’en France, les nobles existaient aussi. Au Japon, on les appelait ‘kazoku’ et donc j’ai fait des recherches là-dessus. Et je pense que les assassins existaient encore à cette époque”. Tous les éléments de cette période font que Tachibana-sensei a pu retranscrire une certaine cruauté. C’est justement ce qu’elle voulait dessiner et l’ère Meiji lui paraissait donc la plus adaptée.

La mangaka n’a pas de mal à assumer qu’elle veut simplement parler de ce qu’elle aime et ce qui lui fait plaisir ! Ses mangas semblent être des revisites d’intrigues populaires auxquelles elle ajoute des enjeux modernes. Amours impossibles, mariages arrangés, différences de statuts sociaux ou d’âge…

Lorsqu’on lui demande si elle souhaite représenter des problématiques de notre société actuelle à travers ses œuvres, elle répond : “peut-être allez-vous être déçue par ma réponse, car dans ma tête il n’y a pas tous ces problèmes. Je ne pense pas vraiment à ces différences d’âge ou de classe. Ce que j’aime, c’est dessiner des histoires qui m’attirent. Si le résultat de mes activités influence beaucoup de fans, de lecteurs, si vous aimez mes œuvres, c’est vraiment impressionnant pour moi. Donc je suis très contente”.

Être mangaka, le défi d’une vie

Pour sa dernière série en cours, l’autrice avait en tête de faire 5 ou 7 tomes, “mais en la dessinant, l’envie d’en faire davantage m’a prise” explique-t-elle. Finalement, ça sera sûrement fini en 11 ou 12 volumes. Mais alors, imagine-t-elle la conclusion de ses œuvres dès qu’elle commence à dessiner ? “Oui, je décide déjà de la fin, mais ça change tout le temps. C’est car je change tout le temps d’avis sur mes œuvres”. Oreco Tachibana continue en nous donnant son ressenti sur son métier. Le plus grand défi d’un auteur, selon elle, arrive lorsque : “ce que le mangaka veut dessiner ne correspond pas forcément à ce que le public veut lire”. Jusque là, elle admet avoir la chance que tout ce qu’elle crée soit aimé de son public. “Cet équilibre me convient et ça me permet de pouvoir vivre de ma passion en tant que mangaka !”

Promise Cinderella a d’ailleurs eu la chance de s’exporter sur le petit écran dans une série live-action, une expérience qui a rendu l’autrice très heureuse ! “Chaque semaine, à sa diffusion, j’étais devant ma télé avec mon portable en main pour pouvoir échanger avec les fans”.

Tachibana-sensei s’est même rendue sur le plateau de tournage et a tiré un mini-manga de ses observations sur place. La mangaka a réalisé quelques vérifications sur les scénarios, notamment sur les dialogues. Mais c’est son Tantô qui s’est principalement occupé du gros travail de vérification.

Elle aimerait beaucoup voir son autre série, Les noces des Lucioles, également adaptée, mais plus particulièrement en anime ! Lorsqu’on lui demande quelle type de voix elle imagine pour ses deux protagonistes, elle répond qu’elle voudrait une voix plutôt ‘enfantine’ pour Shinpei. Tandis qu’elle aimerait une voix calme et posée pour Satoko.

Les projets d’Oreco Tachibana

L’autrice connaît actuellement un franc succès. Forcément, on se demande donc comment se profile la suite pour elle. “Il y a beaucoup d’histoires que j’aimerais dessiner. Il y a trop d’idées dans ma tête. Mais j’essaie de ne pas trop y penser car je dois me concentrer sur ma série actuelle”.

Si toutefois, elle devait réaliser une nouvelle série, cela serait très probablement “un drame humain dans le milieu du sport”. Ce qui est sûr, c’est qu’on a tous hâte de voir ce que cela pourrait donner !

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La motion capture pour donner vie aux personnages de Clair Obscur

• La capture de mouvement (motion capture en anglais, parfois abregé en ‘mocap’) est une technique permettant d’enregistrer les positions et rotations d’objets ou de membres d’êtres vivants. Le but : en contrôler une contrepartie virtuelle sur ordinateur (caméra, modèle 3D, ou avatar). Un système très utilisé dans le monde du jeu vidéo !

Charlotte Hoepffner expérimente pour la première fois la Motion Capture avec Clair Obscur et le personnage de Maëlle. Sur scène, elle nous décrit cette expérience si singulière : “on a un costume avec des capteurs, on a un casque avec l’Iphone qui filme le visage, donc on se voit dans un angle hyper particulier. On est vraiment très laid” finit-elle avec humour. Apprendre à passer outre cet aspect là, mais aussi devoir rester constamment en mouvement et imaginer ce qui se passe autour… Voilà le challenge que représente la motion capture.

Lorsque Melinda Davan, la présentatrice de cette conférence, lui demande quelle est la différence entre son travail d’actrice et la motion capture, Charlotte lui répond qu’elle s’est sentie beaucoup plus libre avec la ‘mocap’ de par le cadre. Les traditionnelles caméras fixes laissant leur place à un téléphone qui les capture en 360°, c’est une toute autre dynamique. Elle souligne que c’est aussi grâce à l’équipe de SandFall. “Guillaume (Broche – directeur de l’entreprise) nous a vachement laissé cette place là de nous laisser nous exprimer et ressentir les scènes”.

Malgré tout, l’exercice reste assez difficile pour l’interprète de Maëlle. Elle explique que ce casque pouvait être contraignant lors des ‘cascades’ ou dans les moments où les acteurs étaient très proches. Il pouvait même arriver qu’ils doivent tombaient les uns sur les autres et à, c’est la cata ! “Si on passe la main devant l’Iphone, la prise est foutue. Pareil si on pleure ou on morve, on ne peut pas s’essuyer le visage dans les scènes émotionnelles”. « Mais n’est-il pas justement compliqué de ressentir l’émotion des scènes avec tout cet attirail ? » enchaîne l’animatrice. “Au bout d’un moment, on les oublie, mais au début, c’est assez compliqué” précise Charlotte.

Derrière le travail des acteurs, ce sont William Tomasi et son équipe qui tirent les ficelles. En effet, ils sont en charge de façonner les cinématiques pour les rendre mémorables. William explique qu’au-delà d’assister aux performances des acteurs, son travail commence avant avec l’écriture des scènes, et il continue après pour les finaliser et les incorporer au jeu. Mais tout ne s’est pas exactement passé comme imaginé à l’origine… “Ils (les acteurs) ont une telle liberté pendant la scène que parfois ils vont faire des propositions énormes” souligne William. Ce qui l’amène, avec sa team, à souvent reconsidérer leur idée de base et à partir sur quelque chose de nouveau ! Il poursuit : “ils ont proposé des moments d’impro qui maintenant sont des éléments clés du jeu”.

Des personnages différents et pourtant si similaires…

Charlotte Hoepffner a d’abord exploré son personnage, Maëlle, à travers sa ‘back story’. Puis elle a découvert la suite du scénario au fur et à mesure que son histoire progressait. Cela lui laissait ainsi la surprise des révélations comme nous, joueurs, l’avons vécu.

Maxence Cazorla a été l’acteur de Gustave, mais aussi de Verso et de Renoir par la suite. Mais au début, il ne jouait que Gustave avec lequel, d’ailleur, il se sentait assez proche. “Gustave, dans la physicalité, c’était moi (…) J’ai aimé jouer ce côté de Gustave qui a des insécurités. Il a du mal à regarder les gens dans les yeux, il est gêné”. Alors lorsqu’il a dû joué Verso, il voulait vraiment distinguer les deux personnages. “Puisque ce ne sera pas ma voix et ni mon visage, il faut qu’on puisse vraiment sentir que c’est un autre personnage dans sa manière de parler, de regarder les autres, de se comporter”. La première fois que Maxence a joué Verso, il a dû refaire de nombreuses fois sa prise. En effet, il n’arrivait pas encore assez à se détacher de Gustave.

Estelle Darnault, l’actrice derrière Lune, Sciel, Sophie, Emma ou encore Aline a également donné son ressenti sur le fait de devoir incarner différents personnages. “En tant qu’actrice, c’était incroyable car on a eu énormément de personnages à faire. De pouvoir switcher et essayer d’incarner des physicalités différentes, c’était incroyable !”

L’équipe de SandFall étant assez minimale, il est même arrivé que des personnes travaillant sur le jeu, autre que les acteurs, jouent certains personnages du jeu ! C’est comme ça que William Tomasi, l’artiste cinématique, s’est vu confier le rôle de Monocco. On le retrouve d’ailleurs crédité au générique de fin aux côtés de Guillaume Broche et de Lucile Fournié en tant qu’Additional motion capture acting’.

Un lien fort entres les acteurs de Clair Obscur

Sur scène, on retrouve aussi Estelle Darnault qui donne (littéralement) corps au personnage de Lune. Mais aussi Céline Melloul, qui elle, donne sa voix à celle-ci. Deux approches différentes pour un même protagoniste. Céline plaisante d’ailleurs à ce sujet, si elle devait choisir quelqu’un pour faire le corps de Lune, elle aurait aussi choisi Estelle ! Toutes deux s’accordent à dire qu’elles ont aimé Lune pour sa ‘droiture’, mais aussi son côté ‘rassurant’.

Il y a une cinématique en particulier qui a marqué les joueurs de Clair Obscur, mais évidemment aussi les acteurs… C’est celle du ‘gommage’. Maxence Cazorla qui interprète Gustave à ce moment-là, est accompagné d’Estelle qui elle, donne vie au personnage de Sophie. La scène en jeu est remplie d’émotions, mais William Tomasi explique que le tournage l’a été encore plus. “On est dans une petite salle, c’est intimiste, en équipe réduite (…) et dès que quelqu’un dit ‘coupé’, plus personne ne parle. On est tous un peu sous le choc de la scène”. Il insiste sur le fait que la scène du gommage a demandé beaucoup de travail pour en arriver au résultat final, “car une scène comme ça ne peut pas être faite rapidement. C’était trop important”.

Cette expérience a permis aux différents ‘acteurs’ du jeu de nouer des liens forts. “On a eu la chance de super bien s’entendre dès le départ… ce qui nous a beaucoup rapprochés. Et d’ailleurs (…) on a développé une amitié un peu comme dans le jeu tous les trois« . Charlotte fait ici référence à ses collègues Maxence (pour Gustave) et Estelle (pour Lune et Ciel).

Comment donner une voix à nos héros

Il faut bien distinguer le travail des acteurs (Maxence, Charlotte et Estelle) pour ‘donner corps’ aux personnages, de celui des comédiens de doublage (Céline par exemple) qui va ‘donner voix’ aux personnages.

Et justement, la voix de Lune vous est peut-être familière… c’est normal ! Céline Melloul, sa comédienne de doublage, est aussi celle de Aerith dans le remake de Final Fantasy 7. Avec Expédition 33, Celine explique qu’elle a tout de suite accrochée à son personnage et à l’univers du jeu. “Dès qu’on m’a raconté le pitch, j’me suis dit ‘j’pense que j’ai bien fait de venir’”. Dès les premières images qu’elle découvre, elle est tout de suite conquise !

Côté doublage, Maxence Carzola a aussi donné sa voix à un personnage de Clair Obscur. En toute logique, vous vous attendez à ce qu’il double un de ses personnage, à savoir : Gustave, Verso ou même Renoir, mais non… c’est bien à Esquie qu’il donne sa voix ! “Le plus bel-heureux accident” qu’il soit arrivé à Maxence, comme il le décrit. Lorsque le directeur sonde son équipe quant à qui voudrait doubler ce protagoniste, l’acteur saute sur l’occasion. En effet, il aime beaucoup ce personnage et a déjà une bonne idée de comment il veut l’interpréter !

Sur scène, Maxence nous révèle qu’Esquie s’inspire du personnage de Chien-Po dans Mulan. Pourtant, la voix de Esquie avait plutôt en tête BayMax des Nouveaux héros. Alors sur cette base, Maxence et les équipes de SandFall ont crée un mix des deux pour lui donner un aspect vocal ‘tout en rondeur’.

Qui se cache derrière la splendide bande-son de Clair Obscur ?

Cette fois-ci on se penche sur la bande-son si unique du jeu avec Lorient Testard, le compositeur.

Globalement ce sont les concept-art du jeu qui inspirent Lorient dans l’écriture de ses musiques. Chaque ost de personnage a sa propre histoire.“Pour Maëlle, ça a été une vidéo de danse qui m’a inspiré ce personnage”. C’est en regardant une vidéo youtube d’une jeune fille ressemblant à Maëlle qui dansait en slow-motion qu’il a composé son thème.

Lorient nous explique que “la musique a été faite en amont des scènes et des cinématiques, mais il y a eu quand même pas de cinématiques sur lesquelles (il est) revenu après avoir vu le résultat final où (il s’est dit) qu’il fallait quelque chose d’autre”.

Le compositeur poursuit alors avec une anecdote concernant un thème majeur qui a été amené très tard dans la conception du projet. “Le thème de Gustave est arrivé à la fin du jeu, car pendant très longtemps, c’était le thème de Lumière. Mais Gustave est tellement attaché à sa ville, Lumière, que je me suis dit que ce thème était beaucoup trop bien pour en écrire un autre. Il y a donc un moment où on revient à Lumière à la fin du jeu et j’avais besoin d’écrire une musique pour cet instant. Donc le thème que j’ai écrit à ce moment-là, est devenu le thème de Gustave”. “En dernière minute, il a fallu mettre la musique de Gustave sur toutes les cinématiques” finit-il.

Un concert symphonique des musiques de Clair Obscur annoncé !

Si vous avez joué à Clair Obscur, une question concernant la bande-son vous reste peut-être en tête : dans quelle langue sont chantées les chansons du jeu ? Parfois on reconnait quelques mots de français, d’autres fois on croirait entendre du latin ou de l’occitan… Qu’en est-il réellement ? Eh bien, il est l’heure de ‘casser un mythe’ commence Lorient. “C’est une langue qu’on a inventé pour éviter les spoils. Plus on avance dans l’intrigue, plus elle devient compréhensible !”. Un pari réussi vu comment les musiques du jeu nous restent en tête. C’est un vrai plaisir de comprendre les paroles au fur et à mesure du jeu !

C’est en fin de conférence, au moment des questions du public que Lorient Testard nous officialise l’arrivée d’un concert symphonique des OST de Clair Obscur : Expédition 33. Le projet n’en est encore qu’à ses balbutiements, mais est bel et bien en route et ce, pour le plus grand bonheur des fans du jeu !

“Depuis le début, on vit une aventure folle. Ce qu’on vit aujourd’hui grâce à vous, au bouche-à-oreille, à vos cosplays, à votre passion… ça change complètement nos vies”.

Voilà les mots de Maxence Cazorla et je trouve qu’il n’y a pas mieux pour finaliser cet article. Cette conférence exceptionnelle a clairement donné du baume au cœur aux joueurs d’Expédition 33. Alors, merci à vous, Maxence, Charlotte, Celine, Estelle, William et Lorient, mais aussi bien-sûr aux équipes de SandFall Interactive et à tous ceux qui ont participé à la création de cet univers si merveilleux !

Plus d’infos sur la conférence de Clair Obscur

Vendredi 4 juillet, deuxième jour de Japan Expo, 13:00 à 14:00 –  scène Také

• Lorient Testard (compositeur),
• Charlotte Hoepffner (actrice, motion capture),
• Maxence Cazorla (acteur, comédien de doublage et motion capture),
• Estelle Darnault (actrice et motion capture),
• Céline Melloul (comédienne de doublage)
• William Tomasi (artiste cinématique).

Conférence animée par Melinda Davan.

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Le Synopsis

L’intrigue prend place dans un univers sombre et fantastique aux traits inspirés de la Belle Époque.

Les protagonistes Gustave, Maelle, Lune et Sciel tentent d’arrêter la Peintresse, dont les pouvoirs divins peuvent tuer les personnes d’un âge donné qu’elle dessine sur un monolithe.

Mon Avis

UNE VÉRITABLE RÉUSSITE

Si vous êtes à la recherche d’une histoire singulière et prenante, ‘Clair Obscur Expédition 33’ est fait pour vous ! On a rarement fait aussi fort comme introduction dans un jeu vidéo ces dernières années. Le prologue est si poignant qu’il est impossible de ne pas être au moins un peu ému. Et bien sûr, en tant que français, l’expérience est d’autant plus satisfaisante qu’on reconnaît toutes les petites références. On les retrouve tant dans les décors que dans les noms… un vrai plaisir !

Le tout agrémenté d’une splendide bande son qui vous fera frissonner à coup sûr ! Si le jeu ne remporte pas l’award de la meilleure musique, je casse tout !

Alors certes, le gameplay n’est pas pour tout le monde. C’est une sorte d’hybride tour-par-tour fusionné avec quelques mécaniques dignes des plus grands Souls ! Alors il faut s’accrocher car entre les esquives, les sauts, les parades et les coups gradient, on ne sait parfois plus où donner de la tête.

Mais le jeu en vaut clairement la chandelle ! Jouissif, entraînant, rageant… J’ai pris énormément de plaisir à chaque combat (même s’il ne faut pas être allergique au «Die and Retry»).

Scénaristiquement, Clair Obscur m’a foutu une grosse claque du début à la fin… Impossible de rester impassible face aux histoires touchantes de nos différents protagonistes et aux dilemmes qu’ils affrontent.

Globalement, ce F-RPG maîtrise les points essentiels d’un très bon jeu vidéo. Le sound design presque impeccable et les design art à couper le souffle vous offriront une expérience unique. Et cela vous donnera sans doute envie d’y revenir.

Mention spéciale pour le doublage VF qui, avec son cast 5 étoiles, réussit à réellement nous plonger dans cette aventure riche en émotions.

LE JEU QUE PERSONNE N’ATTENDAIT

Un million de ventes en 3 jours, le second million atteint en 12 et des critiques dithyrambiques. Pour sa première production, le studio montpelliérain a fait très fort. Une surprise même pour Sandfall et son directeur créatif et co-fondateur, Guillaume Broche qui expliquait dans un article de France 24 que «le jeu a explosé bien au-delà de (leurs) prévisions». Clair Obscur Expédition 33 est devenu le jeu le mieux noté de l’année avec un score de 92 sur le site Metacritic.

Le jeu était même en rupture de stock dès sa première semaine de sortie.

La streameuse Celestiia a réussi à trouver son exemplaire de Clair Obscur Expédition 33 après avoir fait plusieurs magasins où il était en rupture.

C’est sur Twitter justement que l’on peut mesurer toute l’ampleur qu’a pris Clair Obscur depuis sa sortie. Depuis sa sortie il y a 2 semaines, le jeu continue d’être encensé par les joueurs. Les termes “chef-d’œuvre” ou encore de “jeu d’une vie” sont sortis plus d’une fois sur le réseau social.

Le streamer Scok donne son avis à chaud du jeu Clair Obscur Expedition 33

Beaucoup de fans de jeu vidéo s’accordent même à dire que c’est un des meilleurs RPG sortis récemment. Pour d’autres, il serait aujourd’hui pour la nouvelle génération, ce qu’a été Final Fantasy 7 pour l’ancienne.

Un autre joueur estime que Clair Obscur est le meilleur RPG qu’il a connu ces dernières années.

Conkerax parle de ce que Clair Obscur Expedition 33 lui a fait ressentir.

En même temps avec une expérience d’un tel calibre pour un prix défiant toute concurrence (environ 50€ contre 70€/80€ pour la plupart des Blockbuster récents), Clair Obscur impose un standard d’un haut niveau pour les prochaines productions ! Le jeu est même disponible sur le Game Pass.

CLAIR OBSCUR EXPEDITION 33 ASSUME SA ‘FRENCH TOUCH’ ET CA PLAÎT !

Alors si le succès de Clair Obscur Expedition 33 n’est pas une surprise au vu de sa qualité, il n’en est pas moins étonnant pour un jeu qui assume sa “French Touch”. Et oui, le jeu n’est pas juste fait par des Français, il se déroule carrément dans un univers qui ressemble à la Belle-époque de la France. Il en reprenant ainsi tous ses codes et son esthétique dans une ambiance sombre et fantastique.

Dans cette version alternative de Paris, les joueurs reconnaissent des monuments comme la Tour Eiffel, quoique courbée. On aperçoit l’arc de triomphe, même s’il est fendue en deux. Et pour apprécier ce paysage, quoi de mieux qu’une musique avec des sonorités à la française. On retrouve le célèbre accordéon, un instrument très associé à la culture française.

Et parfois, des notes globalement plus européennes avec des airs d’opéra ! Le tout avec des héros portant fièrement bérets, marinières et baguette de pain. Comment ne pas tomber sous le charme de ce jeu qui iconise les symboles de la France ?

Bref, il est indéniable que Sandfall et son équipe ont véritablement réussi à faire “rayonner l’audace et la créativité à la française”. Ce sont les mots employés par monsieur le président sur Instagram au sujet du jeu.

Pari réussi pour Clair Obscur Expedition 33 qui, en plus d’être un énorme carton à travers le monde, permet de remettre un coup de projecteur sur l’univers des jeux vidéo à la française.

CLAIR OBSCUR EXPÉDITION 33 ÉCLAIRE LA VOIE DU JEU VIDÉO FRANÇAIS

On peut désormais considérer Sandfall et son premier jeu comme un tournant pour le gaming ‘made in france’. Mais il ne faut pas oublier que de nombreux jeux avant eux ont su faire briller le drapeau français !

C’est évidemment le cas de ‘Plague Tale : Innocence’ développé par Asobo Studio et édité par PulluP Entertainment (anciennement Focus Home Interactive) qui sont toutes les deux des sociétés françaises. Celui-ci se déroule au 14e siècle dans l’ancienne province de Guyenne située dans l’hexagone.

À cette époque, le pays est ravagé par la guerre de 100 ans et l’arrivée de la Peste Noire. Avec un score de 81 sur Metacritic, le jeu a connu un grand succès. Un succès récompensé par le prix Pégase en 2020. C’était alors la toute première édition de cette cérémonie de remise de prix française. Le studio avait rencontré un tel succès qu’il signe un nouvel opus, Plague Tale : Requiem, 3 ans après le premier.

Parmi les studios français qui ont signé des titres de renom, on peut citer DontNod à l’origine de Life is Strange ou encore BlueTwelve Studio à qui on doit Stray. Dishonored ou encore la saga Rayman sont aussi des jeux aux origines françaises, mais ils ne le sont qu’en partie puisque souvent les éditeurs sont américains.

Bien que ces quelques jeux soient développés en grande partie par des Français, la différence majeure avec Clair Obscur Expédition 33 est que celui-ci prend complètement place dans un univers français. (Exception faite pour Plague Tale qui se déroule en France).

Ainsi, in game, on ressent toute la richesse de la culture française et cela passe autant par des visuels et lieux, que dans les injures telles que « merde » ou « putain » qu’on peut entendre même avec la VA ! Et le monde sait à quel point les insultes françaises ont du charme… non ?

En tout cas, il est évident que SandFall est en train d’ouvrir la voie pour des jeux qui s’assument plus et permettent de faire encore plus rayonner la France à l’international et on les remercie pour ça !

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Êtes-vous prêt à embraser votre cosmos et à vous plonger dans la légende des Chevaliers du Zodiaque ? Que le quiz commence !

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Une saison d’introduction

Si le premier acte avait bénéficié d’un rythme effréné grâce à ses (très) nombreux timeskip, le changement est presque drastique ici. Maintenant que la guerre entre les Verts et les Noirs est déclarée, la série fait le point sur les allégeances des différentes familles et les forces en présence.

Les fans de la saga Game of thrones ont été ravi de revoir les Stark dès les premières secondes de cette nouvelle saison. Mais pas aussi sûr en ce qui concerne les Lannister. Ils sont aussi de la partie puisque Tyland Lannister fait partie du conseil restreint d’Aegon. On retrouve également les familles du Conflans dirigées par les Tully. Le passage de Rhaena dans le Vale nous donne aussi l’occasion de revoir la maison Arryn. Autant de noms qui ne peuvent que nous faire sourire !

La suite de House of the Dragon prend le temps de s’attarder sur nos personnages. On met un point d’honneur à les développer en profondeur et à présenter de nouvelles têtes. On fait la rencontre de Hugh qui face à sa fille malade, tente d’obtenir l’aide du roi. Ulf fait aussi partit des nouveaux personnages sur qui le récit s’attarde dans cette seconde saison. Et c’est sans surprise qu’ils s’avèrent, par la suite, être indispensables à l’histoire.

Dans la continuité de la saison 1, la place des ‘batards’ (enfants nés hors mariage) est une nouvelle fois questionnée. Un concept qui prend une autre tournure ici. La reine Targaryenne prend en quelque sorte sa revanche sur les bruits de couloirs de la Cour. Elle, qu’on accusait autrefois d’avoir donné naissance à des enfants illégitimes, finit par lever une ‘armée de batards’.

Et même si le mot n’est jamais prononcé, il est largement sous-entendu au sein de la famille Velaryon également. Le spectateur comprend facilement que Alyn et Addam de Carène sont en réalité les fils batards du Serpent des mers, Corlys. Hypothèse rendu tangible lorsqu’Addam est choisi comme ‘dragon ridder’ par Sea Smoke. Celui-ci étant l’ancienne monture de Laenor, fils de Rhaenys et Corlys et mari de Rhaenyra, disparu dans la première saison.

Une saison d’introspection

Un des gros reproches que les fans font à cette suite est le passage de Daemon à Harrenhal. Et en effet, il est bien long, mais nécessaire à son développement. Daemon est un personnage qu’on a adoré dans la première saison grâce à sa personnalité explosive, mais aussi à l’acting absolument formidable de son interprète, Matt Smith. Maintenant que la guerre est aux portes de Dragonstone, celui-ci se retrouve face à ses propres démons. Même s’il est devenu le roi consort par l’intermédiaire de son alliance avec Rhaenyra, celui-ci convoite clairement son pouvoir. On le voit prendre des décisions sans la consulter et se permettre de parler en son nom devant ses bannerets. Alors, lorsque la confrontation arrive, il n’y a aucun doute : il doit absolument se retrouver et faire le point sur ce qu’il veut.

A travers ce que j’aime appelé son ‘bad trip’ d’Harrenhal, on se demande si le frère de feu Vicerys n’est pas en train de devenir fou. En réalité, chaque vision qu’il vit ou revit lui permet d’ouvrir les yeux sur le comportement qu’il a eu envers ses proches. Face à Leana, il réalise son incapacité à maintenir sa famille. Aspect qu’on continue d’exploiter lorsqu’il se retrouve face à sa nièce-épouse. La jeune Rhaenyra, qui avait pourtant une immense admiration pour son oncle, finit aussi par être déçue de ce dernier. Elle est visiblement fatiguée de devoir réparer ses erreurs et subir son égoïsme.

Tout ce segment de Daemon à Harrenhal révèle finalement les conséquences directes de sa décision de partir de son côté. Une manière d’abandonner toute la responsabilité de la guerre a Rhaenyra. Daemon nous a donc simplement fait une grosse remise en question sur sa vie. Mais cela lui a permis de reprendre en mains son chemin pour aider sa femme à devenir reine. Retour donc au point de depart, mais cette fois-ci avec la certitude que Daemon sera fidèle à son épouse.

Si sa rétrospection est évidente dans cette seconde saison, c’est un peu moins le cas de celle de la reine consort, Alicent Hightower. Elle est probablement un des personnages qui a le plus souffert dans cette série. Les derniers épisodes viennent d’ailleurs à nouveau le prouver. Elle, qui n’a jamais réellement eu le contrôle sur sa vie : marier à Viserys sous l’impulsion de son père et forcer de se confronter à sa meilleure amie… elle se fait évincer de la vie de ses enfants qu’elle a vu devenir des étrangers pour elle. Finalement c’est lorsque son deuxième fils, Aemond, accède au trône en tant que prince régent qu’elle se fait éjecter du Conseil restreint. C’est donc avec une réalisation brillante et une photographie magnifique que la série suggère que la reine aurait voulu en finir avant de se rétracter.

S’il y a bien un point qui mettra tout le monde d’accord, c’est bien la justesse de la réalisation de cette série. Scénographie impeccable et effets maitrisés, HBO démontre une nouvelle fois sa supériorité en termes de production pour notre plus grand plaisir. Les visuels sont absolument splendides et tout nous plonge dans ce décors médiéval-fantastique avec une immersion des plus réussies.

On pourrait quand même reprocher à cette seconde saison d’éclipser un peu trop régulièrement les combats comme celui du Moulin Brulé. Mais c’est surtout de la frustration au vu de l’incroyable spectacle qu’elle est capable de nous offrir. J’en veux pour preuve la bataille de Repos-des-Freux de l’episode 4… on en demande encore ! On se console avec le retour du grand Ramin Djawadi, compositeur sur la série d’origine. Il nous offre une fois de plus des musiques poignantes et épiques, bref tout ce qu’on attend pour une telle série !

Une saison de transition.

Finalement, House of the Dragon saison 2 est crucial dans la mise en place et la construction de son univers. Certes, elle consiste en beaucoup de ‘parlotte’, de remise en contexte et structuration de relations. Mais tout ça est indispensable pour les saisons à venir.

Le résultat reste tout de même plutôt équilibré entre les moments forts du show et les temps plus calmes. La saison 2 s’ouvre quand même sur l’assassinat du prince héritier qui reste mémorable malgré son déroulement un peu hasardeux. On gardera aussi en tête l’impressionnante bataille de dragons qui a eu de lourdes conséquences sur les deux factions.

Malheureusement cela ne convainc pas assez. En sortant du final de la saison 1, House of the Dragon nous annonçait enfin le début de la guerre. ‘Un fils pour un fils’, une phrase qu’on pensait être le symbole de cette suite. Malheureusement, la saison 2 vient de se conclure et on en est au même point : la guerre se prépare. Rhaenyra, bien que déterminée à reprendre son trône, n’a finalement que très peu avancé. Ce n’est que vers les derniers épisodes que les choses avancent enfin lorsqu’elle décide d’aller chercher de nouveaux ‘dragon riders’. Ainsi, les pions viennent seulement d’être placés sur l’échiquier, la partie ne commencera que réellement dans la saison 3.

Le dernier épisode témoigne d’ailleurs d’une saison vide d’un point de vue de l’avancée de l’histoire. Il aurait été excellent en tant qu’épisode 8 d’une saison de 10. Mais n’aura finalement été qu’un gros trailer pour la suite. D’autant plus qu’une seule intrigue s’est conclue ici : celle de Daemon. Ce dernier finit par réaffirmer son allégeance à sa reine-épouse (on se demande d’ailleurs pourquoi elle ne l’a pas rejoint plus tôt a Harrenhal pour tirer ce résultat un peu plus rapidement).

Même Rhaena n’a pas fini par clamer ‘Sheep stealer’. Pourtant, cela était devenu presque une évidence dans les derniers épisodes. La relation Rhaenyra-Alicent tourne même au ridicule dans cet ultime acte lorsqu’elle se revoit de nouveau, cette fois-ci à Dragonstone. Enfin, les visions de Daemon auront évidemment fait bondir les fans de Game of Thrones, mais à quelle fin lorsqu’on connaît la fin de la série ?

On sort donc de cette saison avec une certaine frustration et une sensation de non-achevé. Mais on repart quand même avec un immense espoir de voir enfin les choses se décantées dans le troisième acte. Celui-ci étant prévu pour 2026, on va devoir prendre notre mal en patience durant 2 ans. En attendant, nous pourrons découvrir A knight of the Seven Kingdom dès l’année prochaine. La série suivre les aventures de Duncan le grand et Egg. Elle se situra 89 ans avant les évènements de GoT et 77 ans après ceux de la première saison de HotD.

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Le jeu suit l’aventure d’un ou d’une sorcière (selon le joueur) qui arrive directement en cinquième année dans le Poudlard des années 1800. Vous l’aurez compris, celui-ci se déroule donc bien avant les deux sagas de J.K Rowling : Harry Potter et Les animaux fantastiques. On incarne un personnage doté d’une magie ancienne et peu connue qu’on va apprendre à développer au sein de l’école de sorcellerie. Au programme : cours de sortilèges, préparation de potions, aide aux créatures fantastiques et bien d’autres épreuves… Mais, notre magie est convoitée par les Gobelins ainsi que les mages noirs afin de détruire le monde des sorciers.

En soit, le scénario s’annonce classique, mais se démarque car il ne suit pas l’histoire des livres d’Harry Potter. Si vous êtes amateurs de jeux vidéos (en plus d’être fans de la licence), vous aurez remarqué que les jeux proposés jusqu’à présent sont très souvent à thème du sorcier à la cicatrice.

Sauf que cette fois-ci, on a le bonheur de jouer une toute nouvelle histoire et ça, c’est un vrai point positif selon moi !

Une réussite visuelle et immersive

La première chose qui m’a frappé dans Hogwarts Legacy c’est sa puissance graphique. Le jeu est magnifique et offre une expérience visuelle incroyable. Ainsi, ce fut un plaisir de se balader à travers Poudlard pour en explorer les recoins ! La première phase du jeu se concentre sur la découverte de l’école, de ses cours et de ses environs… En effet, au cours du jeu, vous aurez accès à des endroits que vous connaissez évidemment comme la forêt interdite ou encore Pré-au-lard. Mais comme le jeu ne fait pas les choses à moitié, il vous permettra de découvrir un monde bien plus vaste grâce à son aspect open-world !

La quête principal se met petit à petit en place. On est pris sous l’aile du mystérieux professeur Fig qui nous informe de la potentielle rébellion d’un groupe de gobelins mené par le terrible Ranrok ! D’un autre côté, c’est un personnage dont le nom fait extrêmement plaisir à voir qui suivra notre parcours scolaire et évaluera nos aptitudes : la directrice adjointe, Matilda Weasley. Tout au long du jeu, on va également faire la rencontre de plusieurs camarades qu’on va suivre dans leurs aventures : Natsai Onai, une Gryffondor qui a soif de justice; Poppy Sweeting, une élève altruiste fascinée par les animaux magiques, ou encore Sebastian Pallow, un serpentard cachant un lourd secret familiale.

Les quelques cours auxquels on assiste sont vraiment prenants et on en redemande encore ! Malheureusement, j’ai trouvé que ce contenu manquait un peu au jeu. Si Hogwarts Legacy nous vend une expérience d’étudiant, la phase scolaire s’évanouit trop vite à mon goût et j’avoue en avoir été déçue !

Le point noir de Hogwarts Legacy

On va parler de choses qui fâchent. Si dans le globalité, Hogwarts Legacy est prenant dès le début et nous en met plein les yeux, les problèmes arrivent assez vite. Au bout d’une douzaine d’heures, on commence à avoir fait le tout du bestiaires : Gobelins, mages noirs et autres créatures maléfiques comme des troll… une certaine redondance s’installe. Pour rester côté ennemi, la quête principale, qui au début avait piquait ma curiosité, nous propose sans arrêt les fameux gardiens de Pensine. Le gameplay devient vite lassant alors qu’on les affronte pour la dixième fois…

Alors que la main quest me semblait un peu lente et que les quêtes secondaires s’avèraient assez répétitives, je me suis dirigée vers le contenu de l’open-world. Entre les pages du guide du sorcier, les tables d’astronomies ou encore les épreuves de Merlin, il y a clairement de quoi faire ! Pourtant, je sentais que le jeu me forçait un peu la main notamment pour ces épreuves qui avaient pour but d’améliorer l’inventaire. On se retrouve donc presque obligé de les faire si on ne veut pas se retrouver devant un coffre en pleine exploration qu’on ne peut pas ouvrir par manque de place.

Hogwarts Legacy, qui se voulait un jeu open world avec des possibilités infinies finit par pâtir de ce qu’il pensait être un atout. J’ai eu l’impression que le jeu avait été rallongé artificiellement pour faire durer encore et encore sans but fixe. Mon expérience à ce moment est donc assez brouillonne. Je ne comprends pas vraiment où le jeu vaut en venir. Et en grande fan de Harry Potter et ayant attendu avec impatience ce jeu, évidemment, je suis un peu déçue. Comme beaucoup de joueurs (dont vous faites peut-être partis), j’ai fini par drop le jeu.

Un bilan en demi-teinte

Après une pause qui s’est avérée essentielle, j’ai pris plaisir à reprendre la manette pour terminer le jeu. J’ai notamment revu mes attentes histoire de mieux coller à ce que proposait Hogwarts Legacy. La dernière partie de la main quest a d’ailleurs été un vrai régal grâce à un nouveau type de contenu que j’ai beaucoup apprécié ! J’ai pris un grand plaisir lors de la partie sur les reliques de la mort où la mécanique de gameplay change un peu, ainsi que lors du combat final contre Ranrok que j’ai trouvé vraiment challengeant !

Hogwarts Legacy est un petit bijou visuel qui vous plongera au coeur de cet univers qu’on aime tant, mais selon moi, il présente quelques lacunes. Au final, les soucis ne sont pas nombreux mais ont un peu gâchés mon expérience. Avec quelques améliorations, il pourrait vraiment se hissé au rang d’un très bon jeu. Mais, je tiens à préciser que pour un jeu à licence, il se démarque clairement et ravira sûrement tous les fans d’Harry Potter ! Donc mon avis reste plutôt positif dessus, et j’ai vraiment aimé mon parcours sur le jeu malgré les petits couacs. Voilà pourquoi je recommanderai le jeu aux adeptes de la licence de J.K Rowling mais je serais un peu plus frileuse en ce qui concerne les gamers.

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