We are [still] here, l’exposition

WE ARE [still] HERE c’est soixante-quinze artistes français et internationaux qui investissent le Petit Palais à travers plus de 200 œuvres en tout genre. Peinture, sculpture, objet, tout est un moyen de s’exprimer et de s’insérer au sein des œuvres permanentes du musée.

Le parcours débute dans les collections du musée. Plusieurs œuvres inédites de D*Face, Invader, El Seed, EvazéSir, Hopare, Sun7 et Maxime Siau y dialoguent avec les collections du musée.
WE ARE [still] HERE s’inscrit dans la volonté de mettre en avant une scène contemporaine qui écrit sa propre histoire. Montrant ainsi la force de l’art urbain qui est, plus que jamais, en mouvement.

Cette année, la scène française est particulièrement à l’honneur. 43 artistes français sont présents parmi les 75 artistes représentés.
En parallèle de l’exposition, une application de médiation accompagne les visiteurs dans la découverte des œuvres et des artistes grâce à des contenus interactifs, enrichissant encore davantage l’expérience immersive de l’exposition.

Mon avis sur l’exposition

J’avais déjà pu découvrir la première édition en 2024, et c’est toujours un plaisir de revenir.
Le Petit Palais nous propose une véritable immersion dans le Street-Art, notamment dans la dernière salle de l’exposition. Une salle entièrement recouverte d’œuvres à tel point que l’on ne sait plus où donné de la tête.

La force de cette exposition est sans aucun doute le fait d’insérer « l’art des rues » souvent mal reçu avec des oeuvres beaucoup plus classiques. On assiste alors à un dialogue entre classicisme et modernités et à un dialogue entre générations, que ça soit d’artistes ou de visiteurs.
Cette insertion permet de présenter l’art urbain à une nouvelle cible et d’interpeller des personnes qui de basent ne s’y intéresseraient pas. C’est aussi l’occasion de mettre le street-art au même niveau que « l’art classique ».

Une exposition à ne pas louper et en plus c’est gratuit donc aucune excuse pour ne pas y faire un tour.

Infos pratiques

• Où? Petit Palais, Av. Winston Churchill, 75008 Paris
• Quand? Du 20 juin au 20 septembre
• Billetterie: Pas besoin de réservation, entrée libre.
• Artistes représentés :
  ADD FUEL, AKACHA, ARDIF, BOM.K, BTOY, CLET ABRAHAM, CODEX URBANUS, CONOR HARRINGTON, D*FACE, DACRUZ GRAFFITI, DAN23, DAVID DE LA MANO, DEYAA, EL MAC, EL SEED, EVAZESIR, FAFI, FAILE, FENX, FKDL, HERAKUT, HOM, HOPARE, HOROR, HUSH, INTI, INVADER, JACE, JAN KALAB, JANA & JS, KAN, KATRE, L’ATLAS, LE CYKLOP, LEK & SOWAT, LOGAN HICKS, MADAME, MARKO93, MARK JENKINS, MAXIME SIAU, MAYE, M-CITY, MIAZ BROTHERS, MISS VAN, MOSKO, NAJAH ZARBOUT, NASTY, NICOLAS PANAYOTOU, NILKO, ORTICANOODLES, PAKONE, POSE, REA, RERO, RETNA, RETRO, ROA, ROMAIN FROQUET, SAMAN & SASAN, SANER, SEIZE, SALMA MESTIRI, SETH, SHAKA, SHEPARD FAIREY, SPEEDY GRAPHITO, STEW, SUN7, SWOON, THEAZEE, TIM CONLON, TRISTAN EATON, VINNIE, VHILS, YSEULT YZ DIGAN

L’article We are [still] here – l’exposition Street art à ne pas louper au Petit Palais est apparu en premier sur Kazoku.

30 ans ça se fête

L’exposition

2026, c’est les 30 ans de Pokémon ! À cette occasion, le Musée en Herbe, avec la complicité de la Galerie Enrico Navarra a souhaité rendre hommage à ce symbole majeur de la Pop culture.
Admirez-les tous! est l’exposition hommage à ne pas louper. Une exposition, unique, ludique et artistique, pour un public âgé de 3 à 103 ans.

4 salles dédiées à la licence. La première a été construite comme une capsule temporelle immersive. Elle nous plonge au début de la licence, dans les années 90.
On y découvre les toutes premières cartes, des celluloïds de l’animé, ainsi que divers goodies vintage devenus cultes.

La seconde salle présente des cartes exceptionnelles, l’évolution de Pikachu, différents Pokémon. Ainsi que les coulisses de l’invention de certains noms, par Julien Bardakoff, traducteur français des noms de Pokémon des deux premières générations.

Puis on découvre l’influence de la culture japonaise sur l’univers Pokémon. Masques de yōkai, estampes et sculptures contemporaines révèlent les liens étroits entre folklore et la licence.
L’occasion aussi de mettre à l’honneur des artistes contemporains comme Takashi Murakami. Dans cette salle, on retrouve également les clins d’œil à l’histoire de l’art qui dialoguent avec certaines cartes Alphonse Mucha, Piet Mondrian, Edvard Munch ou Vincent van Gogh dont le style a été subtilement détourné pour certaines cartes Pokémon aujourd’hui mythiques.

Le parcours se termine par une salle remplie d’œuvres d’art contemporain reprenant nos Pokémons préférés. Y sont exposés des artistes comme Daniel Arsham, Katherine Bernhardt, Brusk, Hervé di Rosa, Erró, David Heo, Timothée Humbert, Yuree Kensaku, Jeff koons, Mwoaa,
Onemizer ou encore Speedy Graphito.

Les petits plus

À côté de l’exposition, le musée propose différents rendez-vous.
2 jeudis par mois vous pouvez retrouver Julien Bardakoff pour en savoir plus sur vos Pokémon préférés et participer à des quiz mémorables !

Des ateliers artistiques sont proposés pour les enfants autour de l’univers Pokémon.

Vous pourrez également acheter sur places des posters exclusifs ainsi que des boosters exclusifs reconditionnés. Ces boosters sont disponibles en deux versions : rouge et bleue. Un clin d’œil aux premières versions du jeu Pokémon sorties en 1996 au Japon.
Ils ont été conçus comme un véritable souvenir de l’exposition, permettant aux visiteurs de repartir avec un objet de collection.

Mon avis sur l’exposition

Le Musée en Herbe nous propose une exposition ludique, intéressante et assez complète sur l’univers Pokémon. 4 salles pour découvrir une partie de l’histoire des monstres de poche.
Du jeu gameboy à l’animé, en passant par le TCG, tout y est représenté.
C’est aussi et surtout l’occasion de découvrir le lien entre Pokémon et l’Art, les deux univers s’enrichissant mutuellement.
Tout au long du parcours, vous êtes accompagnés d’un carnet de jeux (petits et grands), une bonne manière de découvrir en s’amusant.
Les salles ont également des jeux pour chaque partie, de quoi tenir les enfants et les grands enfants occupés.
L’exposition est très bien pensée pour plaire à un large public. On y retrouve de très belles pièces de collection et œuvres d’art.
Par contre, elle se fait très rapidement.

Infos Pratiques

• Quand : Du 16 avri ou 06 septembre 2026 – Ouvert tous les jours de 10h00 et à 19h00.
• Où : Le Musée en Herbe – 23 rue de l’Arbre-Sec, 75001 Paris
• Tarif et billetterie : 8 € tarif plein / 7 € tarif réduit. Réservation conseillée.

L’article Pokémon s’expose au Musée en Herbe est apparu en premier sur Kazoku.

Qui est Naoki Urasawa ?

Si pour certains son nom ne vous dit peut-être rien je vous garantis que vous le connaissez ! Impossible d’être passés à côté de ses œuvres. Monster, 20th Century boys, Asadora!, Pluto…
Naoki Urasawa est un pilier du manga et un incontournable.
Tout ce qu’il touche se transforme en chef-d’œuvre !

Des œuvres pour lesquelles il a reçu de nombreuses récompenses : trois Prix Shōgakukan, trois Prix d’Excellence du Festival des arts médias de l’Agence pour les affaires culturelles, deux Grands Prix du Prix culturel Osamu Tezuka, un Prix du manga Kōdansha et un Prix de la série du Festival d’Angoulême.

Fun fact que je ne savais pas avant l’exposition, outre être un mangaka de talent, Naoki Urasawa est également un musicien et chanteur de rock.

Naoki Urasawa, un talent monstre – l’expo

Rendez-vous à la maison de la culture d’Amiens pour découvrir Naoki Urasawa, un talent monstre, l’expo qui met à l’honneur l’artiste japonais. Néophyte ou non, l’exposition nous propose une immersion et une découverte du monde d’Urasawa.

Accueillis par Obluda, on y découvre le trait fin et gracieux du mangaka à travers des reproductions de ses planches. Le parcours nous propose de passer par quelques-unes des œuvres phares de l’artiste : Monster, 20th Century boys, Asadora !

Des analyses des personnages y sont également proposés ainsi que quelques illustrations personnelles et une découverte de la chaîne youtube d’Urasawa-sensei.
Sur cette chaîne vous pourrez- y trouver des tutos pour dessiner, des making-off mais aussi et surtout sa musique !

Un aspect de sa personnalité qui est mis en avant dans un salle spéciale au sein de l’exposition.

L’exposition n’est pas très grande mais elle vaut le déplacement si vous appréciez le travail de Naoki Urasawa.

Infos pratiques

• Dates : Jusqu’au 21 septembre 2025
• Lieu : Maison de la Culture d’Amiens -2 place Léon Gontier 80006 Amiens
• Tarif : Gratuit

L’article Naoki Urasawa, derniers jours pour voir l’exposition à Amiens est apparu en premier sur Kazoku.

Un visuel exclusif pour les 100 premiers visiteurs

L’événement coïncidera avec le Yu-Gi-Oh! World Championship 2025, qui fera escale à Paris du 29 au 31 août, marquant ainsi le grand retour du tournoi en Europe.

Les visiteurs pourront y découvrir une sélection d’œuvres et de pièces emblématiques : les cinq cartes mythiques d’Exodia l’Interdit, le Puzzle du Millénium, des illustrations en très haute résolution, de gigantesques statues, des tapisseries japonaises et bien d’autres trésors visuels issus de l’univers créé par Kazuki Takahashi.

En prime, chaque jour, les 100 premiers visiteurs repartiront avec un visuel exclusif du Dragon Blanc aux Yeux Bleus, revisité dans le style traditionnel japonais Ukiyoe. Un cadeau collector qui risque de devenir très convoité par les fans.

Installé au cœur du Marais, le Musée Carnavalet, fondé en 1880, est l’un des plus anciens musées municipaux de Paris. Ses deux hôtels particuliers des XVIᵉ et XVIIᵉ siècles et ses collections retraçant l’histoire de la capitale offriront un écrin prestigieux à cette plongée dans plus de 25 ans d’héritage artistique et culturel de Yu-Gi-Oh!.

La franchise, née dans les pages du Weekly Shônen Jump en 1996, a depuis donné naissance à 2 séries animées principales, 4 films, 7 spin-offs, 56 jeux vidéo et un jeu de cartes vendu dans plus de 80 pays et traduit en 9 langues. Ce jeu, devenu un véritable phénomène mondial, continue de rassembler des générations entières de duellistes, du joueur occasionnel au compétiteur acharné.

Yu-Gi-Oh! The Dark Side of Dimensions débarque en VF sur ADN : l’annonce surprise de la Japan Expo

Infos pratiques

Dates : du 30 août au 7 septembre 2025
Lieu : Musée Carnavalet-Histoire de Paris – 23 Rue de Sévigné, 75003 Paris
Entrée : gratuite, ouverte à tous les âges
Plus d’infos : Site officiel Yu-Gi-Oh!

L’article Yu-Gi-Oh! s’invite au Musée Carnavalet pour une exposition d’art exceptionnelle à Paris est apparu en premier sur Kazoku.

L’éditeur français Ankama Editions célèbre ses 20 ans. Pour célébrer cet anniversaire, une exposition est en cours à la bibliothèque Louis Aragon d’Amiens. Organisée pour le festival de la BD d’Amiens, elle est disponible jusqu’au 23 août, on vous en dit plus !

20 ans résumés en une expo

L’exposition retrace tout le catalogue d’Ankama depuis la création de la maison d’édition. De la BD au manga, en passant par le comics toutes les œuvres de l’éditeur y sont présentes, même celles du label 619.
Cette exposition, c’est l’occasion de voir les planches de nos œuvres préférées –Radiant de Tony Valente, Freaks’Squeele de Florent Maudoux, Mutafukaz de Run , Wakfu de ou encore Run to Heaven de Toan- elles sont toutes présentes.
Outre les planches on peut aussi y voir tout le merchandising créé autour de certaines licences.

L’exposition vaut-elle le déplacement à Amiens ? Cela dépend de votre amour pour la maison d’édition et l’art de la BD en général. Selon moi c’est une opportunité à ne pas louper pour voir des planches originales et découvrir certaines œuvres méconnues de l’éditeur.
L’exposition est néanmoins petite donc je vous conseille d’y aller avec d’autres objectifs – notamment l’exposition sur Urusawa (je vous en parle bientôt !) .

En savoir plus sur Ankama ?

Ankama est une société de création numérique née en 2001 avec comme fondateurs : Anthony Roux (aka TOT), Camille Chafer et Emmanuel Darras. Connu pour le célèbre jeu en ligne Dofus, ils décident en 2005, d’ouvrir une filière éditoriale. Ankama publie alors son premier Dofus, création en lien direct avec leur jeu phare.
Depuis, la maison d’édition cherche à apporter un vent de fraîcheur et de modernité dans l’édition. Ils proposent des ouvrages de jeunes artistes tels que Marion Montaigne, Run, Agnès Maupré, Maliki, Neyef, Amélie Fléchais, Florent Maudoux, Tony Valente ou encore Toan.
Parmi les œuvres phares de l’éditeur : Wakfu, Freaks’Squeele, Radiant l’une des références incontestées du manfra.

Infos pratiques

• Lieu : Bibliothèque Louis Aragon – 50 Rue de la République 80000 Amiens
• Tarif : Gratuit
• Dates : Jusqu’au 23 Août

L’article Ankama Editions, 20 ans déjà ! est apparu en premier sur Kazoku.

Takahata, un cinéaste entre poésie et engagement

Peu de réalisateurs ont autant marqué l’histoire de l’animation japonaise qu’Isao Takahata. Né en 1935 et disparu en 2018, il est l’un des grands architectes de l’essor international du Studio Ghibli, fondé aux côtés de Hayao Miyazaki et Toshio Suzuki en 1985. Là où Miyazaki explore souvent l’imaginaire et le merveilleux, Takahata ancre ses récits dans le réel, le quotidien, et l’histoire du Japon.

Son cinéma est empreint d’une profonde humanité, oscillant entre chroniques de la vie rurale, récits de guerre, et fables écologiques. Son œuvre phare, Le Tombeau des lucioles (1988), reste à ce jour l’un des films les plus bouleversants de l’histoire de l’animation.

Carnets, croquis, vidéos et objets personnels

L’exposition parisienne intitulée « Isao Takahata – Pionnier du dessin animé contemporain, de l’après-guerre au Studio Ghibli », conçue sous la direction de Kazuyoshi Tanaka, s’articule autour de quatre grandes sections chronologiques, pour mieux saisir l’évolution artistique du réalisateur. On y découvrira plus de cinquante ans de création, à travers des storyboards, celluloïds, carnets de croquis, dessins originaux, extraits vidéo, et objets personnels.

Le parcours commence dans les années 1960, au sein du studio Toei Doga (actuel Toei Animation), avec Horus, prince du Soleil (1968), œuvre fondatrice qui annonce déjà un regard cinématographique nouveau : collectif, mature, politique.

Dans les années 1970, il réalise des séries devenues cultes comme Heidi, Marco, ou encore Anne, la maison aux pignons verts. Sous la contrainte d’une production hebdomadaire, il développe une esthétique du quotidien : chaque geste, chaque silence, chaque regard devient porteur de sens. Loin du spectaculaire et de la surenchère visuelle, ses récits valorisent les émotions fugaces, les liens familiaux, et les paysages ruraux. Cette période marque une étape essentielle dans la construction de son style, profondément ancré dans l’observation du réel et le respect de la simplicité.

Confronté au rythme intense de la production hebdomadaire, il affine une écriture du quotidien, où les gestes simples, les silences et les émotions fugaces deviennent le cœur du récit.

L’exposition promet une immersion rare dans les coulisses de la création. Parmi les pièces présentées : des esquisses préparatoires, des documents de production inédits, des affiches d’époque, mais aussi des objets personnels ayant appartenu au cinéaste. Les visiteurs pourront explorer l’évolution de scènes emblématiques, comprendre ses choix artistiques, et mesurer l’influence de son travail sur toute une génération de réalisateurs.

Les grands films des années 1980 et 1990 occupent naturellement une place centrale : Le Tombeau des lucioles, bien sûr, mais aussi Souvenirs goutte à goutte (1991), Pompoko (1994), ou encore Kié la petite peste (1981). Autant de récits qui, chacun à leur manière, explorent les tensions entre tradition et modernité, la mémoire collective, ou encore la cohabitation fragile entre humains et nature.

Un parcours international, entre Tokyo et Paris

Avant de faire escale à Paris, l’exposition a été présentée à la Azabudai Hills Gallery de Tokyo, entre juin et septembre 2025.

Elle coïncide symboliquement avec deux anniversaires : les 90 ans de la naissance d’Isao Takahata, et les 80 ans de la fin de la Seconde Guerre mondiale. Le choix de Paris n’est pas anodin : la France entretient depuis longtemps une relation privilégiée avec le Studio Ghibli, et Takahata lui-même a visité la capitale à plusieurs reprises, notamment pour accompagner ses films lors de festivals.

L’exposition est appelée à circuler dans d’autres lieux prestigieux, dont le mudac à Lausanne au printemps 2026, mais la première halte française, à Paris, bénéficiera d’une scénographie immersive pensée pour faire dialoguer l’œuvre du cinéaste avec le regard du public européen.

Une expérience multisensorielle

Pour accompagner ce voyage visuel, l’ambiance sonore de l’exposition a été pensée avec soin : les musiques originales des films, signées en grande partie par Joe Hisaishi, envelopperont le visiteur dans une atmosphère poétique et émotive.

Des espaces interactifs sont également envisagés, permettant par exemple d’observer les différentes étapes du travail de l’animation, ou même d’expérimenter certaines techniques à travers des ateliers.

La dernière partie de l’exposition mettra en lumière la dernière évolution du style de Takahata, notamment à travers Mes voisins les Yamada (1999) et Le Conte de la princesse Kaguya (2013).

Ces deux œuvres illustrent sa volonté de revenir à un langage graphique plus libre, proche de l’aquarelle ou du sumi-e japonais. C’est là que son art atteint une forme d’épure, mêlant tradition picturale et modernité numérique, dans un style visuel unique au monde.

Informations pratiques

• Dates : du 15 octobre 2025 au 24 janvier 2026
• Lieu : Maison de la culture du Japon à Paris, 15e arrondissement
• Billetterie : ouverture prévue à la rentrée – il est conseillé de réserver tôt
• Prolongation prévue au mudac (Lausanne) au printemps 2026

Admirateur de longue date du Studio Ghibli ou simple curieux, cette exposition est l’occasion unique de plonger dans l’univers subtil, profondément humain et visuellement poétique d’un cinéaste qui a changé à jamais la perception de l’animation. Takahata ne cherchait pas à séduire, mais à émouvoir, à faire réfléchir, à rappeler que chaque instant de vie – aussi banal soit-il – peut devenir cinéma.

À travers cette rétrospective, Paris rend un hommage vibrant à l’un des artistes les plus discrets, mais aussi les plus novateurs de son époque. Une célébration à la hauteur d’un héritage qui continue d’inspirer le monde entier.

L’article Une exposition à Paris pour célébrer Isao Takahata, maître de l’animation japonaise & cofondateur du Studio Ghibli ! est apparu en premier sur Kazoku.

Une exposition qui fait froid dans le dos

Ce n’est pas moins de 400m², qui sont dédiés à l’univers singulier de Junji Ito. Au travers de ses personnages emblématiques, ses thématiques récurrentes et ses influences artistiques.

L’exposition nous présente : Tomie, l’immortelle aux charmes destructeurs. Soichi, l’enfant étrange aux clous dans la bouche. Ou encore les spirales hypnotiques d’Uzumaki (Spirale, ndlr). Toutes ces oeuvres iconiques prennent vie dans cette galerie. Des reproductions de planches originales côtoient des objets de collection de mode et des produits dérivés, créant une atmosphère particulièrement immersive.

L’exposition révèle également les coulisses de la création. En explorant les influences du mangaka : Kazuo Umezu, pionnier du manga d’horreur, H.P. Lovecraft et l’univers du body horror. Une approche qui permet de comprendre comment Junji Ito transforme ses obsessions en cauchemar.

L’art de l’horreur selon Junji Ito

Ancien prothésiste dentaire reconverti dans le manga, Junji Ito puise son inspiration dans ses propres angoisses. Les cafards, les transformations corporelles, l’inexplicable. Ce sont autant d’éléments qui nourrissent son imaginaire. Ses histoires détournent des problèmes du quotidien pour en tirer une vision horrifique. La spirale, symbole mathématique anodin, devient ainsi le vecteur d’une malédiction qui dévore une ville entière.

Une trait particulier qui sert l’horrifique

Le trait de Junji Ito se distingue par sa précision et son réalisme troublant, permettant au lecteur de se sentir happé par ce qu’il crée. Ses pages, d’une beauté froide et détaillée, posent doucement une ambiance angoissante.
Ses influences transparaissent dans sa façon d’aborder l’horreur. Comme chez Lovecraft, ses personnages sont souvent confrontés à des forces qui les dépassent : l’indicible, l’inexplicable, l’inéluctable. Ce sont autant de concepts que Junji Ito expose au travers de dessins captivants tant par leur réalisme que par leur ambiance lugubre et dérangeante.

Japan Expo a réussi ce défi

Cette expérience à la fois immersive et pédagogique à réussis son pari : faire peur tout en approfondissant le travail de Junji Ito de manière complète. Les organisateurs ont pensé chaque détail pour créer une atmosphère digne des récits du mangaka : éclairage tamisé, scénographie immersive, et même des surprises que nous ne dévoilerons pas. On espère simplement que l’exposition Junji Ito obsessions et cauchemars sera accessible en dehors de Japan Expo Paris 2025.

D’ailleurs si tu ne le savais pas encore une annonce très spéciale à été faite par Junji Ito lui-même à Japan Expo : Crimson.

L’article L’Exposition « Junji Ito – Obsessions et Cauchemars » à Japan Expo 2025 est apparu en premier sur Kazoku.

Rêve de Japon en quelques mots

Rêve de Japon rassemble les plus grands maîtres de l’estampe japonaise, ainsi que les plus grands mangakas. À travers cette exposition, la ville de Rueil-Malmaison propose un voyage au pays du Soleil-levant.

D’Hokusai à Hiroshige, la ville a su rassembler plus de 100 estampes originales des plus grands artistes japonais. Et si l’on est habitué à ses deux noms dans les musées, ici, c’est aussi l’occasion de découvrir d’autres artistes comme : Kitagawa Utamaro, maître du portrait ou encore Toshusai Sharaku, connu pour ses esquisses du théâtre Kabuki.
L’exposition propose aussi d’en découvrir plus sur la culture japonaise et les autres arts comme le kabuki, le théâtre No, l’origami, l’architecture…

Tous ces arts qui ont alimenté la création du manga et sont encore une source d’inspiration pour certains mangakas. Et de ses inspirations découlent les plus grands mangas tels que Dragon Ball, Naruto, Astroboy, One Piece… Mangas et animés dont vous pourrez découvrir des planches originales et des celluloïds parmi 40 originaux présents!

Mon avis sur « Rêve de Japon »

Même si l’exposition est un peu excentrée de la capitale, je vous recommande vivement d’y faire un tour. « Rêve de Japon » est riche d’informations et reste intéressante que vous soyez passionné, néophyte ou juste curieux.
C’est l’occasion d’en découvrir plus sur la culture japonaise, de voir ou revoir les plus grands noms de l’estampe japonaise et aussi de voir des dessins originaux d’Akira Toriyama, de Masashi Kishimoto ou encore d’Eichiro Oda.

De plus, la ville propose en fin d’exposition un espace jeu et un espace créatif. L’occasion de mettre à l’épreuve nos talents.

Infos pratiques

• Lieu : Atelier Grognard, 6 Avenue du Château de Malmaison Rueil-Malmaison
• Quand : Jusqu’au 6 juillet – Ouvert du mardi au dimanche de 13h30 – 18h00
• Tarif : réduit – 5€ / plein – 7€

L’article Rêve de Japon, retour aux origines du manga est apparu en premier sur Kazoku.

Petit rappel sur l’exposition

Amano Corpus Animae, célèbre les 50 ans de carrière de Yoshitaka Amano. L’exposition regroupe plus de 100 œuvres de l’artiste. Illustrations, croquis, peinture, celluloïd et même morceau d’animation. Une manière de découvrir toute l’étendu du savoir faire du maître qu’est Yoshitaka Amano.

L’exposition est divisée en 5 sections qui retracent le parcours de Yoshitaka Amano et permettent également de voir la diversité de son travail en passant de ses débuts au sein du studio d’animation Tatsunoko , à Angel’s Egg sans oublier son travail pour la licence Final Fantasy.

Infos Pratiques

• Où ? Au Palazzo Braschi – Piazza San Pantaleo, 10 e Piazza Navona, 2 – 00186 Roma
• Combien ? à partir de 13 €
• Quand ? du 28 mars au 12 octobre 2025

L’article Yoshitaka Amano à Rome est apparu en premier sur Kazoku.

Le Design museum de Londres propose une rétrospective complète sur le travail du réalisateur. The world of Tim Burton c’est à voir jusqu’au 26 mai 2025.

Au vu du succès de l’exposition, il est préconisé de réserver en avance.

“Le meilleur moyen de réaliser l’impossible
est de croire que c’est possible.”
Tim Burton

Qui est Tim Burton ?

Tim Burton est l’un des plus grands réalisateurs et dessinateurs de ce siècle. Réputé pour son style bien à lui, il aime créer des mondes étranges et particuliers.

Le réalisateur a fait ses études au California Institute of the Arts (CalArts). Lors de ses études en animation de personnages, il a attiré l’attention de Walt Disney Productions, où il a pu faire son apprentissage. 

Tim Burton débute sa carrière avec la réalisation de Vincent, un film en stop motion noir et blanc de 6 minutes réalisé en 1982 au sein des studios Disney. Chez Disney, il aura réalisé un court-métrage Hansel et Gretel, ainsi que le court-métrage Frankenweenie (en 1984) , refait en film d’animation en 2012.  

Le réalisateur est connu pour ses films en stop-motion L’Étrange Noël de Monsieur Jack (1993) , Les Noces funèbres (2005) mais aussi pour ses films en live-action, Sweeney Todd (2007 ), Big Fish (2003). Plus récemment, nous lui devons la série Netflix Mercredi.

The World of Tim Burton, l’exposition

L’exposition The World of Tim Burton, a déjà fait un parcours de 14 villes et termine son voyage à Londres. Elle a été réalisé en collaboration avec Tim Burton lui-même.

The world of Tim Burton c’est l’occasion de retracer toute la carrière de l’artiste mais aussi d’y suivre son processus créatif.
Carnets de croquis, esquisses sur des serviettes, storyboards, certaines créations présentées proviennent tout droit des archives du réalisateur.

On commence l’exposition avec les années de Burton au sein de Disney, puis on entre dans l’univers de chacune des productions cinématographiques. Costumes pour les films en live-action, figurines pour ceux en stop-motion, on découvre l’envers du décor de chaque film avec même des bribes de making-of pour certains.

Puis on passe à des travaux plus personnels du réalisateur et notamment des créations photographiques. Personnellement, j’ai trouvé cela intéressant de découvrir un nouvel aspect du travail de Tim Burton. C’est facilement ma troisième exposition sur le réalisateur et c’est la première fois que je découvre ses photographies.
L’exposition nous plonge dans le monde fantasque du réalisateur en nous montrant des facettes moins connus de son œuvre.

Infos pratiques

• Où ? Au design museum de Londres, 224 – 238 Kensington High Street London W8 6AG
• Combien ? à partir de 20 £ pour les adultes
• Quand ? jusqu’au 26 mai 2025
• Où réserver ? Directement sur le site du musée, n’hésitez pas à profiter des expositions permanentes qui sont gratuites !

Si vous appréciez le travail de Tim Burton, son univers et que vous êtes de passage à Londres, je vous recommande vraiment de visiter cette exposition. Le prix peut en refroidir certains ( à partir de 20£ ) mais promis ça en vaut la peine. C’est sûrement l’exposition la plus complète que j’ai pu voir sur Tim Burton, avec une scénographie immersive.

L’article Tim Burton s’expose à Londres ! est apparu en premier sur Kazoku.