Êtes-vous prêt à embarquer pour un voyage magique au cœur de l’univers Ghibli ? Que le quiz commence !

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Qui est Gastronogeek ?

Connu sur les réseaux sous le nom de Gastronogeek, Thibaud Villanova est l’auteur de livres de cuisine dont les recettes s’inspirent directement de la pop-culture. Présent à Japan Expo, il confie sa passion pour la pop culture japonaise, qu’il cultive depuis l’enfance.

Membre de la génération Club Dorothée, il a publié des livres de recettes tout droit tirées de Zelda, Food Wars, des films Ghibli, ou bien encore de Genshin Impact.

Auteur, créateur de contenu mais aussi chef, Thibaud Villanova puise ses racines culinaires dans son héritage familial : il est fils de boulanger et petit-fils de cuisinière. Autodidacte, il a su marier cette richesse gastronomique à sa connaissance de la pop-culture pour élaborer des recettes originales.

Ce parcours, à la fois atypique et inspirant, témoigne d’une créativité remarquable. On le retrouve sur Instagram, TikTok et YouTube, il possède également plusieurs podcasts, ainsi qu’une chaîne Twitch où il partage en direct ses sessions gaming, ses discussions et ses démonstrations culinaires, seul ou en compagnie d’invités.

Petit tu as baigné dans la pop culture et la gastronomie. Est-ce que tu savais plus jeune que tu voudrais en faire ton métier ?

Non, pas du tout. Je pense que ce n’était pas dit, mais mon père, il avait un taf tellement difficile que je pense qu’il aurait préféré que je fasse tout sauf ça. Tu ne veux pas que tes gamins soient cuisiniers. Tu préfères qu’ils soient avocats, docteurs, qu’ils gagnent bien leur vie, même si tu ne te rends pas compte que c’est quand même des métiers durs à leur manière. Tu préfères leur éviter une certaine pénibilité.

Donc mes parents, ils avaient plutôt envie que je fasse autre chose. Du coup, je n’ai pas vraiment été guidé vers ça, bien au contraire.

Comment t’est venue ce déclic d’allier pop culture et cuisine ?

C’est un peu un alignement de planètes ! En 2013, je bosse dans un lieu à Paris où on fait du pop culturel. En parallèle, moi je suis un geek première génération, donc on se moquait de moi au lycée. J’en retire rien de négatif. Mais j’ai connu l’époque où quand tu disais que tu regardais des animés ou jouais aux jeux vidéo, c’était beaucoup plus commun qu’on se moque de toi.

J’ai connu ça en parallèle à l’essor des séries télévisées, l’essor des Lost, des Breaking Bad etc. Il y avait aussi l’explosion du Marvel Cinematic Universe : les super-héros, tout le monde s’en empare. Les émissions de cuisine, toutes les chaînes de télé se dotent de leur propre émission. Tout le monde cuisine, utilise son imaginaire pour s’inspirer.

À ce moment-là, je fais juste le lien entre tout ça en mode : « c’est sympa qu’on se moque de nous, nous les geeks, mais dans Harry Potter, les mecs mangent tout le temps, dans le Seigneur des Anneaux pareil, dans Zelda pareil ». Je me suis demandé : comment prolonger l’immersion dans ces univers avec la cuisine ? J’ai travaillé le truc, et puis ça s’est fait assez naturellement. J’avais la connaissance et l’expérience des références pop-culturelles et en parallèle j’avais des bases de cuisine assez larges pour comprendre qu’on pouvait faire quelque chose.

Je pense que j’ai eu l’idée au bon moment, entouré des bonnes personnes.

Est-ce que tu te souviens de ta première recette alliant pop culture et cuisine ?

On a fait un dessert marquant, qui a plu, et on s’est dit « OK, c’est cool, on l’a fait une fois, on ne refera plus jamais ça. » En réalité, on a fait un truc cosmétique : l’œil de Sauron, un dessert dans mon premier livre Seigneur des Anneaux. Une tartelette orange gingembre chocolat noir pour reproduire l’œil de Sauron en pâtisserie. Les gens ont trouvé ça très bon et on s’est tout de suite dit :

« On n’est pas là pour faire du cosmétique, l’idée c’est maintenant de faire du rôleplay : comme le cosplay, mais en nourriture, reproduire le plus fidèlement possible la référence. »

Tu dis « on », est-ce que tu collabores sur tes recettes avec d’autres personnes ?

Non. La partie recette, création pure, c’est moi solo. Je ne la partage pas, c’est mon apport personnel. Je m’entoure d’une équipe pour le reste : Bérangère la directrice artistique, le photographe, la styliste photo. Moi, j’assure le dressage des assiettes et je livre les objets présents dans la photo pour être en cohérence avec le récit.

L’objectif, c’est que la photo soit immersive. Le spectateur doit avoir l’impression d’être assis à côté de son héros en train de manger. Je veux montrer qu’on comprend la référence, qu’on fait partie de la communauté.

Les recettes, c’est solo ; le reste, c’est en équipe.

Tu as un livre de recettes végétariennes. Est-ce que tu comptes un jour te pencher sur d’autres régimes alimentaires comme anti-inflammatoire, végétalien ou autre ?

Alors, le végétalien, c’est particulier. On a mis recettes végétariennes, mais 90% du contenu du livre peut être véganisé : on donne des astuces. Moi, je ne suis pas végan, donc je n’avais pas la légitimité de dire « mangez végan ».

Les régimes anti-inflammatoires, sans gluten… Je ne suis pas formé en nutrition, donc je ne me sens pas légitime pour enseigner ça. Peut-être un jour, si je forme une équipe ou que j’apprends suffisamment. Pour l’instant, ce n’est pas défini.

Cette année tu sors deux livres, tu as sorti Air Fryer & Co. en février et tu comptes en sortir un à la fin de l’année. Comment fais-tu pour tenir la cadence ?

Le café ! *rires*

Plus sérieusement, j’ai la chance d’avoir une communauté géniale, qui me fait confiance et me force à me remettre en question à chaque fois. Elle grandit de jour en jour ! Le fait que ça marche depuis dix ans, j’en suis très heureux et reconnaissant.

Je vis chaque journée comme si demain quelqu’un éteignait le bouton : tu n’intéresses plus personne, on ne connaît plus tes livres. Je me bats chaque jour sur cette base.

Aujourd’hui, en plus d’être créateur et auteur, je suis chef d’une petite entreprise. J’ai à cœur que mes salariés et équipes soient confortables. Si je n’ai pas d’idées, on ne paie pas les salaires ; c’est une responsabilité que j’assume. La création est un entraînement quotidien, sans talent intrinsèque, mais avec du travail.

Evidemment il y a des jours de page blanche, de remise en question, mais il faut les dépasser et avancer.

C’est super inspirant. Est-ce que tu aimerais dire une dernière chose à ceux qui nous regardent ?

Faites vous à manger, faites des économies, dépensez votre temps à cuisiner plutôt qu’à acheter des trucs pas bons. Vous savez de quoi on parle : si vous croyez que vous n’avez pas le temps, prenez-le.

Prenez soin de vous en cuisinant pour ceux que vous aimez. Ne croyez pas que vous n’avez pas assez d’argent ni de temps, ou que c’est trop difficile !

Commencez simplement, et vous verrez, ça va changer votre vie.

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Vous êtes né en 1963 dans un village du Japon rural, dans la préfecture de Gifu, avez-vous grandi là-bas ? Quel type d’enfance avez-vous eu ?

Je suis né à Nakatsugawa et j’y ai vécu jusqu’au lycée, je voyais souvent le mont Ena que j’appréciais tout particulièrement. J’ai grandi dans ce type de village avec des rizières, des rivières, et où la nature est foisonnante.

Au collège – lycée avez vous eu d’autre passion que le dessin ?

J’ai toujours aimé le dessin, je faisais des petits croquis, ou des maquettes de modèle réduit. Sinon je me promenais à bicyclette avec mes amis, parfois aussi en rollers.

Quel à été le déclic pour cette appétence pour l’horreur ? 

Ça me plaît depuis l’enfance : le premier manga que j’ai lu est de Kazuo Umezu ! Je regardais aussi des films d’épouvante à la télé, même jeune.

Avant de devenir mangaka vous étiez prothésiste dentaire et à 24 ans, vous décidez de passer un concours manga ! Pourquoi et quelle histoire y présentez-vous ?

Après le lycée, je suis devenu prothésiste dentaire, je fabriquais des dentiers. Je rêvais de faire des mangas. Alors, j’ai voulu tester Le Prix Kazuo Umezu qui est un concours organisé par les éditions Asahi Sonorama au sein du magazine mensuel de prépublication Gekkan Halloween. Je voulais faire en sorte d’attirer l’attention du grand maître Kazuo Umezu. L’histoire que j’ai présenté c’était Tomie.

Pendant 3 ans vous continuez le métier de prothésiste dentaire en parallèle du métier de mangaka, puis en 90 vous quittez votre emploi pour devenir mangaka à temps plein. Est-ce que votre entourage vous a soutenu ? 

Honnêtement, personne ne m’a conseillé de faire mangaka… mais on a qu’une seule vie. Le métier de prothésiste dentaire est difficile, je faisais des nuits blanches pendant lesquelles je préparais des dentiers. Puis, avec les mangas c’est devenu trop dur je maigrissais énormément. À un moment je me suis dis que j’allais mourir alors j’ai décidé d’arrêter mon travail.

Un ouvrage de vous très récemment sorti : Terroriser de chez Mangetsu, n’est pas un manga,  que contient-il ? 

Cet ouvrage n’est pas un manga mais un livre composé de texte de ma naissance jusqu’à mon arrivée en tant que mangaka, des choses personnelles. Des explications sur mes œuvres, on retrouve aussi des crayonnés de certaines de mes œuvres! 

Quand on est le maître du manga d’horreur a-t-on une pression pour faire des mangas d’horreur ?

Alors heureusement dans mon entourage personne ne m’a mis la pression mais des fans  »hardcore » (terme utilisé par le traducteur, ndlr) notamment sur les réseaux me mettent la pression… Enfin… je ne parlerais pas vraiment de pression car en réalité ça vient me motiver! 

Qu’est ce qui fait peur à Ito Junji ?

Depuis l’enfance j’ai toujours été quelqu’un de peureux ! J’ai affreusement peur des cafards et des milles pâtes. En plus, il y’en a beaucoup à la campagne japonaise, et on en a de très grandes tailles! La maison où je vivais petit, était une maison de campagne, tout était grand ouvert l’été. Il y avait énormément d’insectes volants dans la maison.

Janvier 2023 vous venez en France et visitez les catacombes de Paris que gardez vous comme souvenir ? 

J’ai toujours été intrigué par ces souterrains de Paris dont j’ai entendu beaucoup de rumeur, j’ai ce souvenir de ce tunnel avec tous ces squelettes humains ! Depuis les débuts de l’humanité combien de gens sont nés et morts, je me suis toujours demandé ça… et j’ai vu tous ces squelettes ! Ça m’a fait réaliser qu’il y avait eu énormément de personnes qui ont vécu avant nous, c’était un moment assez inoubliable.

Parlons un peu de Tomie, jeune fille assassinée par la folie humaine. Elle revient par la suite et c’est elle qui amènera autour d’elle la folie des hommes. Qu’est ce qu’est Tomie ? Subit-elle une malédiction  ? Ou est-elle elle-même une malédiction ? 

À l’époque où j’ai dessiné Tomie, c’était un moment au Japon où tout ce qui est horreur traitait du thème des fantômes. Je voulais prendre quelque chose de différent, ne pas avoir un être insaisissable, mais plutôt un être qui soit vraiment présent, qui est une âme, une enveloppe corporelle, mais pas pour autant un être humain. Tomie est donc plutôt un monstre. Je ne dirais pas, non plus, que Tomie est possédée ou maudite. Tomie, c’est une créature qui est hautaine, qui aime les marques chères. Et je voulais vraiment faire un manga d’horreur qui va droit au but… 

Après Tomie, en 2024 vous sortez un nouveau chapitre Tomie Control, est-ce que vous prévoyez une fin, un épilogue à ce personnage ?

C’est vrai que Tomie, c’est un processus sans fin dès qu’elle est tuée, elle va ressuscitée, se multiplier. Donc je n’ai pas l’intention de dessiner une conclusion à son histoire. Je l’imagine plutôt continuer à se faire assassiner et se multiplier. 

Elle apparaît pour la première fois il y a 38  ans, c’est devenu depuis, un personnage iconique de la pop culture. Pouvez-vous me dire les bons, et peut-être les mauvais côté quand on est le créateur d’un personnage aussi fort ?

C’est vrai que Tomie est l’œuvre avec laquelle j’ai fait mes débuts, j’y suis particulièrement attachée et je l’ai beaucoup travaillé. J’en suis assez fière de ce personnage. J’étais loin d’imaginer qu’elle serait aussi bien accueillie par les lecteurs. Je ne m’attendais pas à ce que des jeunes se cosplay plus tard en elle.

Tomie c’est aussi un monstre d’une œuvre d’horreur, c’est un personnage qui est destiné à être tué encore et encore. Un personnage extrêmement négatif donc. Ce qui peut m’inquiéter par rapport à Tomie c’est de me demander est-ce qu’elle peut insuffler des idées négatives à ceux qui la lisent ?

On a toujours un peu de mal à imaginer votre quotidien, c’est quoi votre journée type quand vous êtes dans une phase de création ? 

Avant de me marier j’avais une vie complètement déréglé le jour et la nuit était inversé. Une fois devenu père de famille, ça a tout changé. Maintenant, je me lève à 9h, je prends mon petit déjeuner, je fais la vaisselle, puis je prends mon vélo et en 5 minutes je suis à mon lieu de travail. Je travaille, je déjeune et je dessine mes mangas.

Si jamais j’ai sommeil, je fais une sieste. Ensuite je me dis que je vais me renseigner pour mes histoires. Je saisis donc mon téléphone mais finalement je me retrouve à regarder des vidéos YouTube, au lieu de travailler… Alors je ne suis pas très efficace ! Enfin, je rentre et je travaille en général jusqu’à 2 heure du matin. 

Avant d’être sur des scènes Japan Expo je présentais vos mangas sur YouTube, une question revenait souvent : par quoi commencer et pourquoi ? 

J’aurais tendance à conseiller Tomie pour commencer ou Uzumaki (spirale ndlr). Mais moi, à titre perso je préfère les formats courts, j’ai une prédilection pour ces œuvres. Je vais vraiment travailler avec précision sur chaque œuvre en y apportant toute ma concentration. Donc c’est vrai que j’ai très envie que les lecteurs lisent ces histoires courtes sous forme de recueil. 

Certains auteurs considèrent parfois, que l’une de leur œuvre était l’apogée de leur art, y a t il pour vous une œuvre qui marque votre apogée ?

Je vous disais à l’instant que j’aime beaucoup mes histoires courtes, il y en a deux que je citerais. La première date de 1994 : kubitsuri kikyuu – littéralement : le ballon de la pendaison. Ce sont des ballons qui ont le visage d’une personne et poursuivre cette personne dans le but de la pendre, car une corde est accrochée au ballon.

C’était une époque où j’étais extrêmement prolifique et je me sentais bien dans ma carrière. L’autre histoire que je citerais date de 1997 Nagai Yume – littéralement : un long rêve. C’est l’histoire d’un homme qui fait un rêve interminable, je l’ai dessiné à une période où j’étais vraiment bien dans ma carrière ! 

Y a t’il une question qu’on ne vous a jamais posé et que vous auriez répondre au jour ? 

Parallèlement à l’ouvrage Terroriser, Mangetsu sort un artbook, et un ouvrage qui s’appelle Suture. Il s’agit d’un ouvrage signé par Hirokatsu Kihara et les illustrations ont été effectuées par moi. Le manga vient de sortir en France, j’aimerais beaucoup que mes lecteurs le lisent! 

J’ai une dernière question, aujourd’hui comment voyez vous le jeune mangaka que vous étiez ? Et si vous en aviez l’occasion auriez vous un message à lui faire passer ?

C’est vrai qu’une fois que j’ai fait mes débuts dans le manga, je ne me suis jamais arrêté, j’ai travaillé et encore travaillé. Je me suis concentré dessus, je me rends compte que j’ai fait énormément d’efforts ! Donc si je devais adresser un message au moi du passé : bravo pour tout ce que tu as fait et lui témoigner ma reconnaissance ! 

Une petite surprise est, alors, annoncée pour le public de Japan Expo : Crimson – Junji Ito. 

Est ce que vous voudriez dire un petit mot de fin ?

C’est la 3e fois que je viens en France, je ne me suis jamais autant rendu dans un pays d’Europe autant qu’en France. C’est vraiment un pays que j’admire beaucoup, et j’espère que j’aurais d’autres occasions de revenir et de vous voir. Mais déjà, j’étais extrêmement heureux de pouvoir vous voir aujourd’hui et je vous remercie beaucoup de votre venue et de votre déplacement. 

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Une exposition qui fait froid dans le dos

Ce n’est pas moins de 400m², qui sont dédiés à l’univers singulier de Junji Ito. Au travers de ses personnages emblématiques, ses thématiques récurrentes et ses influences artistiques.

L’exposition nous présente : Tomie, l’immortelle aux charmes destructeurs. Soichi, l’enfant étrange aux clous dans la bouche. Ou encore les spirales hypnotiques d’Uzumaki (Spirale, ndlr). Toutes ces oeuvres iconiques prennent vie dans cette galerie. Des reproductions de planches originales côtoient des objets de collection de mode et des produits dérivés, créant une atmosphère particulièrement immersive.

L’exposition révèle également les coulisses de la création. En explorant les influences du mangaka : Kazuo Umezu, pionnier du manga d’horreur, H.P. Lovecraft et l’univers du body horror. Une approche qui permet de comprendre comment Junji Ito transforme ses obsessions en cauchemar.

L’art de l’horreur selon Junji Ito

Ancien prothésiste dentaire reconverti dans le manga, Junji Ito puise son inspiration dans ses propres angoisses. Les cafards, les transformations corporelles, l’inexplicable. Ce sont autant d’éléments qui nourrissent son imaginaire. Ses histoires détournent des problèmes du quotidien pour en tirer une vision horrifique. La spirale, symbole mathématique anodin, devient ainsi le vecteur d’une malédiction qui dévore une ville entière.

Une trait particulier qui sert l’horrifique

Le trait de Junji Ito se distingue par sa précision et son réalisme troublant, permettant au lecteur de se sentir happé par ce qu’il crée. Ses pages, d’une beauté froide et détaillée, posent doucement une ambiance angoissante.
Ses influences transparaissent dans sa façon d’aborder l’horreur. Comme chez Lovecraft, ses personnages sont souvent confrontés à des forces qui les dépassent : l’indicible, l’inexplicable, l’inéluctable. Ce sont autant de concepts que Junji Ito expose au travers de dessins captivants tant par leur réalisme que par leur ambiance lugubre et dérangeante.

Japan Expo a réussi ce défi

Cette expérience à la fois immersive et pédagogique à réussis son pari : faire peur tout en approfondissant le travail de Junji Ito de manière complète. Les organisateurs ont pensé chaque détail pour créer une atmosphère digne des récits du mangaka : éclairage tamisé, scénographie immersive, et même des surprises que nous ne dévoilerons pas. On espère simplement que l’exposition Junji Ito obsessions et cauchemars sera accessible en dehors de Japan Expo Paris 2025.

D’ailleurs si tu ne le savais pas encore une annonce très spéciale à été faite par Junji Ito lui-même à Japan Expo : Crimson.

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Alors que Japan Expo 2025 commence à peine, l’invité d’honneur Junji Ito donne une conférence publique. Cette dernière tenu par Ed le fou, revient sur la carrière et les débuts du mangaka. Avant de clamer qu’une surprise est prévue pour le public ! Ce n’est qu’à la toute fin de la conférence qu’on en apprend plus. Cette annonce inattendue marque un nouveau chapitre pour l’oeuvre de Junji Ito.

En effet, sa réputation dans le manga horrifique n’est plus à faire après ces innombrables oeuvres à glacées le sang.

C’est donc tout naturellement que des adaptations animés de ses mangas voient le jour. Ainsi, après Maniac : Anthologie macabre et Collection, qu’une nouvelle adaptation anime est prévue Crimson.

Même si l’anime n’a pas encore de date de diffusion, on sait que Yumi Matsutoya en fait l’opening. Vous ne voyez pas qui c’est ? On retrouve ses chansons dans des films d’Hayao Miyazaki : Kiki la petite sorcière, Le Vent se lève ou encore La traversée du temps de Mamoru Hosoda. L’opening aux notes mélancoliques et captivante se nomme Karasu Ageha — Papillon noir.

Junji Ito espère que Loe talent de Yumi Matsutoya permettra de faire connaître cet animé et ses oeuvres à travers le monde.

Nous n’avons pour l’instant pas plus d’infos sur la sortie de Crimson, mais ce que l’on sait c’est qu’il paraîtra sur Crunchyroll !

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C’est à l’occasion du plus grand salon européen sur le manga et la culture nippone : Japan Expo ; que Juudaichi a partagé son parcours. De son vrai nom Julien, il est créateur de contenu et professeur de japonais reconnu pour sa pédagogie unique basée sur des extraits d’animés. Dans cette interview, Yasmine Hoshi le questionne sur son premier contact avec le Japon, son approche pédagogique et ses recommandations pour les apprenants.

Quel a été ton premier contact avec le japonais ou le Japon ?  

Mon tout premier contact avec le Japon, je ne savais même pas que c’était du Japon à ce moment-là. C’était Dragon Ball Z. Enfant, je regardais l’animé en français sans savoir que c’était japonais. Déjà ado, avec mes camarades, on faisait des role plays Dragon Ball. Plus tard, au collège, j’ai découvert les versions originales en japonais. À l’époque de Naruto Shippuden, je voulais suivre l’avancée de l’anime donc je regardais en VOSTFR. Les voix japonaises d’Itachi, Kakashi et Sasuke sont incroyables. Mon deuxième contact a été avec les arts martiaux.  

Tu as fait des arts martiaux ?  

Oui, ça fait 14 ans ! Au départ, je voulais faire du Ninjutsu pour le côté ninja… Mais finalement j’ai fait de l’aïkido. Même si j’avoue que ça fait longtemps que je ne m’entraîne plus… Pardon à mes senseïs.

Quel a été ton parcours d’apprentissage de la langue ?  

Après ces premiers contacts avec le Japon, j’ai décidé d’acheter un bouquin de japonais à la FNAC. C’était de la conversation pure : pas d’écriture, pas de syllabaire, pas de kanjis. Je voulais juste comprendre les animés que je regardais. J’ai appris seul avec ce livre et décidé de passer le japonais au bac en LV3. J’ai eu 17/20 avec des textes super durs ! Ensuite, j’ai commencé une fac de japonais mais ça ne me plaisait pas alors j’ai arrêté. J’ai continué à apprendre la langue par moi-même pendant ma licence et mon master d’anglais.

Comment tu t’es dit : « Let’s go, je vais devenir prof de japonais et faire apprendre le japonais avec les animés » ?  

Le délire d’enseigner est venu un peu tard. Je me suis rendu compte que pour moi le meilleur moyen d’apprendre une langue c’est de l’enseigner. J’ai donné mes premiers cours sur Habbo.fr ! La plateforme n’était pas adaptée mais ça m’a permis de comprendre qu’il faut toujours chercher des moyens différents pour expliquer une notion. Ce travail de recherche me passionne, et les animés sont un très bon matériel de travail.

Qu’est-ce que tu préfères dans ton travail en tant que prof ?  

Ce que je préfère, c’est tout ce qui touche à la recherche. Mon but est de trouver le support parfait pour expliquer une notion en japonais. J’utilise des extraits d’animés ou mangas pour illustrer mes cours. Ce n’est pas toujours simple car le japonais dans les animés n’est pas standardisé. Mais j’adore chercher l’extrait parfait qui va vraiment faire comprendre une notion aux apprenants.

Comment gères-tu les différences entre tes élèves ?  

J’essaie toujours de m’adapter. Certains élèves ont des handicaps ou des besoins spécifiques comme la dyslexie. Avec eux, il faut prendre plus de temps et trouver des approches différentes. J’ai aussi des enfants comme élèves donc je privilégie l’aspect ludique pour qu’ils s’amusent tout en apprenant.

Quels sont tes projets pour l’avenir ?  

Pour l’instant, je me concentre sur mes cours et mes élèves. Cette année est une phase test où je fais uniquement ça. Je veux développer davantage mes classes tout en continuant mes streams et ma chaîne YouTube. L’année dernière, j’ai publié un livre chez les Éditions First avec Angélique Mariet ; c’était imprévu, un peu comme une quête secondaire.

Quel animé recommanderais-tu pour débuter l’apprentissage du japonais ?  

Les animés dans un contexte quotidien comme Quand Takagi me taquine. Ce genre utilise un vocabulaire utile et accessible lié à la vie quotidienne : école, courses… Les slice of life ou certains shojos sont parfaits pour commencer.

Quels animés déconseillerais-tu ?  

Jujutsu Kaisen et Hunter x Hunter. Ce sont mes préférés mais ils utilisent un vocabulaire complexe lié à l’ésotérisme ou aux pouvoirs surnaturels. Même en français HxH, c’est difficile à comprendre !

Est-ce qu’un prof continue lui-même d’apprendre ?  

Bien sûr ! Le travail de la langue c’est le travail d’une vie… Je fais encore des fautes aujourd’hui et il y a plein de choses que je ne connais pas encore en japonais. C’est un processus sans fin où il faut rester humble et toujours chercher à s’améliorer.

Quel est le mot que tu trouves le plus laid en japonais ?  

Gyunyu – le lait… C’est vraiment un mot super laid !

C’est sur cette petite note d’humour qu’on termine cette interview ! Avoir Juudaichi était un plaisir et on espère pouvoir le revoir très vite.

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Fun fact : Hayao Miyazaki recommande Le Petit Prince parmi 57 autres livres.

Un voyage entre rêve et réalité

L’astéroïde B612 c’est la minuscule planète d’où part le Petit Prince. Son épopée nous entraine dans les dunes dorées du désert et sur les planètes peuplées d’étranges personnages. Ici, la poésie des images se mêle à la magie des musiques, créant une symphonie visuelle et sonore qui transcende les frontières entre rêve et réalité.

Chaque séquence est une invitation à l’émerveillement ! Les aquarelles délicates de Saint Exupéry prennent vie, projetées sur les murs monumentaux de l’Atelier. On ne lit plus le livre, on le vit, intensément, par fragments, comme si chaque page s’animait sous nos yeux.

Un hommage vibrant à un chef-d’œuvre universel

L’Atelier des Lumières réussit le pari de rendre hommage à l’un des livres les plus vendus au monde, traduit dans plus de 600 langues. Le Petit Prince n’est pas seulement une œuvre littéraire, c’est un pont entre les générations, un appel à la rêverie et à la tendresse, qui trouve ici une nouvelle dimension, immersive et sensorielle.

L’exposition s’adresse aux fans inconditionnels de l’œuvre, mais aussi aux rêveurs de tout âges. Mais surtout à ceux qui n’ont jamais cessé de regarder le monde avec des yeux d’enfant !

Informations pratiques

• Lieu : Atelier des Lumières, 38 rue Saint-Maur, 75011 Paris
• Dates : Jusqu’au 31 août 2025
• Public : Tous publics, idéal pour les familles et les passionnés de littérature

N’attendez plus pour plonger dans cette odyssée immersive, où chaque instant est une invitation à redécouvrir le Petit Prince. Après tout : « On ne voit bien qu’avec le cœur. L’essentiel est invisible pour les yeux ».

Réserve ICI !

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Le Synopsis

Plongez dans cinq récits où la fin de vie est illustré, celle de cinq chiens : May, Kelly, Coco, Bobby et Harry. Ils y affrontent leurs derniers instants. On suit le parcours difficile et émouvant de leurs humains. Malgré la souffrance ils accompagnent leur acolytes dans leurs derniers instants tout en les honorant. Dans ce one-shot signé Iriko Aoiro, la mangaka invite à explorer une des plus douloureuses épreuves qui soient : la perte inévitable d’un être cher.

Mon Avis

Un manga sincère et sans artifices sur le deuil

La première histoire est autobiographique, Iroko Aoiro raconte la relation entre elle et May un berger des Shetland. On les voit d’ailleurs s’enlacer sur la couverture. Le cœur de ce manga réside dans son approche réaliste et sans fard du décès d’un chien. Coco, Kelly, Harry et Bobby meurent eux aussi et leurs récits n’est ni romancées ni édulcorées. Elles sont dépeintes telles qu’elles sont : brutales, douloureuses. C’est dans ces instants qu’on observe la résilience de ceux qui souffrent de leurs départs. Chaque perte est unique, tout comme chaque lien entre un chien et son humain l’est. Ces récits ne cherchent pas à embellir la réalité, mais plutôt à l’affronter avec une sincérité rare. 

L’œuvre suit les étapes du deuil avec une authenticité remarquable : le choc, la douleur, la colère, la culpabilité, mais aussi l’acceptation et l’apaisement. Le trait sobre de la mangaka sert parfaitement le propos. Il laisse toute la place aux émotions humaines qui transparaissent dans chaque case. Le désespoir mais aussi l’amour inconditionnel sont retranscrits avec une justesse bouleversante. Le manga ne se contente pas d’évoquer la souffrance ! Chaque lecteur qui a vécu la perte de son animal peut se retrouver dans ces moments de fin vie. 

 Un hommage aux chiens et aux humains qui les pleurent

Si le thème principal est le deuil Mon chien pour la vie se lit aussi comme un hommage vibrant à ces compagnons fidèles. Il met en lumière leur rôle central dans la vie des humains qu’ils accompagnent.

Ils font parti de la famille au même titre que chaque membre. Leur perte est ressentie avec autant d’intensité que celle d’un proche. Ils sont appelé comme ils doivent l’être : soeur, fils, fille, frère…

Les photos d’Harry, Bobby, Coco, Kelly et May en début de tome permettent d’autant plus de s’attacher à ces amours. 

Un format court pour un sujet si riche

Malgré sa puissance émotionnelle, Mon chien pour la vie souffre peut-être d’un format trop condensé. Les cinq histoires réunies en un seul tome donnent parfois l’impression que certains récits auraient mérité davantage d’espace. Les chiens s’effaçaient légèrement derrière leur relations avec leurs humains. Malgré cette sensation de condensé, le découpage en deux volumes n’aurait pas servi le récit et rallongé le tome l’aurait peut être alourdi. Le choix éditorial, intelligent et adapté pour un One Shot, n’enlève donc rien à l’impact du manga. 

Un manga à lire… après réflexion 

Mon chien pour la vie n’est pas une lecture anodine. Il s’adresse avant tout à ceux qui se sentent prêts à affronter ce sujet délicat qu’est le deuil animalier. Les lecteurs sensibles devront prendre le temps de réfléchir avant d’ouvrir ce tome chargé d’émotions brutes et sincères.

En refermant ce manga, on ne peut s’empêcher de pleurer (j’ai versé bien plus qu’une larme ou deux). Pourtant, au-delà des larmes, c’est aussi une œuvre qui réchauffe le cœur par sa capacité à mettre en mots et en images ce que beaucoup peinent à exprimer.

Ma conclusion

Mon chien pour la vie est bien plus qu’un simple recueil d’histoires sur des chiens : c’est un véritable hommage à ces êtres chers qui continuent de vivre dans nos vies longtemps après leur départ.

Si tu préfères un récit plus léger sur les animaux retrouve aussi chez Doki Doki : Hamster et Boule de Gomme.

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Qu’est-ce que la tapisserie d’Aubusson ? 

La tapisserie d’Aubusson est une technique de tissage qui est pratiquée à Aubusson, dans la Creuse, depuis le milieu du XVè siècle et qui nous vient du nord de l’Europe.

C’est ce qu’on appelle de la tapisserie de basse lisse. C’est de la tapisserie tissée sur des métiers qui sont parallèles au sol et face auxquels on s’assoit. 

En quoi consiste le travail de conservatrice à la cité internationale de la tapisserie d’Aubusson ? 

Mon travail en tant que conservatrice c’est de m’occuper des aspects scientifiques de la gestion de la cité. Comme l’acquisition d’œuvres anciennes, la gestion d’exposition temporaire, de projets de recherche, la restauration des œuvres anciennes, et l’accompagnement des artistes contemporains et le suivis des projets comme l’imaginaire d’Hayao Miyazaki en tapisserie d’Aubusson. 

Yasmine : C’est une parfaite transition car j’allais vous demander…

Quelle est la raison de votre présence à Japan Expo ?

Nous sommes ici à Japan Expo pour présenter le savoir-faire de la tapisserie d’Aubusson et leur travail au public.

En particulier le projet l’imaginaire d’Hayao Miyazaki en tapisserie d’Aubusson qui est une tenture -un ensemble de tapisserie sur une même thématique- dédiée à l’imaginaire d’Hayao Miyazaki. 

Comment le projet a vu le jour ?

En 2019, on a signé une convention avec le studio Ghibli.

C’est suite à notre proposition de réalisation de 6 tapisseries d’après des images extraites des films d’Hayao Miyazaki. On a choisi 6 images extraites de 5 films. 

Où en êtes vous sur le projet l’imaginaire d’Hayao Miyazaki ? 

Pour l’instant, on en a déjà tissé 4 et on prépare le tissage de la 5ème.

Il faut compter entre 6 et 8 mois de préparation avant même de pouvoir commencer à tisser. Le tissage est un travail long et collectif. Avant le travail de tissage, on travaille avec les teinturiers, les filateurs qui fournissent les matières, et les cartonniers. 

Jusqu’à présent, quelles sont les tapisseries réalisées  ?

Pour l’instant, on a tissé une image extraite de Princesse Mononoké. D’ailleurs elle sera exposée l’année prochaine à l’exposition universelle d’Osaka dans le pavillon de la France ! Ce dont on est très fier ! Il y a la scène du banquet du Sans-Visage extraite du Voyage de Chihiro, une tapisserie toute en longueur : 7 mètres de long.

Il existe également deux scènes du Château Ambulant : dans la chambre de Hauru et celle du Château en tapisserie d’Aubusson. On est sur des grands formats pour la tenture, entre 17 et 31 mètres carrés.

L’idée c’était de garder ce rapport immersif comme avec un écran de cinéma. 

Comment vous choisissez les scènes des films ? 

C’est un gros travail, Hayao Miyazaki a une filmographie très longue et riche. Il a fallu re-regarder les films, couper le son, parce qu’on a tendance à se laisser entraîner dans l’histoire.

On a cherché dans les films des images qui se prêtaient à des formats assez importants. Il fallait donc un peu de recul, de décor et de matières en arrière-plan.

On a également cherché des images représentatives des thèmes chers à Hayao Miyazaki, qu’il aborde régulièrement dans ses œuvres.

Parfois aussi des images qui permettaient de résonné avec l’histoire de la tapisserie d’Aubusson. La scène de Princesse Mononoké avec la forêt et de très grands arbres ça nous rappelait les verdures d’Aubusson.

Ce sont des tapisseries de paysages tissées au XVIIè et XVIIIè siècle qui ont été une spécialité des ateliers Aubussonnais.

Le choix de la scène de Princesse Mononoké s’est donc fait par rapport aux verdures d’Aubusson ?

C’était effectivement le film où la relation avec la nature est la plus centrale dans l’œuvre de Miyazaki. Cette image n’existe pas tel quel dans le film. Dans le film, c’est un balayage qui part de la cime des arbres et descend progressivement sur les personnages.

On a remis bout à bout les différents plans du balayage pour avoir vraiment toute la monumentalité de la forêt.

C’est une scène importante car c’est la première fois dans le film que les personnages s’aventurent à l’orée de la fôret. 

Carton de la tapisserie Princesse Mononoké, image par la cité internationale de la tapisserie d’Aubusson.

La mise bout à bout des plans, était-ce dans le but de recréer le mouvement, de garder de l’animé dans l’inanimé ?

Ce qui nous intéressait surtout c’était de voir les arbres en entier et de voir à quel point les personnages sont petits à côté d’eux, de voir cette importance de la nature.

C’est vrai que dans le cadre de cette tenture le défi était de partir d’images animées et donc rétro éclairés. La tapisserie à une certaine fixité, un certains poids -entre 80 et 90kg-.

Il y’ avait donc cette idée de passer de l’animé à l’inanimé. Un grand défi dans le fait d’apporter, de maintenir un certain dynamisme et de la lumière -beaucoup de lumière- dans les tissages, pour garder ce rapport rétroéclairé des animés. 

Que se passe-t-il pour la suite du projet l’imaginaire d’Hayao Miyazaki ?

L’atenture [jeu de mot entre aventure et tenture], l’imaginaire d’Hayao Miyazaki continue à la cité, il y a encore deux tapisseries qui vont être réalisées dans ce cadre.

En ce moment, on prépare le tissage de la sieste de Mei et Totoro. Totoro est LE personnage emblématique des oeuvres d’Hayao Miyazaki, emblème du studio Ghibli.

C’était indispensable pour nous qu’il soit intégré à cette tenture, on a décidé donc d’intégrer cette scène qui rappelle un peu les verdures d’Aubusson. Cette scène où Mei est tombé dans la tanière de Totoro et le rencontre pour la première fois et s’endort sur lui. La caméra s’eloigne par le dessus : la vue aérienne de Totoro sous la foret. 

À quelle étape de réalisation en êtes-vous pour la tapisserie « la sieste de Mei et Totoro » ?

En ce moment, on prépare le carton de la tapisserie, c’est le modèle utilisé pour tisser la tapisserie.

Le carton se glisse sous le métier à tisser, c’est ce qui guide les lissiers pour faire l’image. Il fait la taille de la tapisserie finale et est inversé en miroir, car la particularité d’Aubusson c’est de tisser sur l’envers du tissage.

C’est le travail de la dessinatrice-cartonnière Delphine Mangeret !

Voici la reproduction d’un petit morceau derrière nous toutes les formes et les zones colorés sont retracées, définit pour que les lissiers ai une vision bien claires des différents zones de couleurs et des différents passages colorés qu’il va falloir gérer dans la tapisserie.

Peut-on participer au projet ? 

Ça va être la plus grande tapisserie de la tenture ! Elle va faire plus de 31 mètres carré, 7 mètres de long sur 30 de haut. Ça va être monumentale et très impressionnants !

Pour nous donner un petit coup de main et nous aider à faire naitre Totoro en tapisserie d’Aubusson, on a lancé une campagne de financement participatif sur la plateforme kisskissbankbank. 

Est ce que ce vous envisagez une continuité sur d’autres réalisateurs de films d’animations japonais ?

Pourquoi pas! On a beaucoup de projets et d’idées pour l’avenir, on est ravis de voir l’enthousiasme que suscite ce projet et la tapisserie d’Aubusson : que ce soit auprès des créateurs, du public ou des artistes.

En ce moment on travaille sur une grande tapisserie : 50 mètres carré d’un seul tenant 23 mètres de long sur 2 mètre 15 de haut dédié à Georges Sand. On fêtera en 2026 les 150 ans de la mort de cette immense artiste française.

La cité internationale de la tapisserie a décidé de lui rendre hommage. À travers une œuvre contemporaine, c’est Françoise Pétrovitch qui a conçu la maquette de cette tapisserie.

On n’est pas à court d’idées, ou à court de projets !

Où peut-on voir ces tapisseries ?

Il ne faut pas hésiter à venir à la cité, on est ouvert tous les jours de l’année. Sauf le mardi et quelques semaines au mois de janvier.

On ferme un peu pour travaux, car on a la chance de pouvoir s’agrandir, d’ouvrir de nouvelles salles. Notamment pour accueillir la tenture L’imaginaire d’Hayao Miyazaki.

Jusqu’au mois de janvier il y a une très belle exposition de notre fond contemporain au musée Jean Lurçat à Angers.

Régulièrement on prête des tapisseries à d’autres musées en France ou à l’international. En ce moment, la tapisserie du Château ambulant est au musée de la préfecture d’Hiroshima au Japon dans le cadre d’une exposition avec le Studio Ghibli.

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Résumé du manga Kagurabachi.

Un sabre ne doit servir qu’à punir le mal et à protéger les faibles… Aspirant forgeron, Chihiro travaille chaque jour aux côtés de son père. De nature taciturne, il est tout l’opposé de son paternel, un homme qui a toujours le mot pour rire. Ils avaient tout pour vivre heureux… jusqu’à cette terrible tragédie. Désormais, leur belle relation est tachée de sang, et leur bonheur est à jamais perdu. Consumé par la haine, Chihiro est aujourd’hui animé par une détermination sans faille…

Résumé par Kana édition.

Kana se saisit de la licence.

C’est la maison d’édition Kana qui signe pour publier le manga de Takeru Hokazono ici en France. La sortie papier est prévu pour février 2025 ! L’annonce s’est faite pendant la Japan Expo en même temps que la sortie des 3 premiers chapitres sur la plateforme Manga Plus par Shueisha en français. Chapitres disponibles en lecture gratuite !

Kana permet aux impatients de rattraper la parution japonaise avec deux vagues de simultrad sur Manga Plus.

Le 18 août : Chapitres 4 à 32.

Le 15 septembre : Chapitres 33 à 50.

Une annonce grandiose pour un manga grandiose.

C’est ni plus ni moins durant le plus grand évènement d’Europe dédié à la culture japonaise et au manga que Kana fait son annonce, à coup de confettis et de banderoles gigantesques.

La Japan Expo a accueillis cette année 200 000 visiteurs et reste le 3è plus gros salon de France. Kagurabachi s’est hissé dans le Top 20 de l’application Manga Plus dès la sortie de son premier chapitre. 5 chapitres plus tard il s’est hissé à la première place, volant la vedette à One Piece.

Évènement grandiose, annonce grandiose pour un manga qui s’annonce tout aussi grandiose.

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