Alexandre Nguyen pratique le doublage depuis longtemps et vous l’avez forcément entendu, ou alors vos enfants. Du sympathique Ryder la Pat Patrouille au terrible Ivar le Désossé, Alexandre joue les caméléons avec divers rôles. Personnellement, j’ai découvert le doublage grâce à lui avec Donald Reignoux, je regardais la série Les SpieZ (en 2014), et je les avais reconnu ! Il m’a surpris aussi sur Jinu sur Kpop Demon Hunter !

Quel est le rôle qui a lancé ta carrière ?

En fait, je pense que j’ai pas spécialement de rôle qui a lancé ma carrière à proprement parler. C’est plus des opportunités qui se sont présenté. C’est grâce à Hervé Grull qui m’a calé sur plein de projets, des projets qu’il pouvaient pas faire, qu’il était pas libre. Et du coup, en fait, c’est ça qui a lancé ma carrière, c’est ça a été de le remplacer sur certains trucs. Voilà, tout simplement.

Est-ce que tu as rencontré un acteur que tu as doublé ?

Ouais, je crois que j’en ai même rencontré trois, quatre. J’ai rencontré Tyler Posey qui fait Scott McCall. Teen Wolf. J’ai rencontré Scott Clifton qui fait Liam Spencer dans Amour, Gloire et Beauté. J’ai rencontré l’acteur qui fait Kevin Tran dans Supernatural et l’acteur de Ivar le Désossé ! (série Viking)

Quel rôle a été marquant pour toi mais pas forcément pour le public ?

Pour moi, le plus marquant c’était Ivar le Désossé parce que j’ai adoré le faire et j’ai juste surkiffé bosser sur cette série. Puis parce que la direction était absolument magique, l’ambiance était trop cool et tout. Donc pour ça c’est c’est un peu mon ma petite Madeleine à moi, on va dire.

Dans quel univers de jeux vidéo tu aimerais vivre ?

Oh oh ! God of War. Je pense que God of War ou Hogwards Legacy l’un et l’autre. Moi, c’est plutôt les haches, tu vois, ou les baguettes magiques.

Qu’est-ce que ça te fait de rencontrer tes fans ?

Franchement, ça fait super plaisir. En plus, les gens sont tellement adorables, sont tellement cools. Franchement, ça fait trop du bien. Et puis même de pouvoir échanger avec eux, d’avoir le retour de de ton travail euh avec eux, c’est encore plus mortel, quoi, je trouve. Et euh et avoir cette opportunité là, franchement, ça n’a pas de prix, vraiment.

Merci infiniment à Alex, on se connaît depuis déjà près de dix ans. Les années passent, puis j’ai eu l’occasion de le recevoir en interview grâce à Kazoku Média et à la Kamo Con. Un grand merci à eux ! Leur site internet pour suivre les actus.
(Interview réalisée en avril 2024)

Pour plus d’immersion, écouter en mode podcast notre échange :

L’interview en format vidéo :

Nous sommes le 7 septembre, c’est un jour spécial pour lui …

L’article Interview Alexandre Nguyen, voix de Tyler Posey : Scott McCall dans Teen Wolf ou encore Ivar le Désossé dans Viking est apparu en premier sur Kazoku.

Hervé Grull est un comédien spécialisé dans le doublage aux multiples rôles en tout genre. De Tag, « Foot 2 Rue », à l’animé Jujutsu Kaisen sur Yuji. Il nous accompagne sur diverses œuvres en toute discrétion

Alors pour commencer, quel est ton parcours ?

J’ai commencé le doublage dans les années 90, avec des petits dialogues puis on m’a fait évoluer petit à petit, jusqu’à ce que j’arrive sur des choses de plus en plus importantes. Et c’est en 93 par là que j’ai fait mes premiers rôles importants. Hook, c’était le premier. J’avais fait qu’un mot. Je ne savais même pas lire à l’époque. On me disait ce qu’il fallait dire, j’y allais à partir de Denis La Malice, ça devait être de un ou deux ans après, là je savais lire, je commençais vraiment sans m’en rendre compte, je commençais ma carrière de comédien. Je savais pas à l’époque que ça allait m’amener jusqu’ici.

Mimi : Ça ne doit pas être évident pour un enfant de qui vient d’apprendre à lire, de lire dessus.

Non, non, quand tu es enfant, c’est un peu plus là ce qu’on appelle la technique du perroquet. On te donne l’intention avec la phrase et on tape sur l’épaule. au moment où tu dois parler et puis hop, tu le fais, puis après on te corrige. Il affine mais il n’y a pas, encore vraiment d’interaction, on va dire, entre la rythmo, le texte et l’enfant. C’est encore un peu tôt, c’est le truc qui arrive plus quand tu as une dizaine d’années.

Est-ce que tu as un rôle pas forcément marquant pour le public, mais pour toi, oui.

Alors je saurais pas te dire lesquels, mais il y en a que que j’ai bien aimé. Dans les trucs moins connus, Par exemple, il y avait une série de sitcoms qu’on faisait avec Alex quand on était gamins, qui s’appelait Les Sauvages et c’était rigolo Aujourd’hui, on en parle plus du tout. Cette série, elle était vraiment rigolote et c’est dommage que ça a pas fait de suite. C’est des personnages pas très marquants pour le public.

Une anecdote de doublage Teen Wolf ?

Sur Teen Wolf, notre DA (directeur artistique), il avait un chien, c’était un petit bichon. Et il était tout jeune quand il l’avait sur le plateau avec Alex. Et comme il était un peu joueur, on n’arrêtait pas de le taquiner. Il y avait des petits oreillers sur les canapés du studio où on enregistrait.
On se balançait les oreillers à la figure avec Alex et on s’est rendu compte que le chien courait après. Ensuite, au moment de se placer au micro tous les deux, entre deux phrases, on prenait un oreiller à la main, on le balançait, il volait dans le studio et en pleine prise, t’as le chien qui se mettait à courir pour aller le chercher, ça, c’était rigolo.
Une fois avec Jessica Monceau et Alex, on s’envoyait des textos en même temps qu’on bossait, on avait le portable en silencieux. Il n’y avait pas autant de trucs pour filtrer les textos si facilement. Donc on s’en envoyait un, deux, trois. Puis en fait, le directeur artistique nous en envoie à chacun, puis on lui en renvoie. En fait, la matinée a fini, on s’envoyait genre 500 textos chacun. Dans la matinée, on s’était spammé nos téléphones tous, et on n’arrêtait pas.
Teen Wolf, il y en a tellement d’ anecdotes, qu’on était vraiment une famille.
Mais comme on se voit toujours aujourd’hui à travers d’autres projets. Même le DA de Teen Wolf, je l’ai croisé il y a pas longtemps, il me disait « j’attends désespérément un jour une série où je pourrais vous remettre tous les deux avec Alex. » ça sera peut être ça n’aura peut-être rien à voir avec de la de la science fiction, des loups-garous, du paranormal. Mais en tout cas, le fait de pouvoir essayer de recomposer l’équipe entre déjà le DA, Alex et moi, on a été triste vraiment de finir cette série au bout d’un moment.

Est ce que tu as regardé le film Black Mirror ?

Oui, je l’ai fait. On l’a tellement saigné, qu’on a fait tous les trucs possibles. C’était avec Amélie qu’on avait fait d’ailleurs. Mais je l’avais fait une fois avant, mais on n’avait pas tout chercher avec ma sœur. Mais c’était un des premiers trucs interactifs de Netflix qui sortait. Et quand c’est sorti, moi je l’ai montré à pas mal de gens chez qui je passais, qui avait Netflix. Je leur faisais faire au moins les cinq, dix premières minutes pour qu’ils comprennent que tu peux faire des choix et définir comment le truc se passe et donc j’ai trouvé ça sympa. Donc oui, je l’ai fait. Moi j’ai mis longtemps à le faire, j’ai dû le faire au bout de deux trois ans. Le concept est sympa, j’aurais préféré peut être sur une histoire un peu plus simple dans un premier temps pour faire un truc comme ça. Là c’était c’était bien, mais peut être que c’est un peu du cinéma indépendant.
Je crois que ça a bien marché que les gens se sont amusés dessus, donc c’est vraiment le principal.

MAJ 2026 : Malheureusement depuis 2025, Bandersnatch a été retiré de Netflix

Si tu avais la possibilité de vivre dans un univers de jeux vidéo, ce serait lequel ?

Je dirais dans Zelda ou un truc comme ça tant que tu es dans Hyrule avec les villageois, c’est sympa il n’y a pas ou au village cocorico.

Mimi : Majora Mask ?

(Rire) Non, je préférerais aller à Ocarina of Time, ce que j’adore, c’est sympa aussi. Faut pas avoir le mal de mer, c’est le Wind Waker. Le monde de Wind Waker est sympa, j’aime bien. Bon après celui des derniers, de Breath of the Wild et là ils sont pas mal. […]

Dernière question, qu’est-ce que ça te fait de rencontrer des fans de ton travail ?

Moi je trouve ça génial, C’est un truc que je ne pouvais pas faire il y a quelques années. Tu m’as connu en convention il y a des années. À l’époque c’était des conventions, ça commençait à peine à se faire d’inviter des comédiens de doublage dans les conventions. Donc c’était les premières fois où on a eu accès au public, mais c’était tellement pas popularisé que ce soit notre venue, la communication, tout ça, que finalement les gens ne savaient pas vraiment. Alors qu’aujourd’hui les gens viennent et savent qui ils vont voir tout ça. Et ça je trouve ça cool ce qu’ il y a des gens qui se déplacent vraiment pour me voir, moi, pour voir Adeline ou Yoann.
Et je trouve ça cool de pouvoir les rencontrer, les réseaux sociaux aidant aussi à pouvoir populariser tout ça. Aujourd’hui, je trouve ça cool de pouvoir rencontrer le spectateur qu’en fait, j’ai jamais vu pendant 20 ans de ma vie. Et là, ça fait là c’est tout récent. Je fais du doublage depuis 30, 31 ou 32 ans et les 25 premières années, j’ai jamais rencontré quelqu’un du public. À part des gens qui sont proches de la famille, des cousins, mais sinon des gens extérieurs, je ne les ai jamais rencontrés. Donc aujourd’hui, je trouve ça génial de pouvoir faire ça puis de pouvoir discuter avec eux, qu’ils me disent ce qu’ils ont aimé, quel personnage ils aiment.

Ou est ce que je me suis loupé, quel rôle j’ai fait qu’ils auraient pu ne pas aimer aussi ? Parce que ça va dans les deux sens. C’est important aussi de récolter leur avis aussi sur des choses que tu as faites. Si c’est constructif c’est cool, ça te donne, quelque chose, une arme en plus pour pouvoir t’améliorer sur un truc où ils ont trouvé que c’était pas forcément bien. J’aime bien moi avoir les critiques dans les deux sens. Je veux pas qu’on vienne me voir juste pour me dire c’est génial ce que tu fais, J’aime bien qu’il y ait des gens qui viennent me voir en me disant cela. Mais non, je trouve ça vraiment très cool de pouvoir les rencontrer, en tout cas d’avoir l’opportunité de pouvoir les rencontrer et discuter avec eux plutôt que d’être toujours en studio dans le noir. Enchaîner tes projets et à te dire peut être ça marchera, peut être ça marche pas, tiens cette série est sympa, elle marchera peut être. En fait, ça ne marche pas. C’est un truc que tu as fait vite fait qui va cartonner, mais parce que comme tu n’as pas de retour du public, les réseaux sociaux ont vachement aidé à ça. C’est qu’il y en a pour tous les goûts en fait.

Un immense merci à Hervé Grull, ça été un plaisir de le retrouver, sept ans plus tard, en tant que presse et lui faire la surprise pour l’interview. Merci évidemment à Kazoku Média et au salon les Bug Days à Besançon d’avoir offert cette occasion. Merci à Paul pour son aide pour l’écriture de cette article. Son site internet par ici
(Interview réalisée en 2023).

Disponible également sur Youtube et en mode podcast par ici

BONUS : Vidéo drôle à voir !

L’article Interview Hervé Grull, la voix française de Revali, champion du jeu culte Zelda BOTW ! est apparu en premier sur Kazoku.

We are [still] here, l’exposition

WE ARE [still] HERE c’est soixante-quinze artistes français et internationaux qui investissent le Petit Palais à travers plus de 200 œuvres en tout genre. Peinture, sculpture, objet, tout est un moyen de s’exprimer et de s’insérer au sein des œuvres permanentes du musée.

Le parcours débute dans les collections du musée. Plusieurs œuvres inédites de D*Face, Invader, El Seed, EvazéSir, Hopare, Sun7 et Maxime Siau y dialoguent avec les collections du musée.
WE ARE [still] HERE s’inscrit dans la volonté de mettre en avant une scène contemporaine qui écrit sa propre histoire. Montrant ainsi la force de l’art urbain qui est, plus que jamais, en mouvement.

Cette année, la scène française est particulièrement à l’honneur. 43 artistes français sont présents parmi les 75 artistes représentés.
En parallèle de l’exposition, une application de médiation accompagne les visiteurs dans la découverte des œuvres et des artistes grâce à des contenus interactifs, enrichissant encore davantage l’expérience immersive de l’exposition.

Mon avis sur l’exposition

J’avais déjà pu découvrir la première édition en 2024, et c’est toujours un plaisir de revenir.
Le Petit Palais nous propose une véritable immersion dans le Street-Art, notamment dans la dernière salle de l’exposition. Une salle entièrement recouverte d’œuvres à tel point que l’on ne sait plus où donné de la tête.

La force de cette exposition est sans aucun doute le fait d’insérer « l’art des rues » souvent mal reçu avec des oeuvres beaucoup plus classiques. On assiste alors à un dialogue entre classicisme et modernités et à un dialogue entre générations, que ça soit d’artistes ou de visiteurs.
Cette insertion permet de présenter l’art urbain à une nouvelle cible et d’interpeller des personnes qui de basent ne s’y intéresseraient pas. C’est aussi l’occasion de mettre le street-art au même niveau que « l’art classique ».

Une exposition à ne pas louper et en plus c’est gratuit donc aucune excuse pour ne pas y faire un tour.

Infos pratiques

• Où? Petit Palais, Av. Winston Churchill, 75008 Paris
• Quand? Du 20 juin au 20 septembre
• Billetterie: Pas besoin de réservation, entrée libre.
• Artistes représentés :
  ADD FUEL, AKACHA, ARDIF, BOM.K, BTOY, CLET ABRAHAM, CODEX URBANUS, CONOR HARRINGTON, D*FACE, DACRUZ GRAFFITI, DAN23, DAVID DE LA MANO, DEYAA, EL MAC, EL SEED, EVAZESIR, FAFI, FAILE, FENX, FKDL, HERAKUT, HOM, HOPARE, HOROR, HUSH, INTI, INVADER, JACE, JAN KALAB, JANA & JS, KAN, KATRE, L’ATLAS, LE CYKLOP, LEK & SOWAT, LOGAN HICKS, MADAME, MARKO93, MARK JENKINS, MAXIME SIAU, MAYE, M-CITY, MIAZ BROTHERS, MISS VAN, MOSKO, NAJAH ZARBOUT, NASTY, NICOLAS PANAYOTOU, NILKO, ORTICANOODLES, PAKONE, POSE, REA, RERO, RETNA, RETRO, ROA, ROMAIN FROQUET, SAMAN & SASAN, SANER, SEIZE, SALMA MESTIRI, SETH, SHAKA, SHEPARD FAIREY, SPEEDY GRAPHITO, STEW, SUN7, SWOON, THEAZEE, TIM CONLON, TRISTAN EATON, VINNIE, VHILS, YSEULT YZ DIGAN

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Pour commencer, est-ce que vous pouvez nous parler de votre parcours et de ce qui vous a donné envie de raconter des histoires à travers l’animation ?

Déjà pour parler de mon parcours, j’ai fait des études des Beaux-arts. Et déjà à l’époque de l’université, j’ai commencé à faire des peintures. Donc je suis devenu peintre, et c’est à l’âge de 29 ans que j’ai commencé à travailler dans le monde de l’animation. Et à 36 ans, donc en 2016, j’ai commencé à préparer ce film ( Une aube nouvelle). Jusqu’alors je réalisais que des des formats courts.

Et sinon la genèse de ce projet, c’est que quand j’étais petit, je vivais à côté de la mer et je voyais que pour étendre la terre il y’avait des travaux et du coup la mer commençait à disparaître. C’est un souvenir qui me restait. Et un jour, mon enfant, m’a dit qu’il a vu la mer dans la montagne en regardant des panneaux solaires. Il a cru que c’était la mer à cause du reflet du soleil, comme ça brillait.
J’ai donc trouvé que c’était très intéressant de parler des deux, c’est à dire de la mer qui a disparu pendant mon enfance et la « mer » que mon enfant a vu dans la montagne. Et c’est comme ça que j’ai eu l’idée de faire ce film.

Dans Une aube nouvelle, la tradition et les feux d’artifices occupent une place centrale. C’est un sujet rarement exploré dans l’animation, alors qu’ils ont une place particulière dans la culture japonaise. Pourquoi avoir choisi de raconter cette histoire à travers cet élément?

C’est vrai que j’ai raconté cette histoire dans un film d’animation, mais avant tout je suis peintre. C’est vrai que j’ai regardé des animés étant petit, mais voilà c’était la narration, c’était cette histoire qui me paraissait importante. Pas vraiment le fait que ce soit de l’animation. C’était pas ce qui comptait pour moi. C’est raconter cette histoire là qui était important.

Le film est imprégné d’une forte impression de temps fragmenté, comme si la mémoire et le présent co-existaient. Quelle était votre intention derrière cette approche narrative du temps?

C’est un film de long-métrage, mais qui dure que 76 minutes, donc finalement c’est un film de long-métrage relativement court. À cause de ce format, j’ai dû vraiment mettre le maximum d’informations. Du coup, j’étais un peu obligé de mettre les scènes de mémoires, de souvenirs, puisque quatre années se déroulent pendant le film. En plus je voulais transmettre toutes les émotions possibles donc oui j’ai du mélanger plusieurs temps.

On retrouve un trio composé d’une ville et de deux garçons, une configuration qui existait déjà dans votre clip Heroes of the old forest. Est-ce que ce projet contenait déjà les première graines d’Une aube nouvelle?

En réalité, à l’époque où ce clip de musique est sorti, je travaillais déjà sur ce film. Et merci finalement à ce clip qui est sorti plus tôt que le film. Donc j’avais déjà l’idée de l’histoire et du coup le clip est un peu une sorte d’expérimentation.

Cette dynamique de trio est aussi très présente dans la pop culture japonaise, notamment dans les shonen. Est-ce que c’est une structure narrative qui vous influence ou c’est plutôt une coïncidence liée à votre manière de créer vos personnages ?

Au début au faite, je voulais raconter une histoire avec beaucoup plus de personnages, avec un groupe. Mais comme c’est mon tout premier film, je me suis dit qu’il fallait limiter et donc finalement je suis arrivé à trois.

Un passage qui peut en étonner plus d’un, l’insert du live-action et du stop-motion dans ce film. Personnellement, je suis une très grande fan de ce mix de techniques. Qu’est-ce qu’il lui a donné l’envie de mélanger ces techniques à l’animation?

Déjà quand je réalisais des formats courts, je mélangeais des techniques. Très souvent je mélangeais l’animation et la prise de vue réelle.
Et j’adore mélangé les genre. Par exemple quelque chose d’artistique et de commercial. Et en réalité, l’animation 2D, il y’a plus de choses fausses en 2D, car tout est dessiné, imaginaire, et donc quand il y’a des images réelles d’insérées, il y’a vraiment un décalage. Et j’adore ce décalage.

Vous avez travaillé avec de nombreux autres réalisateurs, notamment avec Makoto Shinkai. Qu’est ce que cette collaboration vous a apportés?

Je suis moi-même peintre, alors qu’à l’origine Shinkai c’est un réalisateur. Donc il ne tient pas juste au visuel, il tient beaucoup à la mise en scène, à l’utilisation du temps, donc c’est ça que j’ai appris grâce à lui.

Après Une aube nouvelle, qu’elles sont les histoires que vous aimeriez raconter en tant que réalisateur ?

J’ai déjà quelques idées. Quand j’ai réalisé Une aube nouvelle, ça a pris au moins dix ans, donc j’avais toujours l’impression d’être rattrapé par le temps. Et maintenant mon prochain film, je veux le réaliser en pensant au monde dans cinq ou dix ans.
Jusqu’à maintenant je faisais une sorte de test, d’expérimentation, mais j’espère que ça va être un peu plus complet ou un peu plus achevé.

Interview réalisée lors du festival d’Annecy 2026.
Traduit du japonais par une traductrice présente lors de l’interview. Merci à elle, à Games of com et Yoshitoshi Shinomiya.

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Le drop

La marque nous tease le nouveau drop depuis quelques semaines. Ils avaient déjà proposé un drop Avatar, le dernier maître de l’air en début d’année, maintenant place à la V2.

La collection devrait compter des vestes inspirées des vestes traditionnelles chinoises, des accessoires dont des sacs. Histoire d’avoir une tenue plus que complète, il y aura également des chaussures, baskets ou mocassins. Pour la plupart des pièces, les clins d’œil à Avatar se font par touche subtiles pour être perceptibles que par les fans.

Neptun, c’est quoi ?

Neptun.Nptn est une marque de créateurs allemands qui s’inspirent de la pop culture.
La boutique en ligne fonctionne par drop, c’est-à-dire qu’ils ouvrent le shop par collection.

La marque a déjà sorti des collections inspirées de Hunter x Hunter, Bob l’éponge ou encore Naruto. Les collections proposent des pièces originales, donc certaines possèdent des designs épurés. Une direction artistique qui fait du bien et change des tee-shirts à 25€ avec juste une image collée dessus.

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Trois dates en Europe

Le groupe débutera sa première tournée Européenne avec trois dates. Le jeudi 23 juillet, QUEEN BEE performera à l’Electric Ballroom à Londres et le dimanche 26 juillet au Bataclan à Paris. 

En parallèle de ces deux concerts, QUEEN BEE a également confirmé sa participation au Hyper Japan Festival 2026, qui se tiendra à Londres du vendredi 24 juillet au dimanche 26 juillet 2026. Le groupe se produira le vendredi 24 juillet.

QUEEN BEE, un groupe animé

QUEEN BEE s’est formé en 2009. Composé de quatre membres, le groupe est reconnu pour son univers singulier et ses performances scéniques captivantes. Grâce à cette identité artistique unique, le groupe s’est imposé comme une référence non seulement dans l’industrie musicale japonaise, mais également dans de nombreux domaines culturels. 

À chaque sortie le succès est au rendez-vous, se classant parmi les meilleures ventes en physique comme en digital. Les concerts sont fréquemment complet, témoignant de l’engouement du public pour le groupe. 

QUEEN BEE s’est également distingué à l’international grâce à ses contributions à plusieurs anime majeurs. Comme par exemple : « Mephisto », l’ending de Oshi no Ko, « VIOLENCE » pour Chainsaw Man, « Fire » pour Dororo, « HALF » pour Tokyo Ghoul, ou encore « 01 » pour Undead Unluck et « HIGH FLAME », opening de Fire Force.

Infos live

• Londres – Jeudi 23 Juillet – Electric Ballroom Londres _ Billeterie
• Paris – Dimanche 26 Juillet – Bataclan Paris_ Billeterie
• Hyper Japan Festival 2026 – Vendredi 24 juillet – Olympia Londres _ Billeterie

Source et visuels : More To Come, Sony Music Entertainment France

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Le menu Molang

Qui dit collaboration, dit menu spécial ! Pour l’occasion, Rookies propose un fluffy pancake spécial et 2 boissons. Au menu :

• Le Molang Fluffy, un savoureux fluffy pancake accompagné d’une crème, de bananes caramélisées, de kiwi et d’une pointe de citron. Ici ça a été testé et approuvé!
• Le Piu Piu Sunshine, une boisson fruitée et colorée composée de thé fruité saveur ananas-passion.
• Le Molang Cloud, une boisson douce au lait, saveur coco – ananas avec une cream cheese légère.

Les goodies Rookies x Molang

Comme toute collaboration au Rookies, retrouvez plein de goodies de la licence.
Stickers, porte-clés, éventails …. On vous dit tout.

• Pour tout achat pendant cette période au salon de thé, un stickers Molang offert.
• Pour une boisson de la collaboration acheté ou le Molang fluffy, un éventail offert.
• Si vous craquez pour le menu Molang (une Molang boisson + le Molang fluffy), vous pourrez avoir un porte-clés (+1,99€) ou un porte-carte (+2,99).
• Les goodies sont également disponibles séparément.

Attention les stocks sont limités !

Molang c’est quoi ?

Molang c’est un petit personnage créé sur le blog d’Hye-Ji Yoon, une jeune Coréenne. La mascotte a vu son succès devenir mondial suite à une série animée par le studio français Millimages. Aujourd’hui plus qu’un phénomène internet, Molang et Piu-Piu sont devenus des mascottes internationales.

Info pratiques

• Où ? 83 Rue Saint-Martin, 75004 Paris
• Quand ? Du 13 au 28 juin 2026
• Horaires ? De 12:30 à 22:00 du Lundi au Dimanche

Retrouvez ma dégustation et celle de Skendolero sur nos réseaux sociaux !

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Au centre de cette célébration, l’espace Wabi Sabi s’impose comme un véritable écrin. Sur plus de 1 500 mètres carrés, plus d’une centaine d’artisans venus du Japon présenteront leur savoir‑faire, leurs matières, leurs gestes, leurs histoires. Le thème 2026, le Japonisme, résonne comme un clin d’œil à ce moment où, il y a 150 ans, l’Europe découvrait le Japon et en faisait une source d’inspiration inépuisable. Aujourd’hui, ce mouvement renaît à travers le matcha, le kintsugi, les objets façonnés à la main, et cette esthétique japonaise qui continue de captiver le monde. L’espace Wabi Sabi devient alors un voyage, un lieu où l’on traverse les textures, les pigments, les fibres, les odeurs, comme si chaque stand racontait une histoire vieille de plusieurs siècles.

Ceux qui souhaitent en savoir plus pourront se tourner vers Japan Promotion ou consulter la liste complète des artisans à partir du 15 juin sur le site de Japan Expo.

Mais Japan Expo, ce n’est pas seulement l’artisanat : c’est aussi la scène, le mouvement, le souffle. La scène Sakura accueillera plus d’une cinquantaine de spectacles, et cette année encore, les invités semblent avoir été choisis pour incarner la diversité des arts japonais.

Kanami et Shota, deux danseurs au parcours international, mêleront ballet et instruments traditionnels dans une performance qui promet d’être aussi élégante que puissante.

Le Kimono x Dance Project réinventera le kimono en costume de scène, transformant des pièces vintage en silhouettes modernes, tandis que la troupe Kirie explorera une esthétique nouvelle, nourrie de mythologie, de couleurs et de sonorités hybrides.

Et puis il y aura Kamui, les Samurai Artists menés par Tetsuro Shimaguchi, dont les combats chorégraphiés rappellent que le sabre peut être un art autant qu’une arme.

Leur présence à Japan Expo est devenue un rendez‑vous incontournable, presque un rituel.

La musique, elle aussi, occupera une place centrale.

Noriko Tadano et Wadaiko Rindo feront vibrer le shamisen et les tambours taiko, tandis que Wako proposera une fusion entre danse, kimono et percussions. Waccha, avec son beatbox inspiré des arts martiaux, montrera comment la tradition peut se réinventer à travers le corps. D’autres artistes, comme Busôkenmaisyû Yatsurugi, Dai Sorano ou Akane, viendront enrichir cette mosaïque sonore, chacun à leur manière, chacun avec leur propre vision de ce que peut être la musique japonaise aujourd’hui.

Et puis il y a l’invité que tout le monde reconnaît sans même lire son nom : Kumamon, la mascotte de Kumamoto, qui reviendra une nouvelle fois partager son énergie et faire découvrir sa région au public français.

Une présence qui rappelle que Japan Expo n’est pas seulement un festival d’arts, mais aussi un espace de rencontres, de sourires, de moments simples.

Cette 25e édition s’annonce gigantesque. Plus de 154 000 m², des centaines d’événements, des scènes, des espaces dédiés aux arts martiaux, des salles de meet & greet, près d’un millier d’exposants, et une programmation qui dépasse les 500 participants. Japan Expo reste ce qu’il a toujours été : un lieu où l’on célèbre les figures iconiques de l’animation, du manga et du jeu vidéo, mais aussi un espace où l’on découvre de nouveaux talents, où l’on apprend, où l’on échange, où l’on se laisse surprendre.

Depuis 2002, le festival s’est donné pour mission de faire venir en France des artistes japonais, de créer des ponts, de raconter des carrières, de mettre en lumière des voix émergentes. Vingt‑cinq ans plus tard, cette mission n’a jamais semblé aussi vivante. Japan Expo n’est pas seulement un salon : c’est une célébration, un hommage, une passerelle entre deux cultures qui n’ont jamais cessé de dialoguer.

Et cette année, plus que jamais, le Japon traditionnel sera au centre de la fête.

L’article Japan Expo 2026 : pour ses 25 ans, le festival replonge au cœur du Japon traditionnel est apparu en premier sur Kazoku.

Le leader de X Japan et de The Last Rockstars, figure absolue de la musique japonaise moderne, sera l’invité spécial de cette édition anniversaire, avec un concert exclusif sur la scène Ichigo le vendredi. Une manière de rappeler que Japan Expo n’est pas seulement un festival : c’est un lieu où les légendes reviennent, où les histoires se prolongent, où les liens se tissent sur plusieurs générations.

Yoshiki entretient avec Japan Expo une relation presque intime. Depuis des années, il fait partie de ces artistes dont la présence dépasse la simple performance. Il revient comme on revient dans une famille, avec cette fidélité rare qui marque les grands parcours. Pour célébrer les 25 ans du festival, il prépare un événement pensé spécialement pour l’occasion, un moment qui promet de s’inscrire dans la mémoire du public autant que dans celle du festival. Ceux qui veulent suivre son actualité pourront se tourner vers Yoshiki ou explorer la programmation complète via Japan Expo.

Difficile de résumer Yoshiki en quelques lignes tant son parcours semble irréel. Compositeur, pianiste formé au classique, batteur de rock, leader de deux groupes mythiques, il est décrit par Consequence comme l’un des musiciens les plus influents de l’histoire du Japon, et par Billboard comme un innovateur. Il est aussi le premier artiste japonais à avoir laissé ses empreintes au Chinese Theatre d’Hollywood depuis la création de cette tradition en 1927. En 2025, Time Magazine l’a nommé parmi les 100 personnalités les plus influentes du monde.

Son influence dépasse largement la scène musicale. Yoshiki a composé pour l’Exposition universelle, pour les Golden Globes, pour l’anniversaire du règne de l’empereur du Japon. Il a rempli le Tokyo Dome dix-huit fois, un record absolu, et s’est produit dans les salles les plus prestigieuses du monde, du Madison Square Garden au Carnegie Hall. Il a lancé des marques de mode, collaboré avec Baccarat, créé une ligne de champagne avec Pommery, imaginé une poupée Hello Kitty à son effigie, et même inspiré un personnage de comics conçu avec Stan Lee. Son documentaire Under The Sky a été projeté à New York, Tokyo, Londres, Los Angeles, avant de tourner dans plus de 130 salles à travers le monde.

Ces dernières années, Yoshiki a multiplié les projets internationaux : une émission de télé-réalité devenue numéro un sur Hulu Japon, la création du boys band XY, la formation du supergroupe The Last Rockstars, une tournée mondiale à guichets fermés, un retour de X Japan avec le single Angel, et une nouvelle marque de haute couture présentée à Milan puis à Paris. En 2026, il a encore marqué les esprits en interprétant l’hymne national japonais lors du Grand Prix de Formule 1 du Japon.

Sa venue à Japan Expo s’inscrit dans cette trajectoire hors norme. Elle symbolise la rencontre entre un artiste qui n’a jamais cessé de repousser les frontières et un festival qui, depuis vingt‑cinq ans, célèbre la culture japonaise sous toutes ses formes. Dans un espace de plus de 154 000 m², au cœur d’un événement qui réunit chaque année plus de 230 000 visiteurs, Yoshiki vient rappeler que la musique peut être un pont, un langage, un souffle commun.

Japan Expo a toujours été un lieu où les artistes japonais rencontrent leur public français, où les carrières se racontent, où les talents émergents côtoient les figures iconiques. Pour cette édition anniversaire, accueillir Yoshiki n’est pas seulement un honneur : c’est un symbole. Celui d’un festival qui continue de grandir, de se renouveler, de célébrer la culture japonaise dans toute sa diversité.

Et cette année, sur la scène Ichigo, c’est une légende vivante qui écrira un nouveau chapitre.

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Le samedi 11 juillet, sur la scène Ichigo, devant quatorze mille spectateurs, le festival accueillera la quatorzième saison de l’ECG, un rendez‑vous devenu mythique pour les fans du monde entier. Ceux qui souhaitent suivre la programmation pourront se tourner vers Japan Expo ou explorer les futurs invités via Présentation des invités.

L’ECG n’est pas un simple concours : c’est un spectacle total, un moment où les meilleurs cosplayers de la planète se retrouvent pour défendre les couleurs de leur pays. Plus de vingt nations seront représentées, de l’Afrique du Sud à la Suède, en passant par les États‑Unis, le Maroc, la France ou le Japon. Chaque pays envoie un représentant — parfois un solo, parfois un duo, un trio ou même un quatuor — pour tenter de décrocher le titre de champion. Pendant deux heures, la scène Ichigo devient un théâtre où se mêlent performance, technique, narration et émotion, un espace où chaque costume raconte des mois de travail, de recherche et de passion.

La finale sera suivie d’un ECG Show Alumni, un moment pensé comme une célébration des anciens participants, avant la remise des prix qui viendra clore la soirée. Le lendemain, les sélections françaises pour la saison 15 prendront le relais, toujours sur la scène Ichigo, comme un passage de témoin entre les générations de créateurs. Pour les spectateurs les plus passionnés, le Star Pass ECG permettra d’accéder à des places réservées, une manière de vivre l’événement au plus près.

Cette année, Japan Expo a également dévoilé les cinq jurés qui auront la lourde tâche d’évaluer les performances. Chacun d’eux incarne une facette différente du cosplay, une expertise, une vision. Ludus, créateur de costumes et inventeur, apporte son expérience acquise sur des productions comme Warrior, The Woman King, Monster Hunter ou One Piece sur Netflix. Zibartas, autodidacte devenu référence, s’est imposé grâce à ses créations en métal et ses systèmes animatroniques qui repoussent les limites du réalisme. Willow Creative, installée en Floride, mêle modélisation 3D, impression numérique et savoir‑faire traditionnel pour donner vie à des costumes inspirés du jeu vidéo et de la pop culture. Pretzl, figure incontournable des Pays‑Bas, transmet son amour du détail à travers ses livres, ses tutoriels et ses patrons qui encouragent les créateurs à se lancer. Et Talon, spécialiste des armures épiques, représente cette génération de cosplayers capables de transformer une scène en véritable champ de bataille artistique.

À travers eux, Japan Expo rappelle que le cosplay n’est pas seulement un loisir : c’est un art. Un art qui demande de la technique, de la patience, de la créativité, mais aussi une capacité à incarner un personnage, à raconter une histoire, à captiver un public. L’ECG est devenu l’un des symboles de cette reconnaissance, un espace où les cosplayers ne sont plus seulement des fans, mais des artistes à part entière.

Pour cette 25e édition, Japan Expo continue de s’imposer comme le premier festival européen dédié à la culture japonaise, un lieu où se croisent les figures iconiques de l’animation, du manga, du jeu vidéo et des arts vivants. Le cosplay y occupe une place essentielle, presque sacrée, comme un langage universel capable de rassembler des milliers de personnes autour d’une même passion.

Et cette année encore, sur la scène Ichigo, ce langage prendra vie sous les projecteurs, porté par celles et ceux qui ont choisi de transformer leur imagination en réalité.

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