Du Shonen au Seinen: Une œuvre en maturation

Dans le récit de ses entretiens, Sakamoto s’est plongé dans les méandres de son introduction au monde du manga. Une rencontre fortuite avec un exemplaire du Jump pendant ses premières années à l’école primaire a déclenché une fascination qui guidera son destin artistique. 

 La première page alors ouverte par le jeune Sakamoto fut une fenêtre vers l’univers de Fist of the North Star de Tetsuo Hara, une œuvre qui deviendra une source inépuisable d’inspiration, tant pour lui-même que pour d’autres éminents artistes tels que Hirohiko Araki et Kentaro Miura. 

Parmi les trésors littéraires qu’il a découverts, Kinnikuman de Yoshinori Nakai et Takeshi Shimada, mieux connu sous le nom de Yudetamago, a également captivé son imagination. Contrairement à la brutalité graphique de Fist of the North Star, Kinnikuman était une oasis ludique conçue pour les jeunes esprits, offrant une palette d’aventures avec une dose modérée de violence. 

 Les premières étincelles d’inspiration pour le style de son œuvre, Bloody Soldier, sont indéniablement liées à ces premières influences.  Son protagoniste principal porte les traces du Kinnikuman de Yudetamago, tandis que l’atmosphère générale s’inspire du monde créé par Hara. 

Cependant, le tournant artistique de Sakamoto intervient au milieu des années 2000, lorsque l’artiste délaisse le Shonen pour plonger dans des eaux plus profondes, plus matures. Il est ainsi publié dans le Young Jump, un des bastions du Seinen manga, qui devient alors le terrain d’exploration de Sakamoto. Ses œuvres Niragi Kioumaru (2004-2005) et Masuraou (2005-2006) révèlent cette métamorphose artistique. Son Niragi Kioumaru, bien qu’arborant une musculature stylisée, souvent caractéristique des shonen de l’époque, s’engage dans une dramatisation presque grotesque, évoquant les œuvres de Keisuke Itagaki (Baki the Grappler…). 

Itagaki se distingue par sa maîtrise de la musculature et sa capacité à pousser les limites de sa compréhension de l’anatomie humaine. Cette expertise transparaît de manière évidente dans la première incursion de Shinichi Sakamoto dans le monde du seinen, bien que l’on doive souligner que l’utilisation de l’anatomie par Sakamoto n’atteint pas les extrêmes observés chez Itagaki. Il opte ainsi pour une approche bien plus réaliste tout en accordant une attention minutieuse à la définition des corps des personnages. Cette évolution artistique témoigne de la maturité croissante de Sakamoto et de son désir de sonder les profondeurs narratives que lui imposait à l’époque le format Shonen. Il cherche ainsi à se rapprocher de la crudité de l’âme humaine et à ne plus caricaturer ses personnages. 

La première œuvre récompensée de Shinichi Sakamoto, Ascension (Kokou no Hito), représente un virage artistique radical par rapport à ses oeuvres précédentes. Passant d’un style grandiloquent, déchirant et brutal, il embrasse une approche désormais empreinte de lenteur, de méditation et d’humanité. Une collaboration significative avec l’écrivain Yoshirou Nabeda donne naissance à une adaptation manga du roman de Jirou Nitta, ancrée dans une réalité humaine poignante. L’intrigue, basée cette fois sur une personne réelle, explore des thèmes profonds tels que la dépression, la solitude et l’ambition, loin des décors ou des personnages irréalistes qui caractérisent ses autres créations. 

Ascension dévoile une facette inédite de Sakamoto, se concentrant sur la condition humaine et offrant aux spectateurs une plongée immersive dans la lutte et le triomphe d’une personne ordinaire. Dépeindre la réalité et la crudité de l’âme humaine devient alors une forme de leitmotiv créatif chez Sakamoto. L’œuvre se distingue également par l’utilisation emblématique de métaphores visuelles, une signature désormais associée au style distinctif du maître et une évolution artistique saisissante se révèle à travers le changement de son trait, passant d’un encrage aux bords durs à une technique au crayon plus subtile. 

Une observation attentive des couvertures des volumes 1 et 17 souligne cette transformation remarquable, témoignant d’une compréhension plus profonde du personnage par l’artiste. La différence frappante entre ces deux images souligne une progression artistique où Sakamoto a dessiné le personnage avec une admiration évidente et une maîtrise croissante de son propre style.

De l’Histoire à l’Horreur Il n’y à Qu’un Pas: Innocent et DRCL

Au sommet de son art, Shinichi Sakamoto dévoile son œuvre emblématique, Innocent, où sa maestria narrative et son talent visuel atteignent des sommets inégalés. Cette création puise son inspiration à la fois dans la réalité et dans un manga emblématique des années 70, La Rose de Versailles (Versailles no Bara) de Riyoko Ikeda, qui a également marqué Kentaro Miura par son aspect dramatique et sa profondeur émotionnelle. L’attrait de Sakamoto pour les récits esthétiques et singuliers ancrés dans la France du XVIIIe siècle trouve écho dans cette œuvre magistrale. 

Tout comme Ascension, Innocent s’appuie sur un livre préexistant, The Executioner Sanson de Masakatsu Adachi. L’histoire d’Adachi, fusionnée avec les compétences narratives de Sakamoto et son savoir-faire visuel, donne naissance à une œuvre véritablement exceptionnelle que je vous invite vivement à découvrir.  

Dans Innocent, Sakamoto dévoile le fil conducteur de son exploration artistique, centré sur la représentation de la mort et de la beauté à travers l’utilisation métaphorique. D’une grande maitrise narrative, Sakamoto peint l’éphémère de la vie humaine avec beaucoup de nuances, de la mélancolieau grandiose. Les pages de ses œuvres, dépeignent un ballet poignant où les personnages surfent sur la vague de la vie, se déplaçant avec une imprudence à la fois inspirante et troublante, pouvant les mener à une fin prématurée, une vie sur le fil du rasoir. 

Cette contemplation artistique traduit visuellement l’essence de la citation « Vivez comme si vous alliez mourir demain », une maxime née de la nature éphémère de la vie. Cette philosophie, incarnée avec éclat dans les pages d’Ascension et d’Innocent, offre une expérience captivante, où chaque instant est une célébration poignante de la vie, à la fois revigorante et stupéfiante. 

Une autre caractéristique frappante de l’œuvre de Shinichi Sakamoto, réside dans l’absence délibérée d’effets sonores, laissant au lecteur la tâche d’imaginer les sons qui accompagnent l’histoire. Pour Sakamoto, cette approche repose sur la conviction que le lecteur est capable de mieux appréhender la texture sonore du monde narratif. En renonçant aux indications sonores explicites, Sakamoto offre une expérience immersive d’une réalité plus palpable, plus crue. 

Sakamoto est un artiste qui, malgré ses nombreuses références historiques et romanesques, est inscrit dans son époque et amène toujours beaucoup de modernité, de manière très fine dans ses œuvres de manière à mieux toucher son lectorat. Il ne se limite pas strictement aux faits historiques établis. À une époque où les femmes n’étaient pas autorisées à exercer la fonction de bourreau, Sakamoto façonne un univers où de telles barrières sociales sont transcendées. En documentant minutieusement de nombreux événements historiques survenus en France avant et après la Révolution française, Sakamoto insuffle à son œuvre une dimension alternative où l’imagination se mêle habilement à la réalité. « J’essaie toujours à travers mes mangas de m’attaquer aux clichés et aux idées reçues pour les remettre en question. » En lieu et place des adultes du roman de Bram Stoker, il met en scène des adolescents dans DRCL : « Ils ne sont ni adultes, ni enfants, et donc n’ont pas encore une vision très calée du monde. Cela m’a permis de lancer des questions à mes lecteurs à travers mes personnages qui sont en pleine exploration. Il y a par exemple le thème de la place de la femme dans la société, thème auquel je m’étais déjà attaqué dans Innocent et que je continue à présenter aux lecteurs du monde contemporain. Dans Dracula, je le fais avec le personnage de Mina qui vit dans l’Angleterre du XIX^e, où les changements de la vie quotidienne sont importants. Elle va se battre avec ses connaissances plutôt qu’avec une violence pure et dure. (…) Jusqu’à présent, dans les œuvres de vampires, les victimes sont toujours de belles femmes, mais aujourd’hui je pense qu’on peut changer cette vision des choses. C’est pour ça que j’ai choisi d’introduire ce personnage de Luke/Lucy. Si on fait un parallèle avec le Covid (période avec laquelle il s’est familiarisé avec l’univers de Dracula. Ndlr), on voit bien qu’il s’attaque à n’importe qui. Je pense que c’est la même chose pour le personnage de Dracula, il peut toucher tout le monde, sans aucun rapport de genre ou de race. J’aspire à une nouvelle représentation des monstres comme King Kong – ils n’ont pas à s’intéresser qu’aux femmes. » 

Dans DRCL, Sakamoto utilise à nouveau ce qui est, à mon sens, une de ses marques de fabrique, le clair-obscur. 

En effet, les jeux de lumière sont dans le style de Sakamoto, un exemple de maitrise technique quasi inédite dans le manga moderne. Son travail sur les ombres et les lumières est à la fois une technique permettant de se rapprocher visuellement de ses inspirations photographiques ; Il a par exemple annoncé avoir été très inspiré par une série qu’il regardait enfant, qui avait peu de moyens mais dont le travail sur les lumières était édifiant ; 

Mais qui dessert également son intention narrative : “Plus les ténèbres sont profonds, plus la lumière paraît éblouissante, la douleur permet de rendre la vie plus palpable et c’est sous cet angle que je dessine mes mangas”. 

Il fait également une utilisation du flou jusqu’alors jamais vu. 

Quand la plupart s’en servent pour donner des impressions de perspectives et se rapprocher de plans cinématographiques, Sakamoto lui, préfère en user pour ne pas tout montrer et se rapprocher des clichés photos de l’époque qu’il met en scène. Les planches sont dessinées avec énormément de détails par ses assistants avant qu’il ne floute le tout sans vergogne aucune, usant de l’outil numérique avec grâce. Bien qu’ils fussent très réticents à cette pratique au départ, il nous confie qu’ils y trouvent désormais un certain plaisir coupable. 

Dans la danse infinie entre l’encre virtuelle et le pixel éphémère, l’aspect numérique de la technique de dessin de Sakamoto transcende les frontières traditionnelles de l’art graphique. Là où l’encre et le papier ont longtemps été les complices intemporels des artistes, Sakamoto s’aventure dans un royaume numérique, redéfinissant les contours de sa créativité: « La majeure partie des auteurs font du digital. Les outils analogues disparaissent petit à petit. Ça n’a pas été très difficile, un jour ou deux d’adaptation. Je ne peux pas revenir en arrière, c’est trop pratique ! La difficulté concerne le trait. Il ne faut pas ressembler aux autres. » 

#DRCL : Une Relecture Moderne du Mythe de Stoker

« L’histoire se passe à Londres, au XIX^e siècle, en pleine pandémie de peste. J’ai trouvé que cela ressemblait beaucoup à notre situation avec le Covid. J’ai ressenti ça comme un signe du destin et c’est ce qui m’a poussé à écrire ce manga, explique Shin’ichi Sakamoto. À l’époque, Londres est aussi en pleine révolution industrielle, et il y a le concept de ‘new woman’. Les nouvelles idées de l’époque m’ont paru actuelles, un monde où les valeurs changent. » 

Dans son nouveau titre, Sakamoto cherche à nouveau à s’inscrire dans son époque à travers une relecture de l’oeuvre de Stoker. Il modernise le mythe en interrogeant la place de la femme au sein d’une société patriarcale, abordant également les problématiques du harcèlement et de la crainte des épidémies. 

Tout débute avec l’équipage d’un navire russe faisant une découverte énigmatique : une cargaison inhabituelle, emplie d’une terre à l’odeur putride. Au fil des jours, des membres de l’équipage disparaissent mystérieusement, d’autres succombent à des transformations corporelles inquiétantes. À son arrivée en Angleterre, le vaisseau semble plus une épave flottante qu’un navire en état. La police se lance alors dans une quête des survivants, confrontée à une créature imposante, mi-homme mi-loup, qui jaillit sur le rivage avant de se fondre dans la nuit.  

Simultanément, quatre étudiants du réputé établissement Whitby sont témoins d’une scène terrifiante dans le cimetière de la ville : l’un de leurs camarades est violemment attaqué par une créature ténébreuse. Mina Murray, la seule fille de l’école, se dresse courageusement face à la bête pour sauver le jeune homme. Qui sont ces monstres énigmatiques ? D’où proviennent-ils ? Quelles sont leurs intentions obscures ? La bande d’adolescents s’engage dans une quête pour dévoiler les secrets qui entourent ces créatures mystérieuses. 

Graphiquement on ressent l’inspiration des costumes d’Eiko Ishioka, ayant contribué au Dracula de Francis Ford Coppola, ainsi que dans les ballets de Sergueï Polunin (Sakamoto entretient une relation étroite avec les notions de danse et de mouvement. Ndlr). Les décors, les mouvements orchestrés avec précision, et les vêtements des protagonistes sont méticuleusement conçus, offrant une esthétique saisissante et profondément réaliste.  

En guise de conclusion, l’œuvre de Shin’ichi Sakamoto se dresse tel un joyau éclatant dans le panorama du manga, transcendant les contours conventionnels du genre pour captiver son auditoire. Une esthétique d’une finesse exceptionnelle, des personnages empreints de complexité et des thématiques contemporaines judicieusement tissées font de chacune de ses créations, avec #DRCL en nouveau-né, une pièce maîtresse de la scène manga. 

Les empreintes laissées par des influences artistiques prestigieuses, confèrent une qualité visuelle qui se distingue. Au-delà du simple récit horrifique, l’originalité de Sakamoto réside dans sa capacité à transcender les mythes, à inciter à la réflexion sur des problématiques sociales cruciales, créant des œuvres dont chaque page est une plongée réfléchie dans des mondes à la fois envoûtants et profonds. 

Ainsi, pour ceux en quête d’une expérience littéraire et artistique inégalée, se laisser happer par l’atmosphère envoûtante de l’univers de l’artiste s’avère une odyssée indispensable. Avec une palette aussi riche que nuancée, l’auteur s’affirme comme une voix singulière et incontournable dans la galaxie contemporaine du neuvième art. Que vous soyez connaisseur aguerri ou simple novice explorant les méandres du manga, l’œuvre de Sakamoto promet une aventure envoûtante, profonde et résolument exceptionnelle.  

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Des quartiers pauvres de Tokyo à la consécration internationale: itinéraire d’un touche à tout

Takeshi Kitano est né le 18 janvier 1947 dans les quartiers populaires de Tokyo, en plein cœur de l’après-guerre japonaise. Il est le benjamin d’une famille modeste. Son père, Kikujiro, était peintre en batiment, mais son implication présumée avec les yakuza créait une distance entre lui et son fils. Kitano se souvient de cette époque marquée par l’absence de communication réelle avec son père, ce dernier étant contraint de travailler beaucoup pour subvenir aux besoins de la famille, bien qu’il dépensait la majeure partie dans l’alcool et les femmes:

 » Petit garçon, je vivais entouré de yakuzas, des amis et des relations de mon père, mais je n’avais pas conscience qu’ils étaient différents. Ils me filaient un peu d’argent, de la monnaie pour m’acheter des bonbons. C’était mon univers familier. C’est à l’école qu’on m’a dit qu’ils étaient infréquentables car ils faisaient du mal »

D’un autre côté, sa mère, Saki, a joué un rôle déterminant dans son éducation. C’était une femme fière qui s’efforçait d’inculquer à ses enfants des valeurs de droiture et de respect. Elle n’hésitait pas à utiliser des méthodes strictes, parfois violentes, pour enseigner les usages du monde à ses enfants. La famille a dû surmonter de nombreuses épreuves pendant cette période de pauvreté extrême qui a touché le japon après la Seconde Guerre mondiale.
Les défis auxquels il a dû faire face pendant cette période, ainsi que la présence prédominante des gangs de la mafia dans son quartier, laisseront une empreinte indélébile dans la vie de Kitano.

À l’aube de l’âge adulte, Takeshi Kitano prend une décision audacieuse en abandonnant ses études universitaires. Après avoir enchaîné divers petits emplois pour joindre les deux bouts, l’année 1972 marque un tournant décisif dans sa vie. À cette époque, il quitte sa famille pour s’installer dans le célèbre quartier d’Asakusa à Tokyo, animé par l’ambition de devenir comédien.

Le destin lui sourit lorsqu’il est engagé au sein du club de striptease « Français ». Entre les numéros de strip-tease, Kitano a l’opportunité d’endosser le rôle d’humoriste de cabaret. Cependant, le hasard joue un rôle crucial dans son ascension. Une nuit, l’un des humoristes prévus pour monter sur scène se retrouve dans l’incapacité de se produire, et c’est ainsi que le jeune Kitano est appelé à la rescousse pour le remplacer. Cette opportunité fortuite change le cours de sa vie.

Depuis ce moment décisif, Takeshi Kitano passe de nombreuses années à travailler au sein de cet établissement. Sous la tutelle du célèbre comédien Senzaburo Fukami, il acquiert une expertise en danse, en jeu d’acteur et explore les nuances du théâtre satirique japonais classique. Cette expérience jette les bases de sa carrière artistique et lui permet de rencontrer Kiyoshi Kaneko avec qui il crée un « manzai », un duo comique, nommé « The two beats ».

Beat Takeshi et Beat Kiyoshi, rompant radicalement avec la tradition du manzai, offrent un spectacle singulier : Beat Takeshi engage des discussions avec Beat Kiyoshi, qui peine à suivre, interrompant constamment pour tenter de comprendre.

Le succès est immédiat, bien que leur style, pour le manzai, soit audacieux (Kitano suit le modèle de Youshichi, une de ses inspirations, débitant à un rythme soutenu et sur un ton impertinent). Le duo devient rapidement célèbre, jouant à guichets fermés. Au-delà d’un style que certains pourraient considérer comme vulgaire, Kitano aborde des sujets délicats de l’époque, tels que la mort, la race, le sexe et la maladie, le tout avec humour. De plus, il n’hésite pas à se moquer des femmes, des personnes âgées, des enfants ou des handicapés dans ses sketches.

En 1976, le duo est repéré par un producteur exécutif de la chaîne NHK qui découvre l’un de leurs sketches à la télévision. La NHK étant la principale chaîne de télévision japonaise, Kitano et Kaneko sont priés de censurer leur langage.

Cependant, cette demande provoque l’effet inverse : le duo se déchaîne et pousse encore plus loin ses propos (ce qui entraîne également le licenciement du producteur qui les avait découverts), en enchaînant des sketches de plus en plus absurdes.

Malgré les critiques mitigées, « The Two Beats » devient de plus en plus populaire auprès du public. Cependant, on leur reproche de présenter des sketches vulgaires qui ne relèvent pas de la comédie, ce qui leur vaut une suspension d’antenne d’un an.

Vers la fin des années 1970, Kitano ressent le besoin de changer de registre. Il souhaite montrer une autre facette de son talent d’acteur, plus sombre et personnelle. Il commence à jouer de plus en plus en solo, avec un profond désir de devenir plus qu’un simple amuseur public. Suivant les conseils de son ami, le réalisateur Nagisa Oshima, il s’éloigne de la comédie et commence à interpréter des rôles plus dramatiques. Il lui donne son ce que Kitano considère encore comme son premier vrai rôle au cinéma dans le film « Furyo ». Dans ce long métrage, Takeshi interprète le personnage du sergent Gengo Hara, qui évolue au sein d’un camp de prisonniers de guerre en Indonésie pendant la Seconde Guerre mondiale.

Après plusieurs autres apparitions, majoritairement dans des comédies, Takeshi rejoint en 1989 le casting de « Violent Cop », où il incarne un détective sociopathe qui répond à la violence par la violence. Lorsque le réalisateur initial, Kinji Fukasaku, tombe malade, Takeshi propose de prendre les rênes du film. Il effectue des modifications significatives au scénario, transformant son personnage en un antihéros solitaire et marginal. Le film connaît un succès tant commercial que critique au Japon, marquant ainsi le début de la carrière de réalisateur de Takeshi.

En 1990, il réalise « Jugatsu », son deuxième film en tant que réalisateur et le premier en tant que scénariste. Le film suit l’histoire d’un jeune homme dont l’entraîneur de baseball est menacé par un yakuza local, l’incitant ainsi à se rendre sur l’île d’Okinawa avec un ami pour obtenir des armes et assouvir sa vengeance. Sur leur chemin, ils croisent la route d’un gangster psychotique interprété par Takeshi lui-même, qui poursuit également sa propre quête de vengeance. Avec une maîtrise totale du scénario et de la réalisation, Takeshi met en avant son style caractéristique : une violence choquante, un humour noir singulier et des plans fixes imperturbables. Malgré cela, le film ne parvient pas à la rentabilité lors de sa sortie initiale.

Le troisième film de Takeshi, « A Scene at the Sea », sort en 1991. Le film abandonne le film de gangsters pour raconter l’histoire d’un éboueur sourd déterminé à apprendre à surfer après avoir trouvé une planche de surf endommagée lors de son travail. Une jeune femme, également sourde, suit ses progrès et l’assiste autant que possible. Le film présente une facette plus romantique et tendre de Takeshi, tout en conservant son humour pince-sans-rire, une de ses marques de fabrique.

C’est après la sortie de « Sonatine » en 1993, son quatrième film, que les spectateurs étrangers, en nombre croissant par rapport à son public national, ainsi que la presse européenne, notamment française, commencent à s’intéresser davantage à ses films. Il y incarne un yakuza de Tokyo envoyé par son patron à Okinawa pour mettre fin à une guerre des gangs. Fatigué de sa vie de gangster, le personnage découvre que toute la mission était une supercherie.

L’influence des films dirigés par Takeshi provient de divers horizons, notamment le cinéma américain, le cinéma japonais et le maître du yakuza eiga (films sur la pègre japonaise moderne), Kinji Fukasaku, à qui il rend hommage dans « Sonatine ».

En 1995, la sortie de « Getting Any? » montre Takeshi revenir à ses racines dans la comédie. Le film, qui est essentiellement une série de scènes comiques, tourne autour du personnage d’Asao, obsédé par l’idée de faire l’amour dans une voiture. Une grande partie du film se moque de la culture populaire japonaise, incluant des références à Ultraman, Godzilla et même au personnage de Zatoichi, que Takeshi lui-même revisitera huit ans plus tard. La même année, Takeshi apparaît dans le film de science-fiction « Johnny Mnemonic » réalisé par Robert Longo.

En 1996, Takeshi réalise « Kids Return ». Jusque-là, ses films avaient déjà acquis une grande notoriété auprès des cinéphiles et amateurs étrangers de cinéma d’art et d’essai. En 1997, « Hana-bi » confirme son statut de cinéaste majeur du cinéma japonais moderne, lui valant notamment le prestigieux Lion d’or à la Mostra de Venise.

En parallèle, Takeshi continue de jouer pour d’autres réalisateurs, et parmi ses rôles significatifs, on peut citer celui du samouraï Hijikata Toshizō, vice-commandant du Shinsen gumi, dans « Tabou » (1999) de Nagisa Ōshima, ainsi que celui du professeur Kitano dans « Battle Royale » (2000).

En 1999, Takeshi fait forte impression en incarnant Kikujiro (du nom de son père) dans le film éponyme, « L’Été de Kikujiro ». Il y apparaît comme un petit escroc bon à rien qui finit par faire équipe avec un jeune garçon à la recherche de sa mère.

En 2001, son film « Aniki, mon frère », tourné à Los Angeles, le montre dans le rôle d’un yakuza de Tokyo chargé de mettre en place un empire de la drogue à Los Angeles avec l’aide d’un gangster local interprété par Omar Epps. Malgré un battage médiatique considérable entourant son premier film en langue anglaise, le film reçoit un accueil mitigé. . Aux États-Unis, en particulier, Takeshi devient la cible de nombreuses critiques. Cependant, en Europe et en Asie, la critique est plus clémente, bien qu’elle ne soit plus aussi élogieuse qu’auparavant pour les films de Takeshi.

En 2002, il réalise « Dolls », un film où il ne joue pas, qui raconte trois histoires différentes d’amour éternel.

Puis l’année suivante, en 2003, Takeshi réalise et interprète « Zatoichi », une adaptation du samurai aveugle le plus connu du japon, où il se teint les cheveux en blond, contrairement à la tradition où les interprètes de Zatoichi avaient tous les cheveux noirs. Le film connaît un grand succès au box-office japonais et reçoit un accueil favorable lors de sa sortie internationale aux États-Unis, en Europe et en Asie. Il remporte de nombreuses récompenses, dont le Lion d’argent à la Mostra de Venise.

En 2005, son film « Takeshis' » sort au Japon, arborant une accroche inhabituelle en anglais : « 500 % Kitano – Rien à ajouter ! ». En 2007, il réalise « Glory to the Filmmaker! », suivi en 2008 par « Achille et la Tortue ». Ces trois films forment une trilogie burlesque et autobiographique, dans laquelle « Takeshis' » traite de Takeshi en tant qu’acteur, « Glory to the Filmmaker! » de Takeshi en tant que réalisateur, et « Achille et la Tortue » de Takeshi en tant que peintre.

Son film suivant, « Outrage » (2010), marque un retour au film de yakuza. Il poursuit dans ce genre avec deux suites, « Outrage: Beyond » (2012) et « Outrage: Coda » (2017), tout en réalisant « Ryuzo 7 » en 2015. Il présente enfin « Kubi », au dernier festival de Cannes, où il dépeint un Japon féodal en proie aux guerres et aux machinations politiques des seigneurs locaux.

Pour la musique de ses films, Takeshi a régulièrement fait appel au compositeur Joe Hisaishi, célèbre pour son travail avec le Studio Ghibli.

En août 1994, Takeshi Kitano a été impliqué dans un grave accident de moto qui l’a conduit à l’hôpital. À la suite de cet incident, il a subi une opération chirurgicale majeure visant à rétablir l’usage d’une partie de son corps qui était paralysée. La gravité de ses blessures semble avoir été aggravée par le fait qu’il ne portait pas de casque au moment de l’accident. Par la suite, lors d’une interview, Kitano, qui a toujours eu une fascination pour la mort violente, a évoqué l’idée que cet accident pourrait avoir été une « tentative de suicide inconsciente » en raison de la pression croissante liée à sa carrière en plein essor.

Après son accident de moto, Takeshi Kitano a repris la pratique de la peinture. Son style artistique rappelle celui du célèbre peintre franco-russe Marc Chagall. Les œuvres picturales de Kitano ont été exposées dans des galeries, publiées sous forme de livres, et ont même été utilisées pour illustrer les pochettes de plusieurs albums de musique associés à ses films:

« J’étais saoul, j’étais devenu fou. J’ai foncé et je ne sais pas ce qui s’est passé. Je suis seulement heureux d’être resté en vie : deux mois d’hôpital et la gueule de travers. Lors de ma convalescence, j’étais encore traversé de pensées diaboliques qui me disaient que j’aurais dû mourir, que j’étais trop fou pour continuer à vivre, que je buvais trop. Juste avant l’accident, alors que j’étais célèbre au Japon, tout le monde me disait : «Tu es bizarre, mais qu’est-ce qu’il te manque ?» En fait, la télé et la radio marchaient, mais le cinéma ne fonctionnait pas : aucun Japonais ne me connaissait grâce aux films, seulement par les manzais et les numéros comiques de la télé. Cet accident a changé ma conception de la vie : désormais, je fais tout pour remplir mon temps, pour penser à autre chose : des claquettes (j’ai un très bon numéro), un film par an (un tournage régulier, c’est une sorte d’apprentissage de la «science humaine»), et je lis des livres scientifiques, jamais de romans, des livres sur la bombe atomique, la fission nucléaire, les réserves de plutonium : les sciences dures, cela stimule mon imagination et ma sexualité. En fait, ce sont des choses qu’on apprend au lycée : je reviens à mes premières amours. Je redoute par-dessus tout ces moments d’inactivité où je me mets à penser à ma vie, qui reste une catastrophe.

Traditions, modernité, et regard vers le monde.

L’alternance entre des scènes de violence et des moments de contemplation, la maîtrise des plans fixes, ainsi que la manipulation habile du temps dans la narration, positionnent ce cinéaste à la fois comme un héritier du haïku et un membre éminent de la nouvelle génération d’auteurs asiatiques. Ces réalisateurs portent sur le monde et leur art un regard qui défie les conventions hollywoodiennes. L’influence du haïku sur Takeshi Kitano se manifeste dans plusieurs aspects de son travail cinématographique. Tout d’abord, il y a la brièveté de certaines de ses scènes les plus puissantes. Kitano a la capacité rare de créer des moments poignants en utilisant peu de mots ou même aucun, privilégiant l’expression visuelle et la mise en scène soigneuse pour transmettre des émotions complexes. Ces moments évoquent l’efficacité et la concision du haïku, où chaque mot compte. En effet, une des pattes de Kitano dans la mise en scène est ce coté bref, sur, précis, éphémère dans lequel on peut retrouver la beauté du Haiku, de l’instant qui s’envole, empli de légèreté.

Il puise également son inspiration dans le Bunraku, une des formes du théâtre traditionnel japonais.

Le bunraku, également appelé ningyō jōruri, est un art dramatique japonais datant du 17ème siècle. Il se caractérise par l’utilisation de marionnettes de grande taille, manipulées par des marionnettistes habillés en noir, et accompagnées de narrateurs et de musiciens. Cette forme d’art combine des éléments de drame, de musique et de danse pour raconter des histoires émouvantes et souvent tragiques.

L’une des principales caractéristiques du bunraku est la manière dont il juxtapose des moments de violence brutale avec des scènes de contemplation paisible. Cette alternance entre l’intensité dramatique et la tranquillité poétique est une caractéristique clé du travail de Takeshi Kitano dans ses films. Il s’inspire de la manière dont le bunraku utilise ces contrastes pour créer des moments de réflexion profonde et de tension narrative.

L’une des marques de fabrique de Takeshi Kitano est sa maîtrise du plan fixe. Il utilise souvent des plans longs et immobiles pour capturer des moments d’introspection ou d’anticipation, créant ainsi une tension silencieuse qui contraste fortement avec les scènes d’action frénétique. Cette technique rappelle la précision et la patience requises pour manipuler les marionnettes dans le bunraku, où chaque geste doit être calculé avec soin.

Une autre influence du bunraku sur le travail de Kitano réside dans sa manipulation du temps dramatique. Dans le bunraku, les narrateurs jouent un rôle crucial pour raconter l’histoire et donner vie aux personnages des marionnettes. De même, Kitano utilise fréquemment des narrateurs ou des voix off dans ses films pour guider le spectateur à travers l’histoire et les émotions des personnages. Cette technique ajoute une couche de profondeur narrative à ses films, tout en rappelant le rôle essentiel du narrateur dans le bunraku.

En outre, Takeshi Kitano partage avec le bunraku une fascination pour les moments de violence stylisée. Dans le bunraku, les marionnettistes utilisent des mouvements précis pour représenter des combats et des scènes de bataille, tout en maintenant une esthétique artistique. Kitano adopte une approche similaire dans ses films, où la violence est souvent représentée de manière brute et réaliste, mais aussi esthétiquement, créant ainsi un contraste puissant entre la beauté visuelle et la brutalité des actes.

Son œuvre transcende les frontières culturelles tout en restant profondément enracinée dans l’essence même de la culture japonaise.

A contrario, ses influences sont à la fois plus modernes, notamment avec l’influence du Yakuza Eiga.

Le Yakuza Eiga est un genre qui a émergé dans les années 1960 et 1970, caractérisé par des histoires de gangs criminels, de trahison, de loyauté et de violence. Ces films sont souvent teintés de drame, d’action et d’un sens aigu de la morale. Takeshi Kitano, en tant qu’acteur et réalisateur, a intégré ces éléments dans son propre répertoire cinématographique.

L’une des influences les plus marquantes du Yakuza Eiga sur Kitano réside dans sa représentation des anti-héros. Les films de ce genre mettent en scène des personnages ambivalents, des criminels au cœur parfois douloureux. Kitano, à travers ses rôles d’acteur dans des films comme « Sonatine » et « Hana-bi, » ainsi que ses réalisations telles que « Violent Cop » et « Outrage, » a créé des personnages profondément complexes, auxquels le public peut s’identifier malgré leurs actions parfois violentes et immorales. Cette exploration de la dualité humaine reflète l’esthétique du Yakuza Eiga.

Un autre aspect du Yakuza Eiga qui a influencé Kitano est la manière dont ces films traitent la violence. Dans le genre, la violence est souvent dépeinte de manière brutale et réaliste. Kitano a adopté cette esthétique de violence crue dans ses propres films, créant ainsi des scènes d’action mémorables et visuellement frappantes. Cependant, il les mélange souvent avec des moments de silence et de contemplation, créant ainsi un contraste puissant qui évoque les moments de tension et de calme caractéristiques du Yakuza Eiga.

L’une des marques de fabrique du Yakuza Eiga est la loyauté envers le clan, un thème récurrent qui se reflète également dans l’œuvre de Kitano. Ses films abordent fréquemment les liens entre les personnages, qu’ils soient marqués par la fraternité, la trahison ou la solidarité. Ces thèmes humains fondamentaux sont au cœur de nombreuses histoires du Yakuza Eiga, et Kitano les explore avec profondeur et sensibilité.

Enfin, Takeshi Kitano a également emprunté des éléments stylistiques au Yakuza Eiga, tels que la mise en scène élégante des fusillades, les confrontations dramatiques dans des lieux emblématiques et une utilisation habile de la musique pour renforcer l’atmosphère. Il revisite ces éléments avec sa propre touche personnelle, créant ainsi un style visuel distinctif qui transcende les frontières du genre.

On peut également trouver de nombreuses références occidentales dans le cinéma de Beat Takeshi.

L’une des influences européennes les plus visibles dans le cinéma de Kitano est le mouvement cinématographique du néoréalisme italien. Ce mouvement, qui a émergé après la Seconde Guerre mondiale, se caractérise par sa représentation réaliste de la vie quotidienne et de la classe ouvrière. Kitano s’inspire de cette approche dans des films tels que « Kikujiro » et « A Scene at the Sea, » où il explore la vie des gens ordinaires, mettant en lumière leur humanité et leurs luttes.

Un autre aspect du cinéma européen qui influence Kitano est le cinéma d’auteur français. Les réalisateurs français, tels que Jean-Luc Godard et François Truffaut, ont façonné le cinéma d’art et d’essai, privilégiant la narration non linéaire et l’expérimentation visuelle. Dans « Kikujiro, » Kitano joue avec la structure narrative traditionnelle, créant une histoire qui suit son propre rythme et sa propre logique, tout en explorant les émotions de manière profonde et inattendue s’inspirant ainsi des cinéastes de la nouvelle vague française.

Le cinéma américain a également eu une influence notable sur Kitano, en particulier le cinéma d’action. Il a été reconnu pour ses scènes d’action dynamiques, souvent imprévisibles, qui évoquent des films hollywoodiens tels que « Die Hard » et « Lethal Weapon. » Cependant, Kitano met sa propre touche personnelle en les combinant avec des moments de silence et de contemplation, créant ainsi un contraste saisissant qui caractérise son style unique.

Les films de gangsters américains, tels que ceux réalisés par Martin Scorsese et Quentin Tarantino, ont également influencé Kitano dans sa représentation des milieux criminels et des anti-héros. Dans des films comme « Sonatine » et « Outrage, » il explore la psychologie des personnages criminels, tout en insufflant une tension palpable dans des scènes de confrontation.

Enfin, Kitano s’est aventuré dans des genres cinématographiques populaires aux États-Unis, tels que la comédie et le thriller, en y apportant sa propre sensibilité japonaise. Son film « Getting Any? » est un exemple frappant de sa capacité à jouer avec les conventions cinématographiques occidentales tout en les subvertissant avec un humour décalé et absurde.

Le Maître de la Réinvention Cinématographique

L’une des caractéristiques les plus frappantes de la carrière de Kitano est sa volonté de passer d’un genre à l’autre, défiant ainsi les attentes du public. Il a commencé sa carrière en tant que comédien de stand-up, mais il est rapidement passé à la réalisation de films, notamment dans le genre polar avec des films tels que « Violent Cop. » Cette transition du comique au drame sombre a surpris de nombreux spectateurs, mais elle a également montré la profondeur de son talent.

Kitano ne s’est pas contenté de s’installer dans un seul genre, il a également démontré sa polyvalence en explorant la comédie. Il a la capacité de manier l’humour noir et l’absurdité avec brio. Il a, dans la comédie, démontré son sens de l’ironie et sa capacité à faire rire tout en maintenant un ton subversif.

Le lyrisme est un autre registre que Kitano a habilement incorporé dans son œuvre, se démarquant à la fois par sa délicatesse et par sa poésie. Nombre de ses films dépeignent des moments de calme et de beauté, démontrant la capacité de Kitano à évoquer des émotions complexes au-delà de la simple narration.

Mais ce qui distingue véritablement Kitano, c’est sa capacité à fusionner ces registres de manière inattendue. Dans « Hana-bi, » il mélange habilement la violence brutale avec des moments de tendresse et de mélancolie. Le film raconte l’histoire d’un policier à la retraite qui se lance dans une série de crimes violents pour subvenir aux besoins de sa femme malade. Cette combinaison d’émotions contrastées crée un récit puissant et inoubliable.

En jonglant avec les genres et en mélangeant les registres, il a créé une œuvre cinématographique riche et diversifiée, qui se mêle étrangement avec les nombreuses pratiques créatives de l’homme.

Car oui, Takeshi Kitano est bien plus qu’un acteur et réalisateur de renom, c’est également un homme aux multiples talents qui excelle dans diverses autres disciplines artistiques et créatives. En dehors du cinéma et de la comédie, dont voici un apercu.

La Peinture : L’une des passions artistiques de Takeshi Kitano est la peinture.Ses œuvres sont caractérisées par des couleurs vives, des compositions audacieuses et une expression artistique unique. Kitano a exposé ses peintures dans des galeries à travers le monde et a publié des livres d’art présentant ses créations.

L’Écriture : Takeshi Kitano est également un écrivain prolifique. Il a écrit des romans et des essais qui reflètent sa pensée profonde et sa perspective unique sur la vie et la société. Ses écrits touchent une variété de sujets, de la créativité artistique à la philosophie, en passant par l’humour et la culture japonaise. Ses livres offrent un aperçu fascinant de son monde intérieur.

L’Animation : Kitano a également prêté sa voix à des personnages d’animation. Il a notamment doublé le personnage de Zatoichi dans le film d’animation « Kanzen Shouri Daiteioh, » offrant ainsi une nouvelle dimension à ce personnage légendaire du cinéma japonais qu’il a lui même interprété dans le film éponyme.

La Télévision : Outre sa carrière au cinéma, Kitano a été un visage familier à la télévision japonaise en tant que présentateur de télévision. Il a animé et participé à de nombreuses émissions télévisées populaires au Japon, contribuant ainsi à sa notoriété en tant que personnalité médiatique polyvalente. La plus connue d’entre elle reste « Takeshi’s Castle », diffusée au Japon de 1986 à 1990. Elle se caractérise par son concept unique qui combine l’humour, l’absurde et des épreuves physiques délirantes. Dans « Takeshi’s Castle, » un groupe de participants tente de surmonter une série d’obstacles et de défis extravagants pour atteindre le château de Takeshi, défendu par un acteur costumé jouant le rôle du seigneur Takeshi. L’émission a connu un immense succès au Japon et est devenue une référence culte pour les amateurs d’humour excentrique. Elle a également été diffusée dans de nombreux autres pays et est actuellement disponible sur Amazon Prime.

Le Théâtre : Kitano a également exploré le monde du théâtre. Il a travaillé sur des productions théâtrales et a même joué dans des pièces de théâtre au Japon. Son talent de comédien s’est ainsi étendu au-delà du petit et du grand écran.

On peut ainsi acter que Takeshi Kitano demeure une figure majeure du cinéma japonais et mondial, ayant apporté une originalité et une audace artistiques inégalées. Son œuvre cinématographique, caractérisée par des transitions fluides entre les genres, une exploration audacieuse de l’humain et de la violence, ainsi qu’une utilisation novatrice de l’humour noir et de la poésie visuelle, a profondément marqué l’industrie du cinéma. Cependant, son refus des conventions et des compromis a pu parfois créer des films hermétiques ou provocateurs, divisant la critique et le public. Malgré les critiques, Kitano demeure fidèle à sa vision artistique, ce qui fait de lui un artiste singulier. Ses projets futurs et ses perspectives d’évolution restent toujours captivants, car il continue d’explorer de nouveaux horizons créatifs. En fin de compte, ses limites ou ses faiblesses sont inextricablement liées à son intransigeance artistique, qui, bien qu’elle puisse dérouter, est aussi ce qui fait de Takeshi Kitano un artiste touche à tout, complet, nous trainant inexorablement du rire aux larmes, du sang aux fleurs.

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Mais qui est Nujabes?

Jun Seba nait le 7 février 1974 (même jour qu’un certain J Dilla) à Adachi, Tokyo. Il grandit à une époque où le hip-hop américain gagnait en popularité dans le monde entier. Cependant, il a réussi à se forger ses propres armes musicales en fondant le label Hydeout Productions en 1998, où il a signé et collaboré avec de jeunes talents émergents, contribuant à la scène hip-hop japonaise naissante et devenant ainsi le terreau de nouvelles voix artistiques au Japon.

L’Émergence d’une Scène

Hydeout Productions est rapidement devenu un foyer d’innovation musicale, attirant des artistes talentueux partageant la vision de Nujabes. Parmi les artistes notables figurent Uyama Hiroto, Minmi, et Shing02, chacun apportant sa propre couleur musicale à l’ensemble. Cette diversité d’influences a créé un son distinctif, mélangeant jazz, soul, classique, et bien sûr, hip-hop.

Nujabes lui-même était le catalyseur de cette révolution musicale. Ses compositions, imprégnées d’émotion et de subtilité, ont marqué le label et l’ont aidé à atteindre une reconnaissance internationale.

Hydeout Productions n’était pas seulement un label musical, mais aussi un mouvement culturel. Il a contribué à façonner le paysage musical japonais, ouvrant la voie à une scène hip-hop instrumentale florissante.

Le label reste une source d’inspiration inestimable pour la musique japonaise et internationale. Son mélange unique de genres musicaux et sa quête de l’émotion pure ont créé un son intemporel qui continue d’atteindre les cœurs et les esprits à travers le monde.

Son œuvre, un héritage inoubliable

Nujabes – Sweet Sticky Thing (Reload All Good Music From Old To The New) [Mixtape] (1998)

Nujabes entame son voyage musical avec une mixtape discrète, dissimulée sur la toile. Le producteur japonais s’aventure dans l’exploration et le jeu, en remixant des titres empreints de soul et de jazz. Ce premier projet se révèle être une introduction à sa vision artistique qu’il préservera tout au long de son parcours musical.

Nujabes – Good Music Cuisine: Ristorante Nujabes [Mixtape] (2002)

Nujabes repousse les limites de la musique noire américaine en s’aventurant dans le remix de titres qui évoquent la bossa nova et le downtempo. Cette mixtape présente une sonorité moins marquée par le jazz que son prédécesseur, mais offre néanmoins une production plus éclectique et empreinte d’une atmosphère mélancolique.

Nujabes – Hydeout Productions 1st Collection Compilation

Le producteur rassemble l’ensemble de ses idées créatives, qui étaient présentes dans ses mixtapes, au sein de la première compilation de son label indépendant, Hydeout Productions. Ce disque est le résultat de ses premières expérimentations mêlant hip-hop et jazz, avec la collaboration d’artistes japonais et américains, dont certains rejoindront ultérieurement son label.

Nujabes – Metaphorical Soul (2003)

« Metaphorical Music » (2003) a été son premier album solo, une œuvre musicale qui a mêlé avec brio jazz, soul et hip-hop, exprimant une gamme d’émotions profondes. Nujabes synthétise sa vision artistique au travers de 15 titres. Le producteur nous émerveille au travers d’ambiances chill, de rythmes hip-hop, sublimé par des sonorités de jazz nippon. Les mélodies subtiles et les rythmes apaisants de cet album ont établi la renommée de Nujabes en tant que figure centrale de la scène hip-hop jazz instrumental.

Nujabes & Fat Jon – Samurai Champloo Music Record: Departure (2004)

Nujabes s’allie ici avec le producteur américain Fat Jon (du groupe Five Deez) pour la bande originale anachronique de l’animé Samurai Champloo (2004). Les deux producteurs narrent musicalement les aventures des protagonistes de la série se déroulant durant l’ère Edo (1600 – 1868). Cet album se distingue par sa capacité à capturer l’essence même de la série animée, il sert de toile de fond musicale parfaite pour l’histoire de ces deux samouraïs errants dans le Japon médiéval, mêlant l’héritage traditionnel à l’influence contemporaine amené ici par la musique. La sortie de cet album a marqué un moment décisif dans le monde  de l’animation et dans la scène du hip-hop instrumental. Il a ainsi ouvert la voie à de futures collaborations entre musiciens japonais et américains, contribuant ainsi à élargir les horizons musicaux.

Nujabes – Modal Soul (2005)

« Modal Soul », son deuxième album solo, a poursuivi dans cette voie, créant une fusion encore plus impressionnante de genres musicaux. Les collaborations avec des artistes tels que Shing02 et Uyama Hiroto ont abouti à des compositions exceptionnelles, offrant une expérience auditive inoubliable. Dans la continuité de son premier album, celui-ci a réussi à s’établir comme une référence incontournable dans la production musicale japonaise. Nujabes est indéniablement devenu un classique incontesté de la composition instrumentale, et « Modal Soul » est largement reconnu comme l’un des albums les plus influents de cette scène. C’est un projet musical qui se prête à l’écoute attentive et à l’exploration par l’imaginaire. Bien que les passages rap ne soient pas la principale force de l’album, la fusion à nouveau harmonieuse entre le jazz et le hip-hop, évoquant des images  parfois florales et ensoleillées, parfois tiré tout droit de la rue est une véritable réussite. Malheureusement, « Modal Soul » demeurera son dernier chef-d’œuvre, car l’artiste nous quittera en 2010.

L’Héritage Posthume et Immortel

La mort prématurée d’un artiste talentueux peut laisser un vide indélébile dans le monde de la musique. La disparition de Nujabes le 26 février 2010 n’a pas dérogé à la règle. Il nous quitte brutalement lors d’un accident de voiture qui lui sera fatal. Sa disparition a suscité de nombreux hommages de la part d’artistes du monde entier. Plusieurs œuvres posthumes cherchent à maintenir son héritage musical en vie.

L’empreinte de Nujabes est profondément enracinée dans le tissu culturel japonais et continue d’inspirer des fans du monde entier. Sa vie et son travail incarnent la capacité de la musique à transcender les frontières culturelles et linguistiques, touchant les âmes à un niveau profond. Ce conteur de mélodies a laissé un héritage immortel à tous ceux en quête de beauté et de sérénité dans le monde musical. Ses albums, reflets de son âme, continuent de captiver et d’inspirer une nouvelle génération d’artistes et d’admirateurs, pérennisant ainsi son influence durable et faisant de lui le parrain du hip hop lofi. Je vous invite à écouter son œuvre et à regarder Samurai Champloo si ce n’est déjà fait.

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Qui est Takehiko Inoue?

De son vrai nom, Takehiko Nariai, Inoue nait le 12 janvier 1967 à Okuchi. Il ne souhaite pas être mangaka durant sa jeunesse mais est passionné de dessin, d’art et… de basket-ball.

Capitaine de son équipe lycéenne, qu’il décrit comme relativement mauvaise mais capable d’apprécier une certaine progression, il a gagné, perdu et expérimenté beaucoup par le biais de la balle orange, qui deviendra très importante pour lui consolidant ainsi sa passion pour ce sport.

Cette passion naissante influencera Inoue dans la suite de sa vie lorsqu’il créera une des œuvres les plus marquantes de tous les temps, j’ai nommé Slam Dunk.

Du sport au manga… au sport

Déjà passionné d’art en quittant le lycée, Inoue avait pour objectif d’entrer aux beaux-arts, où il ne fera qu’un petit mois de classe préparatoire, sans jamais intégrer la prestigieuse école, ne pensant pas avoir les compétences nécessaires.

 Il rebondit finalement à l’université de Kamamoto, où il étudia la littérature durant une année, puis décida de quitter les études pour se mettre au manga car c’était « quelque chose qu’il adorait. »

Pendant sa jeunesse, Inoue a été très influencé par une œuvre en particulier, celle de Shinji Mizushima, Dokaben.

Dokaben est considéré par beaucoup comme un véritable pionnier des shonen sportifs lycéens et le style graphique de Mizushima, utilisant beaucoup le noir, ainsi que des lignes de vitesse bien droites et dynamiques permettant d’accentuer l’impression de puissance propre aux mangas sportifs, a énormément influencé le travail d’Inoue.

Il ne dessinera finalement ses premiers mangas qu’à l’âge de 18/19 ans. C’est en envoyant ses premières ébauches au Jump, qu’il sera contacté par un éditeur et deviendra assistant de Tsukasa Hojo (Cat’s Eye, City Hunter…) pendant une dizaine de mois ;

En 1988 il gagne le prix Tezuka du meilleur nouveau mangaka pour le one-shot Kaede Purple, sorte de prélude à Slam Dunk introduisant les personnages d’Akagi et de Rukawa.

Un an plus tard il lance Chameleon Jail dans le Jump, manga policier qui s’arrêtera au bout de 12 chapitres, faute de succès.

En 1990, souhaitant à nouveau parler de basket dans ses récits, et suivant les conseils de son éditeur, Inoue mélange les genres furyô, d’amour adolescents et sportifs. Ayant déjà introduit le personnage de Sakuragi dans le One-shot Aka Ga Suki, cela permettait de changer le récit d’orientation en cas de baisse dans les sondages sévères du Jump. Slam Dunk est né et deviendra l’une des bandes dessinées les plus vendues au monde.

Une œuvre variée

Durant la publication de Slam Dunk, Inoue ne s’arrête pas là et publie de nombreux one-shot, à commencer par Baby Face.

Cette œuvre nous permet de retrouver une fois encore certains personnages de Slam Dunk mais va surtout nous permettre de mesurer l’influence d’un autre mangaka sur son œuvre, à savoir Ryoichi Ikegami (Heat, Sanctuary, Crying Freeman), avec notamment son manga Otokogumi.

Hommage évident à une de ses idoles, Baby Face nous donne accès aux tourments d’un tueur à gages de 23 ans, rongé par la solitude.

Son style s’affine, et l’on remarque l’apparition de personnages plus complexes, « que l’on pourrait croiser dans la rue », d’autres plus fanfarons viennent étayer le récit. L’attention porté aux détails sans trop les exagérer et cette manière de mélanger les genres, comme dans le storytelling d’Ikegami, ont un impact direct sur la manière de travailler d’Inoue.

D’autres courts mangas seront publiés durant cette période, comme le one-shot promotionnel Hang Time en 1993, sur Michael Jordan ou enfin, deux ans après la fin de Slam Dunk, une amourette entre deux jeunes âmes dans un petit village au bord de la mer, nommée Piasu.

Real, Vagabond, Dualité et tourments

Quand Vagabond débute en 1998, l’influence d’Ikegami se fait à nouveau sentir, lui qui s’était prété au jeu du manga historique avec l’œuvre Nobunaga durant la fin des années 80.

Cette libre adaptation du roman La pierre et le sabre d’Eiji Yoshikawa, deviendra un véritable terrain de jeu pour Inoue. L’histoire est beaucoup moins linéaire et ne suit pas les standards du shonen propres à une œuvre comme Slam Dunk. Inoue s’essaye à la recherche, et son style graphique devient de plus en plus singulier. Il abandonne la plume pour le pinceau en cours de série, et ce malgré les critiques, travaille sans assistant, et est publié dans le Morning de Kodansha à un rythme beaucoup moins régulier que lors de sa précédente sérialisation.

Il se sert de multiples traits au pinceau pour créer les ombrages au lieu d’employer des trames différentes et dessine directement avec son nouvel outil par-dessus un rapide brouillon fait au critérium, ce qui lui permet de construire les poses imposantes de ses personnages. Cette technique lui permet d’insister sur les pleins et la finesse pour donner plus de souplesse et de chaleur au trait.

À la plume les dessins pouvaient paraître un peu « froids » en raison du caractère réaliste de son style. Désormais il a une plus grande liberté et une plus grande gamme de traits. Il peut aussi jouer sur plusieurs styles de dessin à l’intérieur d’une même planche.

Il publie en parallèle le manga Real, ayant pour toile de fond le handibasket. On y découvre une œuvre plus profonde, prenant appui sur la psychologie de ses acteurs. Contrairement à Slam Dunk, le sport n’apparaît qu’au second plan.

 Le basket n’apparaît plus comme l’élément central de l’histoire mais comme un exutoire, une réponse aux tourments de ses personnages, une voie pour rebondir. Ils se doivent d’affronter le réel, se cherchent et font face à leurs propres contradictions. Ainsi, le lecteur peut suivre aisément le cheminement et la complexité de leurs pensées.

Jonglant entre de nombreux projets annexes depuis, Inoue n’a toujours pas achevé ces deux œuvres, que l’on pourrait presque voir comme complémentaires. Elles permettent chacune au mangaka de s’exprimer artistiquement, d’une manière complétement différente et à travers un prisme qui varie. Inoue grandit et ses œuvres s’enrichissent au même titre que son art. Il se laisse aller au gré de ses désirs et cela se ressent dans la construction de ses œuvres.

« Je considère que ce que je fais avec Vagabond tient plus de la poésie que du récit. »

Il représente vraiment Vagabond, comme un lieu d’exploration, où il peut se laisser aller à l’exploration de techniques et s’exprimer véritablement en tant qu’artiste, comme une revanche sur son passé, comme un pied de nez aux japonais qui représentent les mangakas comme de simples ouvriers.

Real est à l’inverse, un lieu d’expression psychologique, explorant les tourments de l’humain. Inoue respire à travers Real, et y exorcise ses démons, ses angoisses, l’enjeu artistique de Vagabond ayant pris trop d’ampleur, l’artiste se retrouve littéralement écrasé par la pression d’un projet si exceptionnel.  

“Je souffrais de maux de tête qui m’empêchaient de me concentrer. Difficile à dire s’ils étaient causés par le travail ou mon envie d’y échapper… J’avais atteint le point où je n’étais plus certain d’avoir encore envie de faire du manga. Je n’étais plus certain d’être dans la bonne direction, je ne me souvenais plus d’où je venais. C’est vous dire à quel point j’étais englouti dans ce travail. Je me retrouvais dans la situation où je devais faire ce boulot pour les mauvaises raisons.

 Et depuis si longtemps que j’en avais oublié le plus important, à savoir être à l’écoute de mes envies. Le problème était que je m’étais mis à trop anticiper cette fin. J’ai commencé à déclarer qu’il était envisageable de terminer Vagabond cette année, j’en ai même parlé sur mon blog. C’est là où le bât blesse, je pense. La fatigue de l’exposition (The LAST Manga, NDR) est aussi un facteur, ceci dit, mais… Vous savez, je n’ai pas la réponse. C’est une accumulation d’un ensemble de choses.

Ce qui est sûr, à ce stade, c’est ce que j’ai envie de faire et de ne pas faire. Comme je l’ai déjà dit précédemment, je ne ressens pas le besoin de travailler dessus pour l’instant mais je sais que si je n’y reviens pas, j’aurais des soucis au bout du compte, et c’est ce qui en gros m’a fait tenir jusqu’à l’interruption. Je ne pense pas qu’il s’agisse d’une motivation très saine.

J’espère rester suffisamment à l’écart de Vagabond le temps que toutes ces angoisses et émotions superflues disparaissent et que je sois prêt à dessiner. Je veux dessiner parce que j’en éprouve l’envie. Je ne suis pas certain de pouvoir me permettre d’attendre aussi longtemps, cependant. Je considère cette interruption comme une forme de mort en tant qu’artiste, ce qui paraît assez dramatique dit comme ça, j’en ai conscience, mais je traîne trop de boulets depuis trop longtemps et je sais que je deviendrai un bien meilleur artiste si je parviens à m’en délester.

Si je me remets prématurément à retravailler sur cette œuvre, je ne ferai que revivre ce que j’ai déjà traversé. Je pourrai produire quelque chose de correct, je pense, l’extirper de ma conscience professionnelle, mais le résultat n’aurait rien d’exceptionnel. Cela dit, le simple fait de continuer à dire que j’espère en faire quelque chose « d’exceptionnel » est un signe que je n’ai pas fini de me débarrasser de tous ces poids, de ces pressions extérieures. Quoiqu’il en soit, je ne touche plus à Vagabond pour l’instant car je pense sincèrement que c’est ce dont j’ai besoin pour, au bout du compte, être en mesure de produire quelque chose qui me corresponde. »

“Récemment, je me suis mis à redoubler d’effort dans la façon de concevoir Real, et j’ai redécouvert une joie que ne m’a pour ainsi dire jamais procuré Vagabond. Celle du manga, celle que procure le fait d’être un mangaka professionnel.”

On peut vraiment faire une analogie entre les personnages de ces œuvres et leur auteur. Qu’il s’agisse de Musashi, en quête d’identité, qui se perd littéralement, recule, essaye comme Takehiko Inoue le fait, à l’inverse de Takezo (Vrai prénom de Musashi NDR) que l’on pourrait comparer au fougueux Takehiko Nariai, qui se posait moins de question lors de sa prime jeunesse.

La « liberté » qu’il s’impose pour Vagabond le plonge dans un état de détresse, qu’il soigne finalement à travers une œuvre où il travaille de manière plus cadrée comme Real. Il évoque deux modes de fonctionnement distincts.

 C’est cette complexité et ce refus d’y voir une linéarité dans les œuvres, d’y accepter le mouvement, qui font de Real et de Vagabond, deux pièces maitresses de la carrière de l’artiste. Se termineront elles un jour ? Seul l’avenir nous le dira mais l’important n’est probablement pas ici. Peut être pouvons nous simplement admirer les œuvres, simplement pour ce qu’elles sont et non pour leur dénouement tant attendu ni pour satisfaire notre soif insatiable, de lecteur en quête de consommation.

Exploration, Projets annexes

Comme précisé plus tôt, Takehiko Inoue a utilisé des supports de création très divers lors de projets annexes, explorant alors par d’autres biais que ses séries l’art du manga : internet, tableaux noirs et jeux vidéo font partie de ses recherches créatives.

En 1996, il dessine le manga Buzzer Beater réuni en 4 volumes aux éditions Shueisha et non sorti en France. Inspiré par la sortie de Space Jam, il colorise son oeuvre grâce au digital, ce qui, à l’époque, est une chose totalement inédite dans le monde du manga.

Le 8 août 2004, Inoue s’est offert une page dans les six plus grands quotidiens japonais pour remercier ses lecteurs et fêter les 100 millions d’exemplaires vendus de Slam dunk, reprenant les joueurs de la série en six portraits totalement inédits.

En décembre de la même année, la commémoration prend une nouvelle tournure, plus artistique encore, lors d’un « happening ».

Durant quatre jours, il dessine à la craie sur les 23 tableaux noirs d’un ancien lycée où est censée se dérouler l’intrigue de Slam dunk. Ces dessins constituent une série d’histoires courtes à propos de chaque personnage se déroulant 10 jours après la fin de la série.

Après trois jours de visites, les dessins sont effacés. Il ne reste de cet événement que photos et un DVD (Slam dunk, 10 days after).

Puis en 2007, il participe à la création de Lost Odyssey un jeu vidéo développé par la société Mistwalker, créée par le père de la série des Final Fantasy, Hironobu Sakaguchi.

Inoue s’occupe du character design des personnages. Le héros, Kaim Argonar, est un homme condamné à vivre 1000 ans. Les raisons de cette malédiction sont à découvrir à travers les rêves et flash-backs de ce personnage.

Il a également figuré parmi les artistes à être présenté lors du Tokyo Design Premio, une exposition temporaire à Milan qui présente les œuvres des plus grands designers de la capitale japonaise.

En 2013, il sort Pepita, un carnet de voyages sur l’artiste catalan, Antonio Gaudi. Le livre est un mélange de dessins (bien évidemment), de photos et de textes explicatifs sur son oeuvre. Tout est réalisé du point de vue d’Inoue. Il découvre ce travail de manière humble et le retranscrit en images.

Enfin, il sort également le coffret Draw, Double DVD accompagné d’un livret de planches au brouillon et finalisées. La vidéo contient deux longues interviews permettent de mieux connaître le maître. Il s’est, pour ce projet, basé sur la définition du mot manga par Hokusai au XIXe siècle, utilisé alors pour désigner les 15 volumes de dessins destinés à ses disciples pour qu’ils puissent voir les techniques de travail du maître. Inoue propose en vidéo plusieurs longues séances de dessin qui nous permettent de voir comment il passe du brouillon à la version finale.

Retour au Basket, au cinéma

On connaît la très grande attention qu’Inoue porte à la qualité du graphisme et le gout amer que lui avait laissé la série animée de Slam dunk. Il regrettait que les impératifs d’une diffusion hebdomadaire prévalent sur la qualité du dessin. Les personnages ont dû être simplifiés pour faciliter leur animation et ne ressemblent pas toujours aux originaux. Quant aux mouvements de basket, ils ne sont pas toujours très réalistes.

C’est ainsi qu’il se lance, il y a quelques années, dans la réalisation, reprenant son premier amour, cherchant à l’étoffer, et s’attaquant narrativement à un point de vue qu’il n’avait pas développé dans l’œuvre originale. Etant seul détenteur des droits du manga, l’exigence artistique extrême du maître l’a fait suivre de nombreux metteurs en scène pendant plusieurs années pour apprendre comment retranscrire au mieux son histoire au cinéma. Contrairement au manga, où il peut adapter la taille de sa case à son bon vouloir, au cinéma, la taille de l’écran est fixe, Il a dû adapter sa vision à cet espace restreint.

 « Il a dessiné plus que n’importe qui dans le staff. Il a beaucoup corrigé le travail des animateurs », insiste Toshiyuki Matsui, son producteur :

« Il s’est appliqué à faire en sorte que l’image finale soit exactement conforme à ce qu’il avait imaginé. (…) n’arrêtait pas de donner des instructions, jusqu’à ce que ce soit parfait et a même évolué en dessin grâce à ça ! ».

Pour finir, à propos de la longue et riche carrière de Takehiko Inoue, la reprise de la publication de Real a été annoncé pour le 24 août. Il n’a toujours pas rendu les pinceaux et je vous invite à commencer, si ce n’est pas déjà fait, ses œuvres majeures, et à vous intéresser au travail du maître de manière générale. The First Slam Dunk est également, toujours disponible en salles et vaut vraiment le coup d’œil.

Et si vous souhaitez des compléments d’informations sur les inspirations du maître pour Vagabond, vous pouvez trouver le super article de Skendolero, juste ici.

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