Cette nouvelle version a été annoncée lors du Dragon Ball Genkidamatsuri, l’événement célébrant les 40 ans de la franchise .

Une renaissance assumée pour Dragon Ball Super

Contrairement à une simple rediffusion, Dragon Ball Super : Beerus est pensée comme une relecture qualitative de l’anime de 2015, dont les problèmes d’animation et de rythme avaient marqué les fans.

Les informations officielles confirment une édition améliorée, avec :

• de nombreuses scènes redessinées,
• des cuts inédits,
• une narration retravaillée,
• une mise en scène modernisée,
• une fidélité renforcée au travail d’Akira Toriyama .

L’objectif est clair : offrir une version plus cohérente, plus immersive et visuellement plus ambitieuse, en phase avec les standards actuels de l’animation.

Une animation revue pour des combats plus spectaculaires

Les équipes de production mettent l’accent sur une expression visuelle de pointe, avec :

• des combats plus lisibles et plus dynamiques,
• un style visuel rappelant l’énergie de Dragon Ball Super: Broly,
• une représentation plus fidèle du manga original .

Chaque affrontement bénéficie d’un soin particulier, avec un rythme narratif repensé pour renforcer l’impact émotionnel et visuel.

Présentation officielle

Le manga DRAGON BALL d’Akira
Toriyama, adoré dans le monde entier, continue de captiver les fans à travers de nombreux médias, de l’animation TV aux films, en passant par les jeux et le merchandising, s’imposant comme une oeuvre de tout premier plan à la popularité mondiale exceptionnelle. Aujourd’hui, en 2026, l’anime Dragon Ball Super, basé sur l’oeuvre originale, l’histoire et le character design d’Akira Toriyama, s’apprête à recommencer sous une nouvelle
forme avec Dragon Ball Super: Beerus.

Cette édition AMÉLIORÉE introduit
un grand nombre de scènes nouvellement ajoutées et redessinées, ainsi qu’une narration reconstruite. Grâce à une expression visuelle de pointe, la série propose des scènes de combat encore plus immersives et une représentation plus fidèle du manga original, donnant vie à une édition AMÉLIORÉE comme jamais auparavant.

Plusieurs années se sont écoulées depuis le combat acharné contre Majin Buu, et la Terre a enfin retrouvé un bref moment de paix. Au même moment, Beerus, le Dieu de la Destruction, se réveille de son long et profond sommeil.

Même Kaioshin et le Vieux Kaioshin,
conscients de la puissance écrasante de Beerus capable de détruire des planètes entières, observent son réveil avec une grande crainte… Pendant ce temps, Beerus entend des rumeurs à propos d’un Saiyan ayant vaincu
Freezer et apparaît soudainement
devant Goku.

Pris pour cible par Beerus, l’être le plus puissant de l’univers, la Terre est en grave danger. C’est ainsi que débute un combat cosmique cataclysmique entre le Dieu de la Destruction et Goku accompagné de ses alliés, un affrontement qui ébranlera l’univers tout entier.

Un projet préparé depuis plusieurs années

Selon les informations disponibles, Dragon Ball Super : Beerus n’est pas un projet improvisé.

La production travaille depuis longtemps sur cette reconstruction complète de l’arc Beerus (pour commencer), pensée dès le départ comme un redémarrage officiel de l’anime Dragon Ball Super à la télévision .

Informations essentielles

• Titre : Dragon Ball Super : Beerus
• Format : série TV (édition améliorée)
• Base : œuvre originale, histoire et character design d’Akira Toriyama
• Contenu : arc Beerus entièrement reconstruit
• Nouveautés : scènes inédites, scènes redessinées, narration retravaillée
• Diffusion : automne 2026 au Japon

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Un véritable tournant pour la saga, confirmé lors du Dragon Ball Genkidamatsuri, l’événement célébrant les 40 ans de Dragon Ball.

Une annonce historique au Dragon Ball Genkidamatsuri

C’est sur la scène d’ouverture du Genkidastage Part 1 que la nouvelle a été officialisée.
Masako Nozawa, voix légendaire de Son Goku, et Akio Iyoku, producteur exécutif de la licence, ont confirmé que la production de la nouvelle série avait officiellement commencé.

Après des années de rumeurs, de faux espoirs et de spéculations, Dragon Ball Super revient donc avec une suite directe — pas un spin‑off, pas un remake, mais la continuation exacte de l’histoire laissée en suspens en 2018.

L’arc Moro : une suite directe du Tournoi du Pouvoir

La série reprendra immédiatement après la défaite de Jiren (ou plutôt après le film broly, étant canon, qui se passe juste après l’arc du tournoi du pouvoir). L’arc adapté est celui du Prisonnier de la Patrouille Galactique, plus connu sous le nom d’arc Moro.

Dans cette nouvelle aventure :

• Goku et Vegeta rejoignent la Patrouille Galactique,
• ils doivent traquer Moro, un sorcier millénaire surnommé le Dévoreur de Planètes,
• l’ennemi possède la capacité d’absorber l’énergie vitale des mondes qu’il attaque,
• les enjeux deviennent galactiques, stratégiques et bien plus sombres que dans les arcs précédents.

Cet arc marque un changement de ton majeur : menace cosmique, tension permanente, et un duo Goku/Vegeta confronté à un adversaire qui ne repose pas uniquement sur la force brute.

L’événement a également été l’occasion de révéler un premier teaser vidéo.
On y voit :

• Goku et Vegeta portant l’emblème de la Patrouille Galactique,
• un ton visuel plus sérieux,
• un logo Dragon Ball Super désormais bleu, symbole de l’orientation galactique de cette nouvelle phase.

Une attente encore longue… mais un retour certain

Même si la production est lancée, aucune date de diffusion n’a été annoncée.
Les estimations les plus réalistes évoquent 2027, ce qui laisse penser que Toei veut prendre le temps de proposer une adaptation solide, fidèle et techniquement à la hauteur.

Mais une chose est désormais sûre :
Dragon Ball Super reprend exactement là où il s’était arrêté. L’arc Moro devient le point de départ d’un nouveau chapitre décisif pour l’avenir de la saga animée. Le remake a également été annonce !

Un retour majeur, attendu depuis presque une décennie, et qui ouvre enfin la voie à la suite du manga sur nos écrans.

L’article Dragon Ball Super : l’arc Moro arrive enfin en anime – la suite officielle est lancée ! est apparu en premier sur Kazoku.

La nouvelle extension OP14 Les Sept de la Mer d’Azur débarque dans le jeu de carte One Piece Card Game. Très attendue par les joueurs, elle suscite déjà un fort engouement au sein de la communauté.

Qu’est-ce que l’extension OP14 : Les Sept de la Mer d’Azur ?

OP14, intitulée Les Sept de la Mer d’Azur (en anglais The Azure Sea’s Seven), est la 14ᵉ extension officielle de One Piece Card Game. Disponible en boutique depuis le vendredi 16 janvier 2026. L’extension est centré sur les légendaires Sept Grands Corsaires (Shichibukai) et leurs alliés de l’univers One Piece, avec de nouvelles cartes et de nouvelle mécanique de jeu.

Que contient OP14 – Les Sept de la Mer d’Azur ?

Nous allons retrouver des personnages iconiques du manga, jouables en leader comme Boa Hancock, Crocodile, Mihawk ou encore notre cher mugiwara Jinbe. Dans ce set nous allons retrouver environ 158 cartes ;

Vous pouvez retrouver l’ensemble des cartes sur le site officiel du jeu de carte One Piece card Game sur ce lien :https://fr.onepiece-cardgame.com/cardlist/?series=622114

OP-14 : une extension réussie ?

OP14 fait une excellente première impression, aussi bien pour les collectionneurs que pour les joueurs. Cette extension repose sur un thème très fan service, mettant en avant les Sept Grands Corsaires, avec des personnages emblématiques et populaires comme Doflamingo ou Crocodile.

Elle devrait également impacter la meta du jeu, notamment grâce à l’arrivée de nouveaux leaders aux effets très intéressants, tels que Mihawk et Boa Hancock.

Dans l’une de mes vidéos, je réagis aux nouvelles cartes de l’extension OP14 et j’analyse l’intérêt de chacune d’entre elles :

Je recommande très fortement l’extension OP14, qui coche absolument toutes les cases. Entre un thème très apprécié des fans, des personnages iconiques mis en valeur et des cartes qui ont un impact sur le jeu, cette extension a tout pour séduire aussi bien les collectionneurs que les joueurs compétitifs. OP14 s’annonce clairement comme l’un des sets les plus marquants du One Piece Card Game sur l’année 2026.

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Une sélection variée, allant de la romance au fantastique, en passant par l’adaptation d’un manga culte sur le vin. De quoi nourrir l’attente des abonnés pour l’année à venir.

Tamon’s B-Side (Two F/aced Tamon)

J.C.STAFF – D’après un manga publié par Crunchyroll – Dès le 1er janvier 2026

Synopsis officiel :
Utage Kinoshita est une lycéenne fan absolue du groupe F/ACE, plus précisément de Tamon Fukuhara. Un jour, dans le cadre de son petit boulot de femme de ménage, elle se retrouve nez à nez avec son chouchou. Mais quel choc quand elle découvre sa véritable nature… Loin de l’image du garçon déjanté qu’elle connaît, elle trouve un garçon sombre et très introverti. Mais qu’importe, Utage décide quand même de lui offrir tout son soutien !

Une comédie romantique qui joue sur le contraste entre image publique et réalité intime, portée par l’énergie de J.C.STAFF.

Jack-of-All-Trades, Party of None

Studio42 – D’après un light novel – Janvier 2026

Synopsis officiel :
Trahi par son ami d’enfance et exclu de son groupe des héros dont il était le fidèle enchanteur, Orhun Dura est qualifié par ses anciens camarades de “larbin de service“. Seul, il se lance dans une nouvelle quête en tant qu’aventurier. Son périple donne lieu à des combats explosifs, des rivaux dangereux et des alliés inattendus. Il devra ainsi se surpasser pour dépasser toutes les attentes. Ainsi commence son grand retour en solo !

Une aventure fantasy centrée sur la reconstruction, la revanche et la montée en puissance.

Kujima: Why Sing, When You Can Warble? (Le Cri du Kujima)

Studio Hibari – D’après un manga publié par Lézard Noir – Avril 2026

Synopsis officiel :
Un beau jour d’automne, le collégien Arata Kôda tombe sur Kujima, une étrange créature. Venu manger un morceau chez Arata pour calmer son ventre criant famine, Kujima finit par emménager dans cette maison. L’atmosphère y est malheureusement pesante depuis l’échec du grand-frère d’Arata au concours d’entrée à l’université. Kujima devra passer l’hiver ici, en attendant les premiers jours du printemps.

Une œuvre douce-amère, entre fantastique discret et drame familial.

The Drops of God (Les Gouttes de Dieu)

Satelight – D’après un manga publié par Glénat – Courant 2026

Synopsis officiel :
Le célèbre manga primé sur le vin qui a connu un énorme succès dans toute l’Asie, mais également en France ! Dans cette histoire se déroulant dans le monde viticole, pas de super-héros, mais simplement des personnes ayant une mission à accomplir. Lorsque décède Kanzaki, critique œnologique de renommée mondiale, son testament révèle que sa fortune, une fabuleuse collection de vins, ne revient pas automatiquement à son fils unique, Shizuku. En effet, ce dernier a préféré vivre sa vie en travaillant dans une brasserie. S’il veut toucher son héritage, Shizuku devra identifier douze vins exceptionnels décrits dans le testament…

Un récit initiatique unique, ancré dans la culture œnologique et porté par une aura internationale.

Bungo Stray Dogs WAN! 2

Bones, NOMAD – D’après un manga inédit en France – Courant 2026

Synopsis officiel :
Une bataille épique se déroule secrètement dans la ville de Yokohama où des surdoués utilisent des pouvoirs s’inspirant de figures de la littérature japonaise. Les membres d’une agence de détectives sont notamment en proie avec la mafia portuaire au péril de leur vie. Pourtant, qui pourrait imaginer qu’ils puissent être aussi mignons et plaisanter ainsi sur leur sort ?

Une déclinaison plus légère et humoristique de l’univers de Bungo Stray Dogs, qui joue sur le contraste entre tension dramatique et mignonnerie assumée.

Avec ces cinq acquisitions, Crunchyroll prépare une année 2026 particulièrement dense, mêlant adaptations attendues, nouvelles licences et retours appréciés. Une programmation qui confirme la volonté de la plateforme de continuer à diversifier son catalogue tout en misant sur des œuvres fortes et identifiables.

L’article Crunchyroll enrichit son catalogue avec 5 nouveaux titres prévus pour 2026 est apparu en premier sur Kazoku.

Artiste aux divers talents, elle a su passer de l’animation, au manga en passant par la sculpture avec brio !

Retour sur notre échange !

J’ai vu que vous étiez autodidacte. Est-ce que vous avez des conseils pour en faire un métier ?

Déjà, de bien développer sa patte personnelle. Quand on est autodidacte, il y a beaucoup de gens qui ont tendance à être sous l’influence de certains auteurs ou de certaines tendances. Et l’une des choses qui est très importante quand on veut se lancer, et qu’on n’a pas de diplôme ou de choses comme ça qui attestent d’une capacité, c’est d’extrêmement bien développer sa patte personnelle.

« Quand on est autodidacte, il y a beaucoup de gens qui ont tendance à être sous l’influence de certains auteurs ou de certaines tendances. »

Donc, quand on est autodidacte et qu’on veut se lancer dans l’édition professionnelle, il va falloir trouver sa patte. Il faut passer beaucoup de temps à le faire et, surtout, il faut éviter de trop se comparer aux autres. Il faut vraiment rester sur son optique à soi, son but à soi, et chercher à combler ses propres lacunes. Tout ça, sans forcément penser que le profil qu’on a est le même que celui d’un autre, qui pourrait lui aussi être autodidacte.

Voilà, c’est vraiment un truc : se mettre la tête entre quatre murs et bûcher à fond son truc pour développer sa patte perso. Car, au moment où l’on va se retrouver en concurrence avec les autres autodidactes qui vont proposer des dossiers — surtout ces dernières années, on a vu que ça s’est drôlement développé, il y en a vraiment eu de plus en plus — la concurrence est forte. Donc il va falloir, non seulement être bon, mais aussi faire des trucs vraiment personnels qui se détachent.

Donc pour moi, un autodidacte, vu qu’il n’est pas formé à faire quelque chose de standard, sa force, elle va être dans ce qui le différencie des autres.

Comment est née la collaboration avec Aienkei pour Horion ?

Alors, ça remonte à assez loin. C’est quelqu’un que j’avais rencontré sur un salon de type Japan Expo. C’était d’ailleurs il y a 20 ans. On s’était rencontrés tout à fait par hasard, avec des groupes d’amis qui se connaissaient, mais on n’avait pas parlé ni de scénario, ni de dessin, ni de quoi que ce soit. On s’était juste dit : « Ah ben c’est cool, pour une prochaine édition, ce serait sympa qu’on se retrouve. » Donc on avait pris les adresses les uns des autres pour correspondre.

Et en fait, on s’est rendu compte, en échangeant, que lui, il écrivait drôlement bien. Et moi, en fait, comme je trouvais que ce qu’il écrivait, c’était super chouette, mais que j’avais pas ce niveau d’écriture, je décorais de plus en plus les envois que je lui faisais.

On s’est découvert qu’en fait, il avait une âme de scénariste et moi de dessinatrice. Les années ont passé comme ça, on est restés amis et tout. On a commencé à parler de ce qu’il aimait écrire, des personnages qu’il imaginait, etc. Et moi, je prenais beaucoup de plaisir à les dessiner, à les mettre en image. Car forcément, quand on écrit des histoires, l’un des trucs qui fait surtout plaisir, quand on est dans l’univers du manga, c’est de voir apparaître ses personnages. J’adorais faire ça, parce que j’avais pas spécialement des idées de scénario. Donc j’étais hyper inspirée par les siennes, et j’ai commencé à dessiner ses persos.

De fil en aiguille, en fait, on s’est dit : « Ah, euh, on pourrait faire un projet de fanzine qui reprendrait ces persos… enfin, des histoires que toi tu écris, et moi je mettrais tout en image. » Et c’est ainsi qu’est née la première mouture d’Horion. Elle est apparue dans les années 2000, où justement on avait fait un petit fanzine — enfin, qui faisait quand même 80 pages — avec des planches et du texte qui présentaient déjà des personnages qu’on retrouvera d’ailleurs dans le Horion moderne.

C’était l’époque où on avait nos études, le boulot, tout ça. Donc tout ça, c’est resté en arrière-plan pendant qu’on faisait le travail, les cours et tout. Puis, passé un certain stade, où j’ai travaillé dans une entreprise où l’on faisait du jeu vidéo et du dessin, on s’est dit : « Ah là, quand même, on commence à connaître les ficelles du monde professionnel pour les avoir côtoyées et tout. Ce serait peut-être carrément bien, en fait, de reprendre le projet qu’on a toujours développé en arrière-fond pendant toutes ces années, de lui donner un coup de jeune et de faire un dossier de présentation pour les professionnels. »

Et en fait, c’est comme ça qu’on en est arrivés là. On a fait ce dossier, on l’a envoyé aux éditeurs, et il a été pris tout de suite, dans les six mois. C’est comme ça qu’on a pu créer le nouvel Horion. Donc Horion, il remonte à super loin, il a beaucoup évolué, mais c’est toujours lui qui est arrivé à la fin chez Glénat.

Justement, entre le fanzine et maintenant, il y a eu quoi comme vraies différences ?

Bah déjà, graphiquement, il s’est passé tellement d’années… C’est plus du tout pareil. J’ai fait énormément d’expériences au niveau graphique, au niveau des mises en page, des plans caméra, tout ça.

J’ai beaucoup mûri. Entre le moment où on est étudiant et le moment où on est dans le monde professionnel, il y a beaucoup de choses qui changent.

Et le rapport aux éditeurs, les attentes des éditeurs aussi ont beaucoup changé. Donc, fut un temps, par exemple, on nous demandait beaucoup de faire du manga qui était assez hybridé avec la BD. Les éditeurs avaient toujours pris pour habitude d’exploiter le style européen. Et le manga de création, faut quand même bien le dire, il y a 20/25 ans en arrière, il n’en était absolument pas question. Donc, il y a bien eu deux ou trois tentatives, mais elles étaient un peu vues comme des ovnis. C’était pas du tout un label qui existait chez les maisons d’édition. Alors qu’ils commençaient déjà, quand même, à bien battre leur plein avec l’importation et la traduction de mangas. La création, c’était déjà plus difficile.

Donc après, ils se sont rendus compte qu’en fait, il y avait énormément de gens de notre génération — des personnes nées entre la fin des années 80 et les années 90 — qui s’étaient énormément entraînés. Du coup, le style est devenu beaucoup plus mature. Et par rapport aux fanzines, c’est devenu plus personnel. Il commençait à y avoir du développement personnel, des univers personnels, beaucoup moins de fanarts, de trucs comme ça.

Et pour moi, d’un point de vue auteur, la différence principale, elle va être très terre à terre. C’est que quand un éditeur nous gère, on n’a pas à faire toute la distribution, ces choses-là. Quand on fait du fanzinat, le souci, c’est qu’il faut penser à chercher où est-ce qu’on va faire imprimer, il faut qu’on ait la place pour les stocks.

C’est comme l’autoédition maintenant. Sauf qu’à l’époque, en plus, il n’y avait pas Internet, ni tout ça, développé comme aujourd’hui. Il n’y avait pas de sites exprès pour faire du print. Donc les fanzines de mon époque, c’était assez rude.

Donc la grande différence, déjà techniquement, avec la vie en édition, c’est que là, on a quelqu’un qui manage nos sorties, les promos, les trucs comme ça. Et puis après, d’un point de vue vraiment du bouquin : il y a mes premières moutures, elles n’étaient pas jolies, alors que maintenant, ça profite de toute l’expérience que j’ai eue. Et donc le bouquin est beaucoup plus beau que le fanzine.

Même scénaristiquement, il y a eu beaucoup de changements ?

Oui, complètement. On a tous mûri, on a tous grandi, on a pris le temps justement de réfléchir. Et puis, l’optique de le faire pour une plus large distribution que quand on fait du fanzine, ça permet aussi de considérer le lectorat. D’essayer de se projeter un peu plus que juste avec un cercle un peu fermé.

Le fanzine, à l’époque, c’était quand même des cercles assez fermés, où c’étaient vraiment souvent les fans qui parlaient aux fans. Alors que là, quand on fait du manga pour les professionnels, c’est beaucoup plus large, soudainement.Donc, on a pris de la bouteille, on est plus grands, on a vécu plus de choses dans la vie. Du coup, on n’appréhende pas la façon dont on va dessiner ou scénariser de la même manière.

« La motivation intrinsèque de départ, elle est restée exactement comme au départ. »

Par contre, pour ce qui est vraiment du fond, c’est-à-dire la motivation de départ et tout, ça n’a pas changé du tout.C’est juste vraiment dans la forme : on a appris à présenter les choses, à les rendre plus fonctionnelles. Donc il y a une différence, mais la motivation intrinsèque de départ, elle est restée exactement comme au départ.

Encore une fois, là c’est une chance : quand on travaille, nous, avec Glénat, ils nous laissent vraiment faire. Ils nous font vraiment confiance sur le développement du projet.C’est quelque chose qu’on peut demander à ne pas avoir, c’est-à-dire que, quand on est un jeune auteur, on peut demander à être supervisé et suivi par son éditeur.

Mais il se trouve que, nous, dans notre cas, comme le projet était bien étudié, notre éditeur est toujours là quand on demande, mais il n’est pas là à nous corriger ou à nous fliquer. Donc ça, pour nous, c’est OUI !

Pour Horion, vraiment, on a une super liberté, et ça, c’est hyper bien.

Il y a combien de temps à peu près pour la création d’un tome ?

Alors, normalement, c’est un an, mais il m’arrive souvent de dépasser un peu.Ça dépend de plein de choses : la vie personnelle, quand on est indépendant, des fois ça prend un peu le dessus, plus ou moins, sur le travail.

Comme j’expliquais plusieurs fois, quand on bosse en entreprise, on peut vraiment faire une distinction entre la vie personnelle et la vie professionnelle.Alors, ça n’a pas toujours des super avantages — la plupart du temps, d’ailleurs, ça n’en a pas. Comme je disais, on ne voit jamais chez soi, on ne voit pas sa famille, on ne voit pas ses animaux… Enfin, c’est très difficile.Nous, on n’a pas ces désavantages-là quand on est indépendant.

Mais par contre, la vie personnelle est beaucoup plus fusionnée avec la vie professionnelle.Comme on bosse à la maison, il arrive des fois que, sans réel gros événement, on soit extrêmement ralenti dans son travail.

Donc moi, en général, ça fait un an, parfois un an et demi entre chaque tome. Les trois premiers étaient sortis vraiment à un an d’intervalle — enfin, le premier et le deuxième, moins — après, on était rentrés dans un rythme de production un peu plus posé : c’était un an.Et quand il y a eu le Covid, là par contre, euh… j’ai mis plus. Le 5 est ressorti l’année d’après le 4. Mais par contre, là, pour le 6, normalement, il aurait dû sortir cet été, mais au final, il va être certainement pour la fin de l’année. Ce qui fera, du coup, plus d’un an.

Il y a des trucs, des machins, même pas des trucs énormes, mais qui font que c’est ralenti. C’est assez difficile, cette part-là du travail d’indépendant : justement, d’avoir une différenciation, enfin de réussir à se couper des problèmes, des soucis de santé, parce qu’on reste dedans, on travaille en étant toujours sur le même lieu.

Quand il y a quelqu’un qui ne va pas bien dans la famille ou quoi, bah, on est avec. Donc, des fois, c’est un peu difficile et ça ralentit le travail.

Il y en a qui arrivent très bien à le gérer, hyper bien. Moi, des fois, vraiment, pour le coup, ça déborde, et puis pendant une semaine, j’aurais pu rien faire. C’est pas bien.

Tiff : Du coup, les fans sauront à cause de qui ça traîne (rires)

Enaibi : Ah oui, mais de toute façon, ça ne peut être que moi, je suis en bout de chaîne ! (Rires)

Il y a beaucoup de personnages dans Horion. C’est environ combien de chara designs différents avant de trouver le bon ?

Oui, ça dépend des personnages, très honnêtement, c’est très aléatoire. Les premiers, qu’on voit d’ailleurs beaucoup dans le tome 1… alors pas pour les deux personnages principaux, qui eux ont été ajoutés exprès pour le projet de *Horion* moderne — comme je fais la distinction entre l’ancien et le moderne. Mais la plupart des personnages qu’on voit dans la cité de Landgrave — la cité principale, là où les personnages principaux se rendent — ont été repris du projet initial.

Donc eux, ça va, je les ai mis à jour, mais j’ai pas eu besoin de les refaire. Il y a des choses qui ont été revues selon mes goûts d’aujourd’hui et selon ma façon de dessiner d’aujourd’hui, qui a bien évolué quand même. Mais au moins ceux-là, j’ai pas eu à les refaire.

Pour les personnages nouveaux, très honnêtement, c’est très aléatoire. Il y a des personnages qui sortent vraiment très vite. Et il y en a d’autres, alors qu’ils apparaissent pas beaucoup, je galère pendant trois mois.

En fait, Aienkei, lui forcément, comme il écrit, il a une image du personnage. S’il faut qu’il le fasse vivre, il faut qu’il le connaisse. Donc il se fait un personnage dans sa tête, avec un caractère et tout ça, mais ça reste un fan de manga. Donc forcément, il a un genre de guide graphique dans sa tête pour voir ce personnage au moment où il écrit, pour s’imaginer ses scènes et tout. Simplement, après, moi quand je lis le script, c’est pas forcément exactement la même chose.

Ou alors, j’essaie de proposer quelque chose qui va justement sortir du premier standard auquel on aurait pensé. Comme il ne le représente pas, il n’est pas non plus obligé d’être précis. Il me dit : “Oui, c’est un personnage, il est comme ci, comme ça, je le verrais bien du coup avec plutôt une coiffe en pétard parce que ça correspond au caractère que je voudrais qu’il évoque tout de suite quand on le voit en image.” Mais des fois, moi je me dis : “Ah ouais, mais un personnage avec des cheveux en pics, j’en ai déjà un qui est comme ça. J’aimerais bien du coup varier mes motifs.”

Je suis quelqu’un qui aime énormément appuyer la caractérisation de ses personnages, mais jamais en tombant dans la caricature. Et du coup, parfois, mes premiers jets ne lui plaisent pas du tout.

Alors du coup, faut que je les reprenne jusqu’à ce qu’on arrive à la croisée des chemins — le moment où, entre sa vision et ce que j’ai envie de dessiner, ça correspond à peu près. Il y en a, vraiment, ça a été long, et il y en a, ça a été vraiment hyper rapide. Genre : “Oui, ben je vois un gars un peu sombre avec les cheveux machin”, paf, c’était Lupa — personnage d’*Horion*. Pour les fringues, j’ai fait le truc le plus simple, et en fait, c’était parfait.

Et il y en a d’autres où je me dis : “Moi j’aimerais bien les cheveux longs”, et il me dit : “Bah non, absolument pas des cheveux longs, faut des cheveux courts.” Alors on se galère pendant un quart d’heure pour choisir la longueur des cheveux. Juste ça déjà, et on n’est pas encore arrivé à la suite. Donc oui, c’est très aléatoire en fonction du personnage, ça.

Quelles sont vos sources d’inspirations de manière globale ?

Le problème, c’est qu’elles sont extrêmement globales. C’est-à-dire que même graphiquement, je ne suis pas quelqu’un qui ne regarde que du manga ou de l’animé. Évidemment, dans mon apprentissage, quand j’étais adolescente et que je commençais vraiment à dessiner en bûchant, j’ai regardé beaucoup de mangas et d’animés.

« J’ai pioché un peu dans tout ce qu’il y avait à cette époque-là, dans le sens où il y avait parfois des aspects techniques qui me plaisaient chez certains auteurs »

Le truc, c’est que moi, dans les années 90, c’était l’époque où il n’y avait pas autant de traductions de mangas en français qu’aujourd’hui. Et en fait, j’avais la chance d’avoir une sœur aînée qui faisait partie des pionniers de l’importation de mangas et compagnie — les premiers magazines, les premiers fanzines et tout. Les premières conventions, les trucs comme ça. Et ils faisaient de l’import un peu à l’aveugle. C’est-à-dire qu’on achetait des choses sans forcément les comprendre, parce qu’on n’avait pas l’âge d’apprendre le japonais encore.

Et donc, j’ai passé en revue énormément de choses parce que je les avais à disposition chez moi. C’était ma sœur qui avait une bibliothèque énorme, et puis ça défilait : il y avait du courrier, des correspondances, des tas de trucs. Et donc, j’ai pioché un peu dans tout ce qu’il y avait à cette époque-là, dans le sens où il y avait parfois des aspects techniques qui me plaisaient chez certains auteurs — des encrages, des façons de représenter les yeux, les cheveux, ou de texturer les décors et tout ça. Et donc, j’empruntais un petit peu à tout le monde.

Il y en a certains qui sont revenus plus souvent, il y en a d’autres sur lesquels je me suis attardée, mais que j’ai complètement abandonnés derrière, parce que finalement ça ne me correspondait absolument pas. Je trouvais que c’était beau en illustration, mais pour ce qui était des planches, ça ne rendait pas l’esprit que je voulais.

C’est comme ça que, du coup, je me suis beaucoup plus rabattue sur du shōnen que sur du shōjo.

La plupart des dessinatrices dessinaient énormément de choses très shōjo quand on faisait du fanzine. Moi, je n’étais pas du tout de cette catégorie-là. Je voulais vraiment apprendre à dessiner des corps plus que des visages jolis ou des cheveux jolis. Je voulais savoir dessiner les mains, les pieds, les machins. C’est ça qui me passionnait : les pantalons, les machins, les bidules… Savoir la tête des personnages, c’était vraiment assez secondaire.

Donc ouais, voilà, je me suis encore perdue.

Ça a presque embrayé un peu sur une autre question, parce que j’allais demander s’il y avait une référence particulière dans le manga ? Genre un mangaka ?

Bah en fait, en termes d’esprit, il s’est trouvé qu’avec Aienkei, on s’était bien trouvés là-dessus.

Mais si vraiment, je parle de quand j’avais 12 ou 13 ans, moi, le truc qui me passionnait, c’était Yoshihiro Togashi, l’auteur de Hunter x Hunter, qui, à notre époque à nous, dessinait Yu Yu Hakusho. Et ça, j’aimais beaucoup, parce que c’était un gars qui faisait du shōnen — et toujours encore aujourd’hui — mais un shōnen qui est bizarre.

Ce qui est assez bien, en le prenant en exemple, c’est que c’est quelqu’un qui ne dessinait pas spécialement hyper bien, mais qui faisait beaucoup de personnages très variés, très mignons. Alors techniquement, ce n’est pas quelqu’un qui va m’apporter énormément de choses, mais dans mon graphisme, par contre, ce décalage qu’il y a entre ses persos mignons et les trucs abominables qui leur arrivent… Et tout ça reste du shōnen, mais franchement, des fois c’est borderline. Je trouve que c’est une super source d’inspi.

Dans le sens où si Horion pouvait — non pas être pareil — mais éveiller le même sentiment auprès des lecteurs que ce que lui a réussi à nous insuffler, à moi et à Aienkei, je serais ravie. J’adorerais que ça corresponde. Donc c’est vrai que ce gars, c’est un peu le mangaka dont l’état d’esprit m’influence, dans le sens où j’ai adoré sa façon de travailler et d’aborder le manga.

Justement, où il se dit : « Ouais bah c’est pas grave, des fois c’est pas bien dessiné, mais on s’en fout, c’est l’histoire qui compte. » Je trouve ça hyper kiffant, en fait.

Un projet manga en solo vous intéresserait ?

Non, je ne pense pas. Déjà, quand j’étais adolescente, je m’étais bien rendu compte que, pour avoir un super bon niveau de dessin, il faudrait que je mette l’histoire de côté. Parce que ça prend énormément de temps de se développer personnellement. Alors, j’ai quand même mes bases, je pourrais faire un truc normal et qui serait beau.

Mais des choses qui ont des histoires normales et qui sont belles, des mangas comme ça, il y en a déjà pléthore. Le but, c’est pas juste de faire l’exercice de dessiner. J’ai vraiment envie de faire vivre des personnages qui sont intéressants, et je ne me sens pas à la hauteur, en fait, de faire ça.

Je pourrais éviter les gros pièges, parce que voilà, maintenant je suis plus cultivée sur le scénario, le cinéma, les trucs comme ça. Aienkei, c’est quelqu’un qui se renseigne tout le temps et qui nous fait voir des choses régulièrement — voire tous les jours — sur le cinéma, des documentaires… justement pour éviter les gros pièges. Donc ça, ça irait.

Mais très honnêtement, je ne pense pas que ça casserait la baraque. Donc euh… non, tant que je peux continuer de travailler avec quelqu’un qui est largement supérieur à moi en écriture, je préfère largement.

Alors, j’ai vu que vous aviez déjà travaillé sur des celluloïdes des personnages d’Horion et des animations. Est-ce qu’il y aurait un projet d’animé dans les tiroirs ?

Alors ça, je ne peux rien certifier du tout. En soi, officiellement non. Si ça avait été le cas, je l’aurais déjà annoncé avec fracas. Mais par contre, c’est vrai qu’étant donné qu’on a constaté qu’il y avait certaines licences, ou en tout cas des auteurs de manga en France, qui commençaient justement à avoir des studios qui s’intéressaient à leur cas…

Moi, évidemment, comme beaucoup de jeunes de quand j’étais ado, les animés, j’aimais autant ça que les mangas papier. Et un des grands kiffs qu’on a toujours eu, c’était de s’imaginer nos persos : comment ils rendraient s’ils étaient travaillés pour être adaptés en anime.

Et j’adore cet exercice. C’est pour ça que j’ai fait mes chara designs, les fiches de model sheets pour les personnages.

Tiff : C’est tout prêt.

Enaibi : Ah oui, ils n’ont qu’à signer ! Moi, c’est bon, je peux filer tous les dossiers, tout est là. Mais rien d’officiel du tout.

Par contre, oui, l’exercice en lui-même me plaît. Je ne fais pas d’animation. J’ai fait des petits trucs en sketch et autres, mais les plus jolies choses, ce sont des gens qui travaillent dans l’animation qui nous les avaient soumises.

C’est toujours un grand kiff de les voir. Et justement, ça permet de tester, de voir un peu à quoi ça pourrait ressembler. Je trouve que ça pourrait être un plus, effectivement, si un jour quelqu’un de sérieux, ou en tout cas de volontaire à lancer une série, se disait : “Ah tiens, ça pourrait donner quoi là ?” Il y a des petits exemples et tout. Je me dis que c’est pas mal. C’est peut-être convaincant.

Ça vous intéresserait de travailler avec quel studio par exemple ?

Alors malheureusement je ne suis pas une grosse calée en studio, mais sinon Fortiche (studio derrière Arcane) !

Tiff : Moi je pensais à La chouette compagnie.

Enaibi : Non mais c’est bien aussi ! Mais je pense à Fortiche, parce qu’ils ont une scène dans Arcane qui est complètement reprise d’un chapitre du dernier tome d’Horion qui est sorti. Alors, on avait déjà remarqué des similitudes passées sur la saison 1.
On s’est donc dit qu’il y a quelqu’un qui lit Horion dans l’équipe. Mais alors sur la saison 2, c’est signé en gros : “Bonjour, on lit Horion.”

Donc voilà, s’il nous entend celui-là, on est prêt hein ! On veut bien prêter l’œuvre en entier, pas juste un chapitre. Allez-y.

Du coup de l’animation 3D ? (intervention de LavisdeBen le goat)

Pour le coup, Arcane, il n’y avait rien à redire. C’était de la 3D, mais c’était magnifique. Et l’idée de mettre tous les FX en 2D, ça donne un cachet. Moi, ce mélange-là, je veux bien.
Tout en 3D, j’ai rien contre. Évidemment, tout en 2D, je prends en premier, mais là, le mélange qu’ils ont réussi à faire, il est parfait. Voilà, c’est ça. Eux, c’est vraiment l’exception.

Tiff : Puis le mélange des techniques aussi.

Enaibi : Non mais l’idée du mélange, les textures illustrées sur les persos et les FX en 2D, c’est un truc de fou. Je suis complètement fan de la technique.

Je passe un peu sur un autre champ qui est totalement à part. J’ai vu que vous aimiez la création de Doll. Est-ce que vous pensez un jour en faire quelques-unes à l’effigie des héros d’Horion ?

Ouais. Évidemment, évidemment, évidemment. En fait, de base, le craft en général, c’était un truc que j’adorais. C’est un truc sur lequel on s’est collé avec mes sœurs aînées quand j’étais toute petite et que j’ai jamais lâché. C’est pour ça que j’ai commencé à dessiner. Faire de la sculpture, de la pâte à modeler, tout ça, c’était le grand kiff pour moi. Il n’y avait rien de mieux. Plutôt que de m’acheter un jeu, il fallait m’acheter un paquet de pâte à modeler. C’était trop bien.

Et donc quand j’ai découvert l’univers des BJD — les fameuses dolls — ce que j’avais trouvé formidable, c’est que ça redonnait un coup de jeunesse aux poupées figées, pas très intéressantes quand on était gamin. Là, elles avaient un design extrêmement asiatique. L’intérêt des BJD a été relancé par le Japon avec la grande marque Volks. Et eux, la première chose qu’ils ont faite, c’est créer des modèles très esthétisés, à la japonaise. Ensuite, ils ont même fait des produits dérivés d’animés : des dolls à l’effigie de leurs personnages principaux, et tout.

Donc forcément, quand on aime le manga, et que quand on était gamine on rêvait d’avoir des garage kits ou des figurines — parce que c’est avoir le personnage “en vrai” — là, c’était encore mieux : c’était l’avoir en vrai, en grand, habillé, articulé. Donc ça a été irrésistible de s’y mettre.

Et évidemment, avec Horion, ça me prend beaucoup de temps, donc c’est pour ça que je peux pas le faire. Mais évidemment qu’en faisant ça, on n’a qu’une envie, c’est de créer le personnage avec ses petites fringues — enfin, un cosplay en poupée quoi.

Votre objectif artistique ? Un objectif à atteindre ?

Avoir une adaptation animée, j’aimerais bien. Ça voudrait dire que je suis assez bonne.

Non, mais après très honnêtement, le truc qui m’intéresse dans la démarche que je peux appliquer encore aujourd’hui, c’est de continuer à évoluer. Ne pas avoir l’impression de stagner. Alors, c’est pas un but précis en soi, mais tant que je peux encore apprendre de nouvelles choses et réussir à les restituer correctement, sans me sentir dépassée ou quoi que ce soit, moi je reste motivée. Tant que le dessin m’apporte toujours autant, c’est bon.

Mais j’ai pas de but arrêté. Je ne me dis pas : “Quand j’arriverai à ce truc-là, ce sera bon, j’aurai réussi.” Je pense que personne, en vrai, dans le monde artistique, ne pense comme ça.

Déjà rien que se dépasser, c’est un moteur. On se met des petites étapes, et à chaque fois qu’on en passe une, on voit déjà la suivante. C’est ce qui nous fait continuer à avancer, à vivre. C’est ce qui fait qu’on n’a jamais envie d’arrêter. On se dit toujours : “Ah tiens, demain je ferai ça.” Et dans le dessin, c’est exactement pareil. Il y a toujours quelque chose à apprendre, à mieux maîtriser. Toujours des petits détails à corriger, des aspects sur lesquels on ne s’était pas vraiment surpassé.

Là, par exemple, ce que j’aimerais, c’est mieux gérer mes décors, mes textures de décor. Les personnages, ça commence à aller, mais j’aimerais qu’ils soient encore plus expressifs. Ouais, c’est des petites choses comme ça qu’on peut toujours améliorer.

Et à chaque fois que je fais un nouveau tome, j’essaie d’améliorer un peu tout ça, pas à pas. Et je continuerai… jusqu’à ce que je tienne plus debout.

Est-ce que vous avez une idée de la durée de la série ?

Assez flou, honnêtement. Je pense que ce sera au moins dix tomes, et sûrement moins de vingt. Je sais pas, dix, douze, treize, quinze… quelque chose comme ça. J’en sais rien.

En fait, avec le scénario, on ne se coupe jamais de la possibilité d’avoir une nouvelle idée. Et à partir du moment où l’éditeur est d’accord, je vois pas pourquoi on s’en priverait. On n’a donc pas établi quelque chose d’extrêmement carré dès le départ, parce que faire du manga, c’est long — il faut au moins un an par tome. Les idées qu’on avait dix ans plus tôt, forcément, elles évoluent. Et figer ça, ce serait se priver de toute l’évolution qu’on a eue nous-mêmes en avançant sur la série.

Donc oui, on a une ligne directrice, mais elle peut bifurquer à tout moment. Pour l’instant, on suit cette trajectoire, mais ça ne veut pas dire qu’il n’y aura que ça, ni que ce sera précisément en douze ou treize volumes. Je ne peux vraiment pas le dire.

Déjà, à la base, on devait s’arrêter à cinq tomes pour clore un premier arc, et finalement, on a rajouté des événements, donc ça fait sept. Et je sais qu’après le sept, c’est pas encore fini. Donc… on verra bien jusqu’où ça nous mène.

Et pour finir, si vous avez trois ou quatre mots pour convaincre nos lecteurs de lire Horion

Alors Horion, c’est un manga où vous pensez lire quelque chose et ce n’est pas ce que vous allez découvrir du tout.

C’est un manga qui est extrêmement intriguant et qui peut avoir plusieurs niveaux de lecture.

C’est un manga qui est extrêmement intriguant et qui peut avoir plusieurs niveaux de lecture. Donc c’est intéressant. C’est un manga qui se relie pour vraiment capter les subtilités.

Mais attention, quand je parle de subtilités, je ne parle pas de complexité. C’est des choses qui sont là, mais quand on lit une fois ou deux, des fois on passe complètement à côté et plus les tomes avancent et plus on fait « mais je l’ai pas vu arriver celle-là. Je ne sais pas comment c’est possible ». Aienkei travaille énormément ses scénarios comme ça. Ça pour moi c’est c’est ce qui en fait le sel.

Tiff: Je suis totalement d’accord. On s’attend à quelque chose et c’est pas ce qu’on lit.

Enaibi: Et même avec le design, il y a beaucoup de gens justement. Et c’est pour ça que j’avais rigolé avec Togashi parce qu’on nous disait « Ah, il ressemble beaucoup à Gon. » Ouais ben tu vas voir ce qui lui arrive. Ça ressemble pas à Gon. Mais ça, c’était notre petit clin d’œil à notre maître adoré.

Donc voilà, on a concédé cette image du shonen, qui elle lui-même était inspirée de Dragon Ball, qui lui-même est inspiré d’Astroboy, enfin une longue histoire d’héros de shonen.

Pour moi Horion c’est ça, c’est des surprises.

Donc on a voulu aussi lui faire notre hommage en incluant ce type de personnage mais c’est que physique en fait. Pour le reste de l’histoire justement, il lui arrive pas du tout les choses qu’on on était habitué à voir sur ce type de personnage. Donc voilà pour moi Horion c’est ça, c’est des surprises.

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Le Synopsis

La cité interdite est un lieu dangereux, c’est du moins ce que raconte la rumeur. Koza n’ignore pas ce danger mais il est prêt à le braver pour retrouver son grand frère. Plein d’espoir, il se lance à sa recherche sans se douter qu’il suit les traces d’un fantôme…

Mon avis

Horion, c’est un récit fantastique avec des personnages complexes et attachants, un scénario ultra bien ficelé et un chara design efficace. Une découverte bien trop tardive à mon goût, mais un réel coup de cœur.

Un manga à 4 mains et ça se ressent, mais pas négativement. Le fait que deux personnes travaillent sur ce projet permet l’osmose de deux sensibilités différentes. Mais d’avoir un univers complet, varié avec une profondeur peu commune dans le shōnen.
Car oui c’est bel et bien un shōnen avec ses codes classiques, mais pas que. Si on s’attarde un peu sur l’œuvre, Horion est bien plus qu’un simple shōnen. C’est une histoire complexe, qui ne se base pas que sur le dépassement de soi ou une recherche de palmarès.

« Ne rien faire par peur d’échouer, c’est ne rien faire pour réussir » Koza

Koza, personnage principal, part en quête de son frère, pour au final finir par chercher un sens à sa vie et une famille. En effet, si on se penche un peu sur la question les éveillés forment, à mon sens, une grande famille.
Aienkei nous offre un scénario riche en rebondissements qui s’ancre dans un univers fascinant.
Le tout est sublimé par le travail d’Enaibi qui nous propose des planches détaillées et chiadées.

Horion propose un panel de personnages intéressants avec de belles évolutions, tant au niveau de leur personnalité qu’au niveau du design. Le design des personnages est d’ailleurs un gros point fort du manga. Après comme disait Enaibi lors de notre interview, elle fait un gros travail de caractérisation sur chaque personnage. Une volonté qui se ressent et est très plaisante.

Personnellement, j’ai beaucoup été touchée par le chara-design des personnages. Surtout celui des personnages féminins (coucou Nyrkki et Séléné qui sont magnifiques). Et également par l’évolution du trait d’Enaibi. On ressent une évolution dans chaque tome et j’ai vraiment hâte de voir ce que va donner la suite.

En bref, Horion c’est un manfra à ne pas louper. Il est porté par deux passionnés qui nous proposent un univers riche rempli de personnages attachants. Perso, j’ai lu les 5 tomes d’une traite et j’espère vraiment que vous apprécierez autant que moi.

Ma note 18/20

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Le synopsis

Ensemble, nous irons plus loin.

En difficulté scolaire depuis des années, Yamato Kobayashi se donne des airs de mauvais garçon et enchaîne les petits boulots en dehors des heures de cours, sans jamais tenir sur la durée. 

Jusqu’au jour où Keisuke Uno est transféré dans sa classe…

Pris de panique lorsqu’on lui parle avec trop d’insistance, incapable de faire plusieurs choses à la fois, ce lycéen pas comme les autres peine à gérer les aspects les plus “normaux” de la vie quotidienne, mais il s’accroche grâce à une multitude d’astuces qui lui permettent d’avancer. 

Kobayashi, qui se reconnaît en Uno, tente alors de changer, lui aussi…

Mon avis

Et si nos différences étaient nos forces ? Même celles qui paraissent être des faiblesses ?
C’est l’un des messages forts que j’ai ressentis en lisant les pages de Promenons-nous dans l’espace.

La neuroatypie au cœur du sujet

Ce manga traite de sujets capitaux et peu abordés sur ce support : la neuroatypie et les différences qu’entraînent cette dernière. Anxiété sociale, introversion, difficultés à communiquer obsession…

Si rien n’est encore affirmé, dans ces premières pages, on retrouve certaines caractéristiques de l’autisme chez Uno. Ce qui laisse penser qu’il en est atteint et qu’on le découvrira au fil de notre lecture avec Kobayashi. Il y a fort à parier qu’on découvrira également une neuroatypie chez Kobayashi au vu de ses difficultés à se concentrer (peut-être un TDAH ? ).

Une chose est sûre, le récit suit deux personnages attachants qui font face à des difficultés qu’ils ne peuvent que difficilement contrôler. Leur rencontre fait office de déclic auprès de chacun, et va leur permettre de se découvrir pour l’un et s’ouvrir au monde pour l’autre.

Un slice of life qui pousse à la tolérance

Inuhiko Doronoda nous offre aussi un grand message de tolérance, d’acceptation de soi avec une belle morale, « il ne faut jamais juger sur les apparences ».

Kobayashi est victime de son apparence de voyou. Uno lui souffre de sa neurotatypie, ce qui en fait une cible dans sa scolarité. Un duo improbable, mais au final qui matche bien. Sûrement ce qu’on appelle » les atomes crochus », comme dirait leur prof. Le duo est attachant comme l’ensemble des personnages déjà présentés.

Promenons-nous dans l’espace, propose une lecture plaisir, ou comme j’aime le dire « c’est doux à lire », où l’on se laisse transporter dans le quotidien des protagonistes.

Et j’en profite pour faire un petit clin d’œil à Insomniaques de Makoto Ojiro. Lisez ou regardez-le ! -Vraiment ! Car vraiment les deux œuvres se font écho. Donc si vous appréciez l’un ou l’autre de ces mangas je vous conseille le second.

Si je peux vous donner un conseil foncez ! Ce manga est original de par son histoire et les sujets abordés et se lit très facilement ! Personnellement j’ai très hâte de lire la suite et d’en savoir plus sur les aventures de nos 2 protagonistes !

Ma note : 17/20

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Rocks D. Xebec, le capitaine effacé de l’Histoire

Son vrai nom était Davy D. Xebec. Le gouvernement mondial s’est acharné à effacer son souvenir, preuve de la menace qu’il représentait. Xebec ne rêvait pas de trésors ni de liberté : il voulait devenir « roi du monde ». Stratège brutal et chef charismatique, il parvint à réunir sous sa bannière les pirates les plus incontrôlables. Sa chute à God Valley face à Roger et Garp fut si retentissante que même son nom devint tabou.

Edward Newgate, le futur Barbe Blanche

Avant de devenir le légendaire Barbe Blanche, Edward Newgate fit ses armes au sein de l’équipage des Rocks. Déjà reconnu pour sa force colossale et son sens de la fraternité, il se distinguait des autres membres par une vision plus humaine de la piraterie.

Là où Xebec rêvait de chaos et de domination, Newgate aspirait avant tout à une “famille”, un équipage qui serait le sien. Sa présence aux côtés de monstres comme Kaido, Big Mom ou Shiki souligne à quel point les Rocks rassemblaient l’élite du monde pirate. Mais God Valley mit fin à cette époque, et c’est de ses cendres que naquit le Barbe Blanche que l’on connaît : le père d’innombrables pirates, mais aussi l’homme que beaucoup considèrent comme le plus proche du Roi des Mers.

Charlotte Linlin, déjà Big Mom

Encore jeune, mais déjà terrifiante, Charlotte Linlin faisait partie des Rocks. Déjà dotée d’une force inhumaine et d’une voracité effrayante, elle semait la terreur autour d’elle. Xebec l’avait comprise : Linlin n’était pas une recrue ordinaire, mais une arme vivante. Cette gamine allait grandir pour devenir Big Mom, l’une des figures les plus redoutées de l’histoire.

Chez les Rocks, elle n’était encore qu’un chaos brut, une tempête en formation, prête à éclater et à engloutir tout sur son passage. A cette époque, elle avait déjà commencée à avoir des enfants, on apercoit d’ailleurs katakuri jeune, présent avec elle !

Kaido, le dragon en devenir

À l’époque des Rocks, Kaido n’était encore qu’un apprenti, mais son potentiel éclatait déjà aux yeux de tous. Sur God Valley, il survécut là où tant d’autres périrent, et c’est dans cette période qu’il tissa ses liens avec Big Mom, qui lui offrit le Uo Uo no Mi, fruit qui allait faire de lui la créature la plus proche d’un dieu. L’histoire de Kaido dans l’équipage des Rocks est celle d’un jeune monstre en gestation, une force brute qui attendait son heure pour se déchaîner sur le monde.

Shiki, le Lion d’Or

Shiki est sans doute le plus célèbre des Rocks après Xebec. Pirate flamboyant, stratège impitoyable, il voyait plus grand que quiconque : renverser le Gouvernement Mondial, rien de moins. Sa rivalité avec Gol D. Roger, qu’il défia lors de la légendaire bataille d’Edd War, marqua l’histoire à jamais.

Mais avant de devenir ce Lion d’Or indomptable, Shiki fut un acteur majeur de l’équipage des Rocks, participant aux campagnes les plus ambitieuses de Xebec. Même après God Valley, son nom resta gravé dans l’imaginaire collectif comme celui d’un pirate capable de rêver plus fort que les autres.

Buckingham Stussy, l’originale

Membre des Rocks Pirates, Buckingham Stussy se distinguait par son influence plutôt que par la force brute.

Plus tard, les MADS créeront un clone d’elle, Stussy, qui infiltrera le CP0, preuve de son importance dans l’histoire. L’originale, elle, a marqué son époque par son ambition et ses liens complexes, notamment son attirance supposée pour Barbe Blanche.

Son héritage le plus direct reste cependant Edward Weevil, présenté comme son fils, et dont elle se sert pour prolonger son influence dans la nouvelle ère.

Gloriosa, l’ancienne impératrice

Gloriosa est l’un des personnages les plus singuliers de l’équipage. Ancienne impératrice d’Amazon Lily, elle abandonna son trône, rongée par une “maladie d’amour” (elle aimait Gol D. Roger) qui la poussa à quitter son île pour rejoindre les Rocks. Guerrière redoutable, mais aussi femme marquée par un choix intime, elle incarne la complexité des pirates de cette ère.

Aujourd’hui encore, retirée à Amazon Lily, elle conseille Boa Hancock, mais reste une survivante d’une époque où même les légendes craignaient de disparaître.

Streusen, le gourmet infernal

Avant de devenir l’indispensable cuisinier de Big Mom, Streusen naviguait déjà dans les rangs des Rocks. Derrière son allure excentrique se cachait un cuisinier au talent exceptionnel, capable de transformer la nourriture en arme et de bâtir des rêves à partir d’un simple plat. Il sera le premier à reconnaître le potentiel de Charlotte Linlin, et sa rencontre avec elle posera les bases d’un futur empire.

Streusen est l’exemple parfait de ces hommes de l’ombre qui, sans dominer les mers par la force, redessinent pourtant leur histoire.

Kyo, la hache d’argent

Parmi les monstres qui composaient les Rocks, Kyo surnommé la Hache d’Argent est l’un de ces pirates dont la simple réputation suffisait à glacer le sang. Reconnaissable à l’immense hache qu’il portait dans le dos, Kyo incarnait la brutalité pure, un guerrier qui n’avait pas besoin de grands discours pour imposer le silence. Rival affiché de Shiki, il symbolisait cette tension interne qui régnait chez les Rocks : un équipage si puissant qu’il menaçait de s’autodétruire de l’intérieur.

Gill Bastar, un fantôme du passé

Gill Bastar est sans doute l’un des membres les plus méconnus des Rocks, mais son parcours est atypique. Oda l’avait introduit pour la première fois dans son one-shot Wanted! avant de l’intégrer officiellement au lore de One Piece.

Il excellait naturellement dans l’art du tir, maniant ses armes avec une précision redoutable. Son intégration dans l’équipage de Xebec ne faisait que renforcer l’aura de cauchemar qui entourait les Rocks : chaque membre apportait une singularité hors norme, et Bastar incarnait l’efficacité froide et mécanique du tireur.

Des années plus tard, Gecko Moria le ramena à la vie sous forme de zombie général, transformant ce dueliste d’antan en pantin grotesque. Un destin ironique pour celui qui fut autrefois un pirate redouté, mais qui rappelle aussi la profondeur du bestiaire que composaient les Rocks.

Ganzui, le légendaire contrebandier

Ganzui est l’un de ces personnages de l’ombre qui laissent pourtant une trace indélébile dans l’histoire de One Piece. Ancien contrebandier, il rejoignit les Rocks après avoir été vaincu lors d’un Davy Back Fight, preuve que même les méthodes les plus ludiques pouvaient enrichir l’équipage le plus terrifiant de l’époque. Sa silhouette imposante, sa barbe fournie et son allure guerrière en faisaient une figure reconnaissable parmi tant d’autres monstres. On raconte qu’il participa aux expéditions les plus ambitieuses de Xebec, jusqu’au désastre de God Valley où il disparut.

Mais sa destinée prit une tournure macabre : Gecko Moria le ressuscita des années plus tard à Thriller Bark, le transformant en zombie centaure, l’un des généraux qui affrontèrent l’équipage de Luffy. Même dans la mort, Ganzui continua donc d’incarner cette aura brutale et dérangeante propre aux Rocks.

Don Marlon — Le « Don » mafieux de West Blue

Don Marlon, alias « Don », est tout droit sorti des corridors sombres du West Blue. Avec un costume sombre, un fedora, un cigare, il incarne le cliché du parrain qui fait régner la peur avant même de rejoindre les Rocks. Sélectionné après un Davy Back Fight, il devient un bras armé du rêve de Xebec : conquérir l’Île de la Ruche, semer la destruction, et piller sans remords.

Certains fans n’hésitent pas à avancer qu’il pourrait être le père de Capone Bege — cette similarité de style, ce lien générationnel dans la pègre pirate moderne, tout concourt à tisser un lien de parenté.

Barbell, la force des profondeurs

Membre hors norme, Barbell est un gigantesque homme-poisson, au visage de silure, dont la stature imposante en faisait une arme vivante. Sa présence rappelle que l’équipage des Rocks était aussi multi-racial, mélangeant humains, monstres et créatures venues des abysses.

On ne connaît pas encore ses pouvoirs, mais beaucoups pensent qu’il pourrait avoir le mera mera no mi, le fruit du démon d’Ace et Sabo ! Notemment à cause de la ressemblance avec Ace, ou ses cheveux qui semblent enflammés !

Ochoku, l’ancien maître de la Ruche

Imaginez un homme, aussi imposant que Barbe Blanche, à l’allure visqueuse — cheveux gras, langue fourchue, oreilles pointues, manteau extravagant et chemise à froufrous — un véritable gourou pirate en apprence.

Cet homme, c’est Ochoku, un ancien membre des légendaires Rocks Pirates, introduit dans le manga au chapitre 1155. Après avoir perdu un Davy Back Fight contre Rocks D. Xebec, il rejoint l’équipage, avec le reste des rocks, il voit l’occasion de conquérir l’Île de la Ruche, qu’il finira par gouverner jusqu’à l’arrivée de Barbe Noire. Ce dernier, avec l’aide de Koby, parviendra à le renverser, marquant la fin de son règne sur cette forteresse pirate

Et en toile de fond, une théorie circulant parmi les fans apporte une dimension fascinante à son héritage : beaucoup voient en Ochoku le père (ou l’oncle) de Caribou (et son frère Coribou). Les similitudes physiques entre eux — les oreilles pointues, la langue proéminente, les traits visuels marqués — seraient trop frappantes pour n’être que du hasard. On souligne aussi un faisceau temporel plausible : si Caribou est dans la trentaine aujourd’hui, et qu’Ochoku a survécu plusieurs décennies après God Valley, il pourrait parfaitement être son père. Ce lien familial — si confirmé un jour — éclairerait d’un jour nouveau l’obsession de Caribou pour Barbe Noire, et soulignerait le cycle des héritages brisés et récupérés dans le monde impitoyable de One Piece

Captain John, Le pirate au trésor légendaire

Parmi les figures étranges passées chez les Rocks, Captain John est l’un des plus célèbres… mais aussi l’un des plus ridiculisés. Pirate cupide au possible, il était obsédé par les richesses au point de cacher un trésor immense qui, des décennies plus tard, deviendra un mythe convoité jusque dans la grande ère de la piraterie. John était pourtant un membre respecté des Rocks, doté d’une certaine puissance pour mériter sa place dans un équipage aussi sélectif. Mais sa soif d’or et son comportement fantasque terniront son image, au point qu’il se fera trahir et tuer par ses propres hommes.

Son héritage perdure malgré tout : ressuscité comme zombie par Gecko Moria grâce à son cadavre, il erre à Thriller Bark en brandissant son sabre rouillé, caricature grotesque de ce qu’il fut jadis. Dans le présent, son trésor continue d’alimenter les légendes, au point que Baggy lui-même rêve de s’en emparer.

Les deux silhouettes inconnues

Et puis, il y a ces deux membres dont on ne connaît pas encore le nom. Oda a choisi de les garder dans l’ombre pour le moment, laissant aux fans le soin de spéculer.

Une certitude demeure : leur identité, lorsqu’elle sera révélée, enrichira encore le mythe d’un équipage déjà hors norme.

Les Rocks n’étaient pas un simple équipage. Ils étaient un cataclysme. Un rassemblement de monstres, de chefs, de rois déchus et de parias, menés par un capitaine qui voulait renverser le monde. Leur défaite à God Valley a mis fin à leur règne, mais leur héritage continue de résonner à travers ceux qui, plus tard, deviendront les légendes de l’ère des pirates.

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L’anime comics : revivre le film image par image

Pour ceux qui souhaitent retrouver la magie du long-métrage dans un format papier, l’anime comics s’impose comme une porte d’entrée idéale. Ses 576 pages condensent l’intégralité du film, plan après plan, suivant la tradition japonaise qui consiste à transformer les œuvres animées en bandes dessinées.

Chaque image restitue la lumière chaude, les cadrages poétiques et l’expressivité des personnages. On retrouve l’émotion des silences suspendus, la tendresse des instants quotidiens et l’élan de liberté des séquences aériennes. Ce n’est pas une simple novellisation illustrée, mais une véritable expérience de lecture où l’on peut s’arrêter sur un sourire, un décor, une couleur.

Destiné avant tout aux adolescents et adultes déjà familiers de l’univers Ghibli, cet anime comics agit comme une capsule temporelle : il prolonge le film tout en offrant la possibilité de savourer chaque instant à son rythme.

L’artbook : dans les coulisses de la magie

L’autre grand trésor publié par Glénat est l’artbook, encore inédit en français jusqu’à aujourd’hui. Véritable immersion dans les ateliers du studio Ghibli, il dévoile les croquis préparatoires, recherches de décors, concept arts et entretiens avec Miyazaki et ses collaborateurs.

Cet ouvrage éclaire la dimension artisanale de la création : comment chaque décor a été pensé, comment la ville portuaire a pris forme, comment Kiki et Jiji ont évolué au fil des esquisses. On y découvre les enjeux esthétiques, mais aussi les choix narratifs qui ont façonné l’un des récits les plus emblématiques de Miyazaki.

Plus qu’un simple beau livre, l’artbook est une véritable étude, à la fois pour les passionnés d’animation et les curieux désireux de comprendre ce qui fait la singularité du style Ghibli. Il se lit comme un carnet de voyage dans l’imaginaire du maître.

Deux regards, une même émotion

L’anime comics et l’artbook ne s’adressent pas au même public, mais dialoguent subtilement. Le premier invite à revivre l’histoire telle qu’on l’a aimée à l’écran ; le second propose de comprendre ce qui se cache derrière cette magie. Ensemble, ils rappellent que l’œuvre de Miyazaki n’est pas seulement un récit pour enfants, mais une méditation universelle sur l’émancipation, la solitude et la construction de soi.

Avec ces deux éditions, Glénat poursuit son rôle de passeur, offrant aux lecteurs un accès privilégié à l’univers de Kiki. Que l’on choisisse de s’envoler à travers les cases de l’anime comics ou de plonger dans les coulisses grâce à l’artbook, le charme reste intact. La magie, elle, continue d’opérer à chaque page tournée.

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Un lien insoupçonné entre Moria et le clan Kozuki

Les minis-aventure au début du chapitre montrent une tombe située à Ringo, dans le pays de Wano, portant l’inscription « Kozuki Moria ». Elle aurait été érigée en l’honneur d’un héros disparu après avoir affronté Kaido. Cette découverte souligne que Moria, originaire du West Blue selon le lore, aurait en réalité grandi à Wano ou aurait été adopté par le clan Kozuki.

Avec ce qu’on sait de son histoire, Moria aurait participé à l’exécution de Gol D. Roger et plus tard, combattu Kaido à Wano, seul survivant de son équipage.

Après sa défaite, il profana la tombe du célèbre samouraï Ryuma. Ces nouveaux détails confirment que les habitants de Wano l’ont pris pour mort et lui ont dédié une tombe sous le nom de « Kozuki Moria ». Une connexion jusqu’alors totalement inédite entre Moria et Wano.

Une origine qui expliquerait beaucoup de choses

Les observateurs les plus attentifs avaient déjà détecté des indices. Le mot « Gecko » (du japonais Gekkō, « lumière de lune ») peut se lire à l’envers et donner Kouzuki (lire « Kozuki »), suggérant un lien linguistique. De plus, le motif en losange sur le pantalon de Moria rappelle celui du clan Takeda (samouraïs de l’ère Heian) — un clin d’œil aux origines samouraïennes.

Cette révélation ajoute une nouvelle dimension au personnage de Gecko Moria, dépassant le statut de simple antagoniste de Thriller Bark.

Son histoire serait beaucoup plus profonde qu’en apparence; et expliquerait la ressemblance frappante entre Moria et Oden Kozuki, notamment au niveau de l’implantation des cheveux et de certains traits physiques.

Si cette hypothèse se confirme, cela donnerait un tout nouveau sens à son affrontement contre Kaido : il n’aurait pas seulement cherché à prouver sa force, mais peut-être à venger Oden et l’humiliation infligée au clan Kozuki.

Cette lecture du personnage expliquerait aussi pourquoi Doflamingo aurait reçu l’ordre de l’éliminer après Marineford : si Moria cache en réalité un héritage aussi important, il devient une menace directe pour le Gouvernement Mondial.

Enfin, cela pourrait éclairer l’intérêt que Barbe Noire porte à Moria : en tant que Kozuki, il pourrait avoir la capacité de lire les Ponéglyphes, un savoir convoité qui ferait de lui un allié ou une proie précieuse dans la course vers le One Piece !

Voire, elle pourrait éclairer l’histoire de God Valley, notamment si Thriller Bark se trouve être construit sur ses ruines. Les fans sont désormais impatients de voir Oda révéler le rôle de Moria dans la saga finale.

Tiré des spoilers du chapitre 1158 de One Piece

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