Synopsis

2008. Takaki, jeune informaticien bientôt trentenaire vit une existence banale et monotone à Tokyo. Parfois, lui reviennent les bribes d’un temps où il était différent, enjoué, passionné par l’espace, curieux de la vie et des autres. Il se souvient de l’année 1991 et de sa rencontre à l’école avec celle qui devient très vite son alter ego, Akari. La vie les éloigne mais malgré la séparation et les années, malgré les occasions ratées, un lien invisible les unit…

Une chronique douce-amère, adaptée du film culte d’animation de Makoto Shinkai avec son soutien plein et enthousiaste.

Mon avis

Yoshiyuki Okyuyama nous propose une véritable adaptation. Exit la reproduction plan par plan, ici on assiste presque à une extension du film d’animation.

Une vraie vision artistique

Avec Egaaratoi, nous avons eu la chance d’assister à l’avant-première du film en présence de Yoshiyuki Okyuyama. Un moment très intéressant, qui nous a permis d’en connaître plus sur sa vision et sur son interprétation du film de Makoto Shinkai.
Le réalisateur a ici cherché à creuser dans l’intimité des personnages. À explorer leur psychologie à tel point que Makoto Shinkai lui a affirmé ne pas avoir compris ses propres personnages avant.

Yoshiyuki a également voulu souligner le tournant du passage à l’âge adulte : la perte de l’innocence, la redécouverte de certains souvenirs des décennies plus tard. Un souhait qui rend le film très nostalgique. Pour l’anecdote le réalisateur vient d’ailleurs de fêter ses 30 ans, âge où ses nombreux questionnements commencent à le hanter. Il nous a d’ailleurs avoué avoir superposé son ressenti à celui de Takaki.

Si sur le papier il pouvait sembler impossible de retranscrire l’ambiance du film d’animation (notamment avec les couleurs exceptionnelles du ciel). Yoshiyuki Okyuyama a su retranscrire avec brio et singularité l’ambiance de 5cm par seconde.
Il a retravaillé l’image comme il le souhaitait. Et si la reproduction exacte aurait donné un effet étrange par rapport à la réalité, il a su trouver des subterfuges pour se rapprocher de l’univers de Makoto Shinkai. Des filtres pour avoir l’effet si particulier de l’animé et surtout, l’utilisation de la méthode du « film recording » ( filmer en numérique puis le retranscrire sur une bande 16mm) pour avoir l’aspect nostalgique du passé/ des souvenirs.

« Le monde a été conçu pour qu’on puisse y voir un maximum de choses » – chef du planétarium

Film d’animation versus film en prises de vues réelles

Ayant vu le film d’animation il y a assez longtemps, je l’ai revu avant de vous rédiger mon avis. Et quelle surprise ! Si le live-action reprend les éléments essentiels, comme les personnages, moments clés et l’ambiance, il contient néanmoins un nombre incalculable de divergences.
Là où dans l’animation on a un film très centré sur l’enfance et l’innocence, le film, lui, se focalise sur l’adulte et la nostalgie. La chronologie y est modifiée avec de nombreuses prises de libertés.
Yoshiyuki Okyuyama donne plus d’importance aux personnages secondaires, il étoffe la vie d’adulte des protagonistes. On pourrait presque voir le live-action comme une suite, ou une deuxième partie du travail de Makoto Shinkai. On y retrouve néanmoins la même volonté de sublimer la nature, que ce soit par les plans ou le sound design.
Si le film d’animation est une ode au temps et à la distance, le film lui, rend hommage aux souvenirs.

« Les souvenirs du passé font partie de notre quotidien » Akari

Une adaptation plus forte que l’original ?

En toute honnêteté, je trouve le film de Yoshiyuki Okyuyama plus abouti que le film d’animation. Certes, les deux films n’ont pas les mêmes ambitions et l’un n’aurait pu exister sans l’autre. Mais, pour une première réalisation de long-métrage Yoshiyuki a frappé très fort.
Il nous propose une réalisation nostalgique avec des plans très maîtrisés qui nous rapprochent des émotions des personnages. Émotions qui sont d’ailleurs sublimées par un casting de choix.
L’esthétique mise en place par le réalisateur fonctionne incroyablement bien et rend hommage au matériel de base.
Le film reste un peu décousu, on navigue entre les souvenirs et le présent des persos. Une navigation qui sert la nostalgie et la volonté de sublimer l’enfance.
5cm par seconde, c’est aussi, une mise en valeur de la complexité des liens humains et de notre volonté à toujours avancer et réussir.

En aparté, je me demande presque si le réalisateur n’a pas souhaité faire un clin d’œil à la légende japonaise de l’amour impossible entre le soleil et la lune (Amateratsu et Tsukuyomi). Je vous laisse me donner votre avis sur ça une fois le film vu !

En bref une adaptation aboutie et poétique à découvrir en salle le 25 février !
Le live-action de 5 centimètres par seconde n’efface pas l’original : il lui répond, des années plus tard, avec maturité et mélancolie.
Pour un second avis, je vous invite à retrouver l’avis d’egaaratoi en vidéo sur notre insta.

Ma note : 18/20

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Le Synopsis

On suit la rencontre accidentelle entre Almut, jeune cheffe étoilée et Tobias, représentant chez Weetabix. Une rencontre qui va changer leur vie et leurs plans. Le film nous raconte leur histoire, leurs difficultés et tous ces instants qui vont les construire.

Mon avis

John Crowley et ses têtes d’affiche nous montrent la beauté de l’amour sincère et des efforts à travers un film « puzzle » qu’il ne faut pas manquer.

Une narration « puzzle »

La chronologie du film est sûrement ce qui fera le plus débat après son visionnage. Le réalisateur nous dévoile l’histoire d’amour de manière totalement désorganisée, le spectateur doit alors remettre le tout dans l’ordre. Il faudra donc être bien attentif, pour pouvoir resituer chaque scène.
Même si je comprends la réticence de certains sur ce type de narration, personnellement j’ai apprécié cette narration puzzle et je ne la pense pas anodine ! En effet, il est fort possible que l’on assiste aux souvenirs de Tobias, comme s’il se remémorait les moments clés de leur histoire. Ce n’est qu’une de mes théories, mais qui semble cohérente dans la narration et avec le scénario ! (à confirmer prochainement dans les interviews du réalisateur)

Une ode à l’amour

L’amour au présent représente avec douceur et sincérité l’amour ! Même si fortement romancé, car on reste dans de la romance fictive, on découvre des personnages qui vont apprendre à se battre l’un pour l’autre. J’ai fortement été touchée par le personnage de Tobias qui bien que maladroit représente une figure « d’homme moderne » qui montre ses émotions et sentiments.
Le film nous montre des moments touchants et poignants qui construisent le couple.
On nous dépeint l’amour simple mais avec quand même des difficultés, envies divergentes, problèmes de santé etc..

Le duo Garfield et Pugh

Et ceux qui mettront tout le monde d’accord sont sans appel Florence Pugh et Andrew Garfield ! Exit le registre Marvel et l’action, ici les deux acteurs jouent principalement sur l’émotion !
Le casting est la figure de proue du film, de par leur popularité mais surtout pour leur jeu d’acteur. Le film propose énormément de plans serrés, un sacré challenge pour les acteurs qui doivent transmettre le plus d’émotions possible à travers les expressions et le regard. Et c’est un pari réussi. Peu importe le registre, scène romantique, de dispute, angoissante, on est avec eux, on vit et ressent ce moment ensemble.

L’amour au présent est une réelle ode à l’amour et à la résilience. Un film touchant et émouvant qui marquera l’année. Je vous met au défi de ne pas lâcher une larme face aux jeux d’acteurs de Florence Pugh et d’Andrew Garfield.

MA NOTE : 17 /20

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Le Synopsis

Interdit – 12 ans

Après avoir échoué à rejoindre l’équipe des Avengers, Wade Wilson passe d’un petit boulot à un autre sans vraiment trouver sa voie. Jusqu’au jour où un haut gradé du Tribunal des Variations Anachroniques lui propose une mission digne de lui… à condition de voir son monde et tous ceux qu’il aime être anéantis.

Refusant catégoriquement, Wade endosse de nouveau le costume de Deadpool et tente de convaincre Wolverine de l’aider à sauver son univers…

Mon Avis

Le face-à-face tant attendu entre Deadpool et Wolverine est une véritable réussite. Ce film est une bouffée d’air frais dans l’univers des super-héros, un cocktail détonnant d’humour, d’action et de références qui ne laisse pas indifférent.

Une alchimie qui fait mouche !

L’alchimie entre Ryan Reynolds et Hugh Jackman est palpable à l’écran, leurs échanges piquants et leurs joutes verbales créant une dynamique explosive qui propulse le film.

L’humour est omniprésent et souvent absurde, brisant régulièrement le quatrième mur pour adresser des clins d’œil au spectateur et à l’univers cinématographique Marvel lui-même (et des tacles pour la Fox à gogo). Les gags s’enchaînent à un rythme effréné, offrant un divertissement constant. L’action est également au rendez-vous, avec des scènes de combat spectaculaires et chorégraphiées avec soin. La violence est assumée, mais toujours au service de l’histoire et de l’humour.

Les personnages sont attachants et complexes. Deadpool, avec son humour noir et son côté anti-héros, est toujours aussi déjanté. Wolverine, quant à lui, apporte une touche de gravité et de sagesse qui équilibre parfaitement le duo. Les personnages secondaires sont également bien construits et contribuent à enrichir l’univers du film. Et sah, quel plaisir de revoir certains personnages après des années d’absences, les caméos sont légions dans le film !

En termes de scénario, le film est certes plus axé sur l’action et l’humour que sur une intrigue complexe. Néanmoins, l’intrigue est cohérente et suffisamment développée pour maintenir l’intérêt du spectateur. Les fans de l’univers Marvel seront ravis de retrouver de nombreux clins d’œil et caméos qui feront sourire les connaisseurs.

Cependant, quelques points peuvent être discutés. Les décors, bien que fonctionnels, manquent parfois de profondeur et d’originalité. De plus, certains éléments de l’intrigue peuvent sembler un peu tirés par les cheveux, voir incohérent si on est vraiment chiant avec ce multiverse, mais cela ne gâche en rien le plaisir de visionnage ! Mais le film fait le taff, celui de divertir !

Deadpool & Wolverine est un film divertissant et réussi qui plaira aux fans de super-héros en quête de sensations fortes. L’humour, l’action et les références sont au rendez-vous, faisant de ce film un véritable hommage à l’univers Marvel. Bien que le scénario ne soit pas aussi complexe que celui d’autres films du genre, il n’en demeure pas moins efficace et divertissant. Ce film est une réussite qui marquera les esprits et qui laisse présager un bel avenir pour les personnages de Deadpool et Wolverine. Un véritable coup de cœur !

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Le Synopsis

L’histoire de la communauté italienne des années 60 dans le Bronx à travers les yeux de Calogero, neuf ans, qui hésite entre la vie de son père, honnête travailleur, et celle des affranchis, qui semble plus prometteuse.

Mon Avis

« Il était une fois le Bronx » capture l’essence du Bronx des années 1960 d’une manière à la fois attrayante et percutante. C’est un hommage à la fois brutal et tendre à un quartier notoire de New York, offrant un aperçu de la vie dans un environnement souvent dépeint de manière unidimensionnelle dans le cinéma.

Le film met en scène une relation complexe et évolutive entre Sonny, un mafieux du Bronx, et Calogero, un jeune garçon fasciné par son monde. Cette relation, qui débute par une admiration quasi père-fils de Calogero envers Sonny, se transforme au fil du film en une confrontation entre deux visions du monde et deux destins possibles, entre d’un côté la vision paternel de Sonny, et de l’autre celle du vrai père de Calogero, Lorenzo, joué par Robert de Niro.

Au début du film, Calogero est un jeune adolescent en quête d’identité et de repères. Il vit dans un quartier pauvre et violent, et son père, Lorenzo, est un homme honnête mais impuissant face à la pègre locale. Sonny, charismatique et puissant, représente pour Calogero un modèle de réussite et d’émancipation. Il est fasciné par son aura de violence et d’invincibilité, et rêve de faire partie de son monde.

Il vaut mieux être craint ou être aimé ?

Calogero

Sonny, quant à lui, voit en Calogero un potentiel certain. Il est intelligent, loyal et courageux, et Sonny voit en lui un possible successeur. Il le prend sous son aile et lui apprend les codes du milieu mafieux. Calogero est fasciné par ce monde de violence et d’argent facile, et il s’y intègre rapidement.

Bonne question, les deux c’est bien mieux, mais c’est très difficile. Moi si j’avais le choix, je préférerai que l’on me craigne. La peur c’est plus solide que l’amour. Une amitié peu toujours se vendre ou s’acheter. Tu le vois bien si je fais une blague tout le monde se marre sans hésiter. J’suis amusant, mais pas à ce point.

Sonny

Le film excelle dans son interprétation nuancée des personnages, permettant aux spectateurs de s’identifier à leurs luttes, malgré la distance qui peut exister entre eux et le Bronx de cette époque. Chaque personnage est profondément humain, avec des forces, des faiblesses et des complexités qui les rendent complexes et intéressants. Les acteurs livrent des performances authentiques, donnant vie à leurs personnages avec une passion et une conviction qui captivent le public.

Ils rigolent parce qu’ils ont peur de moi. Mais il ne faut pas te faire détester, c’est pour ça que je les traitre bien, mais pas trop bien. Si je leur donnais trop ils n’auraient plus besoin de moi. Je leur donne ce qu’il faut pour qu’ils aient besoin de moi et qu’ils ne me détestent pas ! N’oublie jamais cette leçon !

sonny

La réalisation est tout aussi impressionnante, avec une mise en scène équilibrée qui sait quand laisser les acteurs briller et quand mettre en avant le cadre du Bronx lui-même. Les choix de montage sont réfléchis et créatifs, combinant des plans larges, des gros plans et des mouvements de caméra fluides pour donner vie à chaque scène.

Le scénario est un autre point fort. Il est riche et complexe, explorant des thèmes de l’identité, de l’appartenance et du conflit intergénérationnel avec une maturité évidente.

Bien que le film présente des moments de violence et de conflit, il ne tombe jamais dans le piège du mélodrame. Au lieu de cela, il souligne les moments d’humanité et d’espoir qui existent même dans les environnements les plus difficiles.

La relation entre Sonny et Calogero est une illustration des dangers de la fascination pour le monde de la mafia. Le film est une parabole sur la corruption et la violence qui gangrènent la société américaine. Il montre comment le rêve américain peut se transformer en cauchemar pour ceux qui sont tentés par les sirènes du crime organisé.

« Il était une fois le Bronx » est un film profondément humain qui offre une vision nuancée de la vie dans le Bronx des années 1960. C’est une véritable célébration de l’esprit humain, qui sait reconnaître la beauté même dans les lieux les plus sombres. Un véritable coup de cœur !

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Le Synopsis

Bob Marley: One Love célèbre la vie et la musique d’une icône qui a inspiré des générations à travers son message d’amour et d’unité.

Pour la première fois sur grand écran, découvrez l’histoire puissante de Bob Marley, sa résilience face à l’adversité, le chemin qui l’a amené à sa musique révolutionnaire.

Mon Avis

Le film capture l’essence de Bob Marley, son charisme magnétique, sa spiritualité profonde et son engagement indéfectible envers la justice sociale. Kingsley Ben-Adir offre une performance remarquable, captant la fougue et la sensibilité de l’artiste. La reconstitution de l’époque est impeccable, immergeant le spectateur dans la Jamaïque des années 70, avec ses paysages luxuriants, sa culture vibrante et ses tensions politiques.

Un récit poignant sur les défis et les triomphes

Bob Marley: One Love ne se contente pas de glorifier l’icône. Il explore également les moments difficiles de sa vie, ses démêlés avec la politique jamaïcaine, sa tentative d’assassinat et son combat contre le cancer. Le film montre comment ces épreuves ont nourri sa musique et renforcé son message d’espoir et de résistance.

La bande originale, composée de chansons inoubliables de Bob Marley, est un élément central du film et contribue à créer une expérience émotionnellement puissante. Bob Marley: One Love est un film qui touche l’âme et inspire. Il célèbre la vie et l’œuvre d’un artiste légendaire tout en diffusant un message universel d’amour, de paix et d’unité.

Le film m’a transporté dans l’univers de cet artiste légendaire et m’a permis de mieux comprendre son parcours et son influence sur le monde. J’ai particulièrement apprécié la performance de Kingsley Ben-Adir, qui a su capturer l’essence de Bob Marley avec une justesse saisissante.

Ce qui m’a marqué le plus dans le film, c’est la force du message de Bob Marley. Son engagement envers la justice sociale, son amour universel et sa foi en l’unité des peuples sont des valeurs qui résonnent encore aujourd’hui. Bob Marley: One Love est un film inspirant qui nous rappelle que la musique peut changer le monde.

Cependant, j’ai trouvé que le film manquait parfois de profondeur. Certains aspects de la vie de Marley sont survolés, et j’aurais aimé en apprendre davantage sur ses influences musicales et ses convictions politiques. De plus, le rythme du film est parfois un peu lent, ce qui peut ennuyer certains spectateurs.

Points forts du film:

• La performance remarquable de Kingsley Ben-Adir
• La reconstitution impeccable de l’époque
• La bande originale puissante
• Un récit poignant et inspirant

Points faibles du film:

• Rythme parfois un peu lent
• Certains aspects de la vie de Marley survolés

Bob Marley: One Love est un film incontournable pour les fans de l’artiste et pour tous ceux qui sont touchés par la musique et le message d’espoir et d’unité.

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Le Synopsis

Autrefois considéré comme un dieu puissant, Yang Jian a été réduit à la condition d’un chasseur de primes déchu. Sa vie bascule le jour où une femme énigmatique lui propose une mission qui le force à reprendre du service. Il doit à nouveau faire face à son passé pour combattre ses anciens démons.

La lutte entre Yang Jian et les créatures mystiques sera sans merci, au risque de perturber l’équilibre de leurs mondes. Une course contre la montre pour sauver le destin de leurs univers.

Mon Avis

« La Guerre des dieux » s’est révélée être l’un des joyaux du Festival d’Annecy. Au cœur de cette épopée se trouve Yang Jian, une divinité autrefois puissante, étant désormais contraint de survivre en tant que chasseur de primes suite à une sombre histoire. Malgré la perte de ses pouvoirs divins, son voyage est marqué par une bravoure indéfectible, des dilemmes moraux poignants et une quête de rédemption.

Ji Zhao, avec une maîtrise artistique inégalée, a su fusionner divers styles d’animation pour donner vie à cette histoire. Les scènes d’action sont d’une grâce remarquable, et les créatures mythiques émerveillent les spectateurs. Le film invite à une immersion totale dans une expérience sensorielle inédite. Chaque scène est un témoignage du mariage harmonieux entre la tradition chinoise et la modernité cinématographique, où le folklore et les techniques avant-gardistes coexistent en parfaite harmonie.

La passion de Ji Zhao pour la diffusion de la culture chinoise se manifeste à travers des scènes magnifiquement exécutées, notamment un combat musical électrisant où la musique se métamorphose en arme. Ou encore au niveau des paysages représentés, alliant parfaitement tradition et modernité ! Mention spéciale à une scène qui emprunte la finesse des peintures à l’encre traditionnelles, pour un style graphique totalement différent du reste du film.

Le film ne se contente pas seulement d’émerveiller visuellement. Il met en lumière l’importance de la préservation culturelle et la manière dont les techniques modernes peuvent être employées pour partager ces récits historiques avec un public mondial.

Un véritable bijou cinématographique, « La Guerre des dieux », réalisé par Ji Zhao, révèle la richesse de la mythologie chinoise à travers une épopée visuellement stupéfiante.

Une suite est annoncée durant une scène post-générique

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Le Synopsis

John Wick découvre un moyen de vaincre l’organisation criminelle connue sous le nom de la Grande Table. Mais avant de gagner sa liberté, Il doit affronter un nouvel ennemi qui a tissé de puissantes alliances à travers le monde et qui transforme les vieux amis de John en ennemis.

John Wick affronte ses adversaires les plus mortels dans le quatrième volet de la série. Le prix de sa tête ne cessant d’augmenter, Wick mène son combat à l’échelle mondiale en recherchant les acteurs les plus puissants de la pègre, de New York à Paris en passant par Osaka et Berlin.

Mon Avis

Je pensais impossible d’avoir plus d’action que John Wick 3 Parabellum, j’ai mais très mal pensé tant ce John Wick 4 éteint les 3 premiers volets. Il arrive en plus à corriger les défauts des 3 premiers volets d’un revers de la main, le lore est super développé et on se rend compte que le monde qui existe autour de John Wick est riche et dense.

Baba Yaga est limite petit à côté de tout ça et ça rend le tout encore plus jouissif et intéressant. Les personnages sont d’un charisme impressionnant mais c’est surtout Donnie Yen qui vole limite la vedette à Keanu Reeves, l’histoire de son personnage est vraiment touchante… J’aimerai un spin off sur son personnage. Les scènes d’action, mises à mort et gunfights sont tout bonnement spectaculaires, il y a un plan séquence dans une maison…

Chad Stahelski à fait un boulot colossal.

Conclusion

Pour conclure parce que sinon je n’ai pas fini, John wick 4 est le summum du cinéma d’action de ces dernières années. Et cette fin Masterclass. Si vous hésitiez à aller le voir foncez.

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Le Synopsis

Los Angeles des années 1920. Récit d’une ambition démesurée et d’excès les plus fous, l’ascension et la chute de différents personnages lors de la création d’Hollywood, une ère de décadence et de dépravation sans limites.

Mon Avis

Dans le film Babylon, nous sommes très clairement dans un hommage au cinéma des années 20. Rien que la scène d’intro, avec cette fête pleine de démesure avec différents plans et cette musique magnifique nous donne le ton.

Le cinéma et son évolution sont le message du film, ça devient passionnant de voir les changements de technique mais surtout de voir sa répercussion sur les différents acteurs qui ont évolué dans ce milieu.

Je suis passé par pas mal d’émotion, j’ai ri, j’ai ressenti de la peine, j’ai été emporté par les moments festifs. On se prend d’affection pour les personnages, on rêve avec eux et on déchante aussi.

La bande son : on va en parler aussi ! Elle est sublime et vraiment je me suis pris à avoir envie de bouger et danser par moment. Le seul petit hic c’est que ça tire un peu en longueur sur la fin.

Pour conclure je dirais que Babylon m’a offert un réel moment de cinéma et m’a fait passer par pleins d’émotions.

Merci Damien Chazelle pour ce fabuleux moment.

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Synopsis

Le détective de renommée mondiale Benoit Blanc se rend en Grèce pour élucider un mystère impliquant un milliardaire et son équipe hétéroclite d’amis.

Mon Avis

Super surprise pour moi le film est presque aussi bien que le premier (Knives Out), ça reste vraiment un excellent film. Le style est vraiment à l’image du 1er volet, prendre la Grèce comme nouveau terrain de jeu est une excellente idée.

L’histoire démarre très bien je n’ai pas du tout senti les 2h19, l’enquête est vraiment bien menée et les rebondissements sont de mise c’est galvanisant.

Je pense que les murder-party font parti du Top 3 des genres que j’affectionne ! Les acteurs aussi y sont pour beaucoup, ils sont tous crédibles et sont détestable à souhait.

On sent le pic envoyé à un certain magna de la technologie.

Pour Conclure je dirais que Glass Onion porte bien son nom, nous passons par plusieurs couches avant d’arriver au dénouement final. C’est à la fois un pur divertissement grand public et une satire acérée et subversive.

Voir le film sur Netflix.

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