Il a également donné sa voix à Toge dans Jujutsu Kaisen, Ban dans Seven Deadly Sins ou encore Dabi dans My Hero Academia, entre autres.

Je suis donc en présence de Arnaud Laurent, comment vas-tu ?

Eh bien ça va très bien. Un peu fatigué. Ils (Japan Expo) m’ont programmé plein de trucs à faire et c’est ce que j’adore, mais du coup c’est vrai que ça s’enchaîne bien.

Aujourd’hui, on va parler de ton métier et des personnages que tu as interprété notamment Natsu, parce que la France te connaît surtout pour ce héros. Tout d’abord, depuis combien de temps tu fais du doublage ?

Alors, j’ai commencé à démarcher pour pouvoir faire du doublage en 2006. Donc ça fait quasiment… ça fera bientôt 20 ans que j’ai commencé à faire ça !

Waouh ! Tu as vu des évolutions dans le métier depuis que tu as commencé jusqu’à aujourd’hui ?

L’évolution, elle est plus au niveau qu’il faut être toujours de plus en plus efficace, faut aller toujours de plus en plus vite. On a de moins en moins de temps, de moins en moins de budget. Sinon, par contre, dans les points positifs, c’est au niveau du travail en lui-même : dans l’interprétation, dans le jeu, on fait beaucoup plus attention maintenant à la culture japonaise dans le cas des animes. Par exemple, moi j’ai été élevé par le Club Doroté et à l’époque on savait même pas que c’étaient des animes, on appelait ça des dessins animés. Ils édulcoraient tout, ils utilisaient des noms occidentaux pour les désigner : les Olivier Tom, les Jacques, les François,… Et là vraiment depuis les années 2000 et puis surtout de plus en plus maintenant, il y a un vrai savoir-faire au niveau du jeu aussi, de savoir comment jouer les animés, de comment aborder les fameuses réactions, les façons de crier tout ça. Et aussi, il y a un vrai respect de la culture japonaise, des noms japonais et donc au niveau de ça par contre, c’est une belle évolution je trouve !

Est-ce que tu peux nous donner le déroulement d’une journée type quand tu travailles et que tu vas doubler sur un animé ?

Alors on arrive en général aux alentours de 9h30 au studio. Après ça dépend de comment on est convoqué parce qu’en fonction de la quantité de texte et du personnage qu’on fait, des fois on peut être convoqué 1h, 2h, parfois une journée entière. C’est variable. Si par hasard on prend une journée qu’on a la chance d’être une journée entière, donc avec un personnage important qui parle beaucoup, comme c’était mon cas à l’époque de Natsu, souvent je faisais 24 épisodes en une journée.

Ce n’est pas un peu rush ou ce sont des conditions normales de travail ?

Si, effectivement ! Comme je disais, de plus en plus efficace, de plus en plus un peu contraignant – on veut faire des économies ? – oui voilà, des économies. Et donc en gros ben j’arrivais à 9h30, alors là, je savais ce que je doublais, mais très souvent on ne sait pas encore ce qu’on va enregistrer. On le découvre sur le moment. Le directeur artistique, qui nous a convoqué, nous dit : « Voilà, alors c’est telle série ou tel film, tel animé, c’est ce personnage que tu vas faire. » Certaines fois, ils vont l’expliquer : « il se passe ça, il lui arrive ça« . D’autres fois, ils vont dire : « Bah, on y va ! » Et puis en fait on découvre au fur et à mesure.

On va faire boucle par boucle. Ce qu’on appelle des boucles, ce sont des petites scènes de 1 minute, 1 minute 30 qui résultent de l’épisode qui a été divisé. Et on va faire boucle par boucle, toutes les boucles où il y a notre personnage, on va les faire les unes après les autres. On en fait une, on regarde la version originale, on écoute bien, on regarde l’image, la fameuse band ritmo qui défile en dessous avec le texte. C’est là où on découvre le texte, on découvre comment ça se passe, qui il y a à jouer, tous les détails techniques auxquels il faut faire attention. Donc là, on fait un visionnage. Une fois qu’on a fait le visionnage, on coupe le son complètement dans le studio. Il y a plus que le comédien qui parle. Il y a plus les musiques, il y a plus rien. Vraiment, on enregistre dans un silence complet pour avoir que la voix. Et ensuite, cette voix française qu’on vient d’enregistrer, est rajoutée à ce qu’on appelle la ‘VI‘, la version internationale, qui est en fait tout ce qui n’est pas la voix : ça va être tous les bruitages, les musiques, qui va être utilisé dans tous les pays. Et donc cette voix française avec la VI va faire une petite version française d’une scène. On l’écoute. Si c’est bien, on passe à une boucle suivante. Si c’est pas bien, on la refait aussi souvent qu’il le faut. Et voilà. Et on fait ça toute la journée. On fait boucle par boucle par boucle et à la fin de la journée, on a enregistré tout notre rôle.

Et concrètement, tu as les scènes dans l’ordre ? Est-ce que tu vois tous les épisodes en entier ou vraiment juste ce que tu vas doubler ?

Vraiment que les parties de mon personnage.

Est-ce que c’est contraignant quand tu dois doubler quelqu’un, de ne pas avoir, peut-être, tout le contexte ?

C’est pas contraignant dans le sens où c’est notre travail, on a appris à le faire et c’est aussi pour ça que le doublage est très particulier à l’inverse du théâtre ou des film où on va avoir des mois pour préparer un rôle. Là, vraiment le doublage, c’est de jouer ce qui se joue dans la scène. Si tu joues vraiment ce qui se passe dans la scène, tu peux pas te tromper sur ce qui se passe avant et après parce que tu auras joué la même chose que ce qui a été fait au départ. Et donc vraiment il faut se concentrer là-dessus. Parfois, effectivement, s’il y a un truc que tu comprends pas parce que c’est un peu compliqué, tu peux demander au directeur artistique, qui lui a vu tout l’épisode, et il te dira : « Oui, alors là en fait, il s’est passé ça, son papa est mort », des trucs comme ça, ou alors « c’est toi le méchant, c’est pour ça que tu parles comme ça » et ça peut t’aider. Mais après, c’est vraiment cette force là qu’a le doublage, c’est de jouer ce qu’il y a à jouer et logiquement, en général, ça passe.

Par contre, ce qui est drôle c’est qu’effectivement, je ne vois que les scènes de mes personnages et parfois quand je regarde la série, bah je comprends plein de choses que j’avais pas compris avant parce que j’ai joué des choses sans comprendre ce qui se passait et après je fais « Ah ok, c’est pour ça que j’ai dit ça. » Et voilà, donc ça c’est rigolo !

Est-ce que ça a été le cas avec Fairy Tail du coup ? 

Fairy Tail pas trop parce que, je vais me faire engueuler, mais j’ai pas regardé Fairy Tail. J’ai regardé genre quelques épisodes au début et les cinq derniers pour voir un peu le résultat et voilà. Mais sinon non. Par exemple, ça me l’a fait sur 13 Reasons Why, où je doublais Alex. Et ben en fait comme j’avais bien aimé la série, bon je l’ai regardé en VO. Je suis un très mauvais camarade !! Même si on est beaucoup à le faire.

Un comédien de doublage français qui regarde ses séries en VO ? Etonnant ! C’est juste par principe car tu ne veux pas t’entendre ou ça n’a rien à voir ?

Non, ça rien à voir. J’aime bien m’entendre. Des fois même je vais aller écouter pour entendre le résultat par curiosité, voir ce que ça donne. Mais sinon, c’est plus que moi c’est comme ça que je le ressens. J’aime bien, surtout sur une série live-action, voir le jeu de l’acteur original et parce que j’ai envie de voir ce qu’il a créé à la base. On essaiera toujours de faire au mieux pour ressembler à ce qu’il a fait, mais il y a une authenticité qu’on ne pourra pas avoir. Des fois, on s’en sort très bien et les VF sont de très bonne qualité, mais moi, un peu en tant que puriste, car j’aime beaucoup le cinéma et les séries, j’aime bien voir le jeu de l’acteur original : comment il l’a créé, les indications du réalisateur, l’accent aussi des fois, parce que du coup en VF on perd les accents anglais, les accents irlandais, etc…

Vous avez des indications par rapport à ça justement ?

Non, en général, il faut que ce soit le plus « accent français normal ». Il faut pas qu’il y ait de différence au niveau des accents. À la rigueur avec les anglais, le petit truc qu’on va nous dire c’est essayer de le faire un petit peu plus… – Bourgeois ?– Ouais, voilà exactement ! Mais sinon les accents on peut pas jouer là-dessus malheureusement.

On va revenir un peu aux animés et à Fairy Tail notamment. Natsu est du coup le personnage pour lequel on te connaît le plus. C’est quoi le lien que tu as avec ce personnage après l’avoir doublé pendant des années ? C’est quoi ton rapport à Natsu ?

Je le dis souvent, Natsu, ça a été une belle rencontre, dans le sens où c’était le premier rôle important qu’on m’a confié. C’était un rôle que je rêvais de faire depuis gamin car c’est un rôle de héros de shonen. Ayant été élevé avec les Chevaliers du Zodiaque ou Dragon Ball… pouvoir crier un pouvoir, c’était un rêve de gamin que j’ai réalisé. Donc tomber sur ce rôle là, en plus, il réunit tout ce que j’aime dans un héros de shonen qu’on retrouve un peu dans Nicky Larson. Ce côté il est complètement débile, il dit n’importe quoi et puis d’un coup dès qu’il est dans l’action par contre il a un charisme de ouf et il déchire tout. Ça c’est quelque chose que j’adore. À jouer, c’est super intéressant aussi. Et au-delà de ça, dans le métier, des fois, il y a des rôles qui seront plus difficiles à atteindre que d’autres parce qu’il va falloir les composer. Des rôles qui sont plus loin de nous. Et des fois, il y a des rencontres, ce que j’appelle des rencontres, c’est qu’il va y avoir des rôles où c’est une évidence ! Objectivement, notre voix a été faite pour ce personnage. On a rien à faire. On a juste à jouer les intentions. Donc il va falloir être dans la même énergie. Il va falloir donner, il va falloir crier. Mais on n’a pas à composer. Moi, Natsu, je regarde ce qu’il fait, j’y vais. Et c’est moi… En fait, Natsu, c’est moi ! J’ai pas besoin de réfléchir à ce que je fais.

On peut dire que tu t’identifies un petit peu à lui aussi ou pas à ce point ?

Pas vraiment identifié, parce que bon c’est quand même un univers différent, mais en fait même pas jusque là. C’est juste que c’est moi. J’ai pas besoin de réfléchir et au fur et à mesure des années en plus c’est devenu… je l’appelle un peu mon âme sœur dans le doublage, c’est mon meilleur pote, c’est mon meilleur ami. Quand je le retrouve je sais comment il va réagir je sais ce qu’il va faire, je le connais par cœur ! Pour moi, ça a été ma belle rencontre effectivement dans le doublage en tant que personnage.

Natsu, c’est quand même un personnage qui est connu pour brailler énormément. Il déborde d’énergie. À quel point c’est difficile de doubler un personnage qui finalement est tout le temps en action, qui a tout le temps la voix qui part dans tous les sens ? Je pense qu’on te le demande souvent, mais est-ce que tu finis la voix cassée en fin de tournage ?

Ouais. à l’époque où je faisais les 24 épisodes dans la journée. À la fin de la journée, alors j’avais pas la voix cassée, je me suis jamais cassé la voix, mais la voix était très fatiguée. Je le sentais, elle était raillée. Je n’aurais pas pu enregistrer autre chose derrière. Mais, c’est un personnage tellement chouette. Il est très proche de moi et moi j’ai naturellement aussi beaucoup d’énergie donc voilà, je peux mettre cette énergie dedans. La seule difficulté, c’est un peu au niveau de la voix, effectivement, de réussir à économiser sa voix. Maintenant, je me rends compte qu’en vieillissant, entre le moment où j’ai doublé les derniers Fairy Tail et là où j’ai doublé la Quête de 100 ans, à l’époque, je faisais 24 épisodes en une journée. Là, j’en ai fait 8 et on faisait que par session de 8 et j’étais mort à la fin. Donc je sens que l’âge fait que j’ai un peu moins la force et l’énergie que j’avais à une certaine époque pour assurer aussi bien. Je suis lessivé à la fin des 8 épisodes, là j’étais mort, j’en pouvais plus.

Mais est-ce que les personnes avec qui tu travailles respectent ça et du coup ne vont pas t’imposer de faire plus d’épisodes ?

Bah s’ils m’imposaient, je le ferai, je serais obligé de toute façon, je n’aurais pas le choix. Mais il se trouve que les conditions ont un peu évolué, qu’on va moins dans ce côté-là, en tout cas pour cette série là. On a fait plus de temps pour enregistrer, ce qui est bien et ce qui ce qui m’allait bien aussi.

Et toujours pour rester dans l’animé, c’est vrai que tu le disais un peu au début, ils ont vraiment des expressions très marquées, parfois des bruitages très typique qu’on entend vraiment beaucoup dans les animés. Est-ce que ça c’est un truc que tu fais? Et si oui, comment est-ce que ça tevient ? Comment tu as réussi à travailler ce côté-là ?

Alors moi je pense que je fais partie de ceux qui ont un avantage, c’est que avant de doubler dans de l’animé, j’étais très fan de manga et d’animé donc j’en avais regardé énormément et en VO ! En tout cas les derniers, pas forcément les premiers que j’ai regardé en VF, mais les derniers : Naruto, Bleach, je les ai défoncé en VO. Et donc en moi, il y a cette culture de la réaction du jeu japonais qui fait que faire un cri qui monte petit à petit, ça c’est un truc que je savais faire parce que j’en avais tellement bouffé que c’était en moi, c’était imprégné en moi. Après, il y a des comédiens, qui sont plus habitués à doubler dans des séries et des films. Quand ils arrivent dans des animés, ils sont perdus parce que justement, ils ont pas ces codes, ces façons de jouer, ces réactions. C’est tout bête, mais c’est quelque chose que si tu ne sais pas le faire, c’est quelque chose que tu ne fais pas dans la vie de tous les jours. Donc il faut apprendre à le faire, en fait !

C’est une super transition pour ma prochaine question qui est que donc tu as eu l’occasion de faire de l’animé, mais également des séries live action. Il y a eu notamment Pretty Little Liar, Mentalist, mais aussi tu as joué Léo Fitz dans les Agents du SHIELD… C’est quoi la principale différence entre quand tu fais du live action et quand tu doubles un animé ?

Alors il y a plusieurs petites différences. La base est la même, ce sera toujours du jeu. Si on va dans les différences, l’animé ça va être, ce que j’appelle moi, des émotions très sincères mais complètement exacerbées. Des ruptures d’émotions : c’est soit on pleure à fond, soit on est complètement joyeux. Il y a toujours une espèce de, moi ce que j’appelle une espèce de petite bulle d’énergie à avoir qui fait qu’on sera toujours un petit peu au-delà de ce qu’on serait dans la vie de tous les jours. C’est ça qu’il faut réussir à tenir et après il y a beaucoup de ruptures, ça va dans tous les sens, faut vraiment réussir à gérer ça.

Quand on va doubler du live action, en fait ça va être plus doubler la vie de tous les jours. Donc ça va demander un jeu beaucoup plus fin. Ça va demander de savoir aussi respecter ce qu’a fait l’acteur à la base et donc de se plonger en lui, d’être en empathie avec lui, de faire ce qu’il a fait et donc c’est beaucoup plus exigeant parce que c’est plus fin, plus précis. Et donc moi entre les deux, j’adore les animés, mais le challenge est plus difficile et donc plus intéressant pour des séries live-action.

Et quand tu parles de Leo Fitz, j’en parlais avec Natsu, mais Leo, c’est mon personnage tout confondu, mon comédien, mon acteur préféré. Celui que j’ai préféré doubler de tout confondu parce que l’acteur est exceptionnel. Ce qu’ils lui ont fait jouer au fur et à mesure des saisons, ils lui ont fait tout jouer. Il a une évolution incroyable. Quand on est comédien, c’est intéressant de pouvoir jouer plein de choses différentes. Et grâce à cet acteur-là, qui est pour moi un des meilleurs acteurs de sa génération et je regrette qu’on ne le voit pas plus parce qu’il est exceptionnel, il fait des choses mais incroyables. Pouvoir passer derrière lui et avoir la chance d’avoir ce challenge de réussir à le mettre en valeur, c’était un truc de fou ! Donc vraiment, j’ai adoré le doubler. Et lui pour le coup chacune de ces scènes c’était un challenge pour moi parce que c’était tellement bien en VO que je me disais « là, il faut pas que je me plante, faut que je fasse aussi bien que lui« . Donc c’était un vrai challenge ! Et quand j’ai vu le résultat là récemment, je me le suis regardé en VF. J’avais jamais vu en VF. Et objectivement, j’ai trouvé la VF cool quand même. – Du coup, tu es fier de toi et de ce que tu as pu faire ? – J’arrive à être fier. Il y a des fois, je suis très critique mais objectivement, j’arrive aussi à savoir me rendre compte quand les choses ont bien été faites et cette VF là en dehors de moi, tous les autres personnages, même les voix, le choix des voix qui a été fait par le DA, pour moi, c’est une des meilleures VF, elle est vraiment parfaite !

Deux questions en une : la première étant est-ce qu’il t’arrive d’écouter aussi les versions pas forcément juste originales anglaises, mais italiennes ou espagnoles, enfin ce qui se fait en Europe ou à l’étranger pour comparer ? Est-ce que tu as ce truc de d’aller voir un peu ailleurs pour voir ce qui a été fait ou pas du tout ?

Non, parce que je vais regarder les séries et les films espagnols ou italien de quand ils le sont à la base, donc quand c’est la VO – La Casa de Papel par exemple ? – Voilà. Exactement ! Mais c’est vrai que non, j’ai jamais été trop regardé le doublage en lui-même espagnol ou italien ou allemand. Je me suis pas trop intéressé à ça. J’avoue pour le coup, j’ai pas trop fait gaffe.

Après, c’est vrai qu’en France, on a quand même un certain prestige vis-a-vis de nos voix françaises. On est très fier de cette industrie là. Même à l’international, c’est reconnu comme étant une des meilleures. Ma question, c’est est-ce que tu as déjà eu l’occasion de discuter avec les vrais comédiens ? Donc, par exemple, peut-être l’acteur de Léo Fitz. Est-ce que tu as déjà rencontré tes homologues américains ou peut-être japonais ?

Léo, j’aurais adoré. Je le taguais sur Instagram quand des fois je mettais des petits extraits VF pour en me disant peut-être qu’un jour il le verra. J’ai fait pareil aussi avec Levi Schmitt que je double dans Grey’s Anatomy parce que j’aime beaucoup aussi cet acteur, mais il m’a jamais répondu. Curieusement c’est une autre actrice de la série qui a commencé à me suivre, je sais pas pourquoi. Donc c’est marrant, mais sinon non.

Le seul que j’ai réussi à rencontrer, c’est celui que j’ai doublé dans la dernière saison de Stranger Things, c’est Jason. C’est un enfoiré dans la série, mais il est ultra gentil en vrai. J’ai réussi à lui parler 30 secondes. Il m’a dit : « C’est génial ce que tu as fait. » Est-ce qu’il l’a fait à l’américaine du genre : c’est cool, ou est-ce qu’il l’a déjà vraiment vu ? J’en sais rien. Mais en tout cas, il était super gentil ! C’était un amour et voilà, c’était 30 secondes assez magiques. Et sinon non, mes homologues japonais, j’ai pas pu les rencontrer parce que c’est tellement des stars qu’ils sont intouchables au Japon. Par contre, j’ai eu la chance de rencontrer Hiro Mashima, le créateur de Fairy Tail et je l’ai même interviewé, je lui ai parlé, je lui ai fait un hurlement du dragon de feu en japonais. Il a été mort rire, il a adoré ! Il m’a fait un dessin spécial pour moi. Enfin voilà, donc c’était une belle rencontre.

Dans le milieu du doublage français, est-ce que tu as des noms qui t’ont inspiré ? Je pense peut-être par exemple à Brigitte Lecordier qu’on connaît énormément et qui est d’ailleurs très souvent à Japan Expo. Est-ce que tu as des noms où tu te dis « Ah ouais, je veux faire comme eux » ?

J’en ai plein parce que si j’ai fait ce métier, c’est grâce à tous ceux qui sont passés avant moi. Moi, j’étais amoureux de la VF. Je suis devenu très vite amoureux de la VF quand j’étais au collège, lycée. Je reconnaissais les voix. Je regardais à la fin des films, j’obligeais tout le monde à rester à la fin des films pour regarder le carton de doublage. Je repérais les noms et je suis devenu amoureux de ces comédiens de par les émotions qui nous transmettaient : de nous faire pleurer, tout ça. Et donc pour moi tous ces comédiens de doublage sont des références. C’est grâce à eux que je suis là aujourd’hui ! Je pourrais en citer plein mais effectivement Brigitte Lecordier, mais pour moi il y a par exemple Thierry Wermut, c’est la voix de Tintin dans les années 90 ou Dawson dans les années 2000 qui est très important. Un qui nous a quitté récemment, Éric LeGrand, qui a été pour moi un mentor. C’est grâce à lui que je suis là aujourd’hui puisque c’est lui qui m’a donné tous les conseils qu’il me fallait au départ pour pouvoir faire ça. Il a répondu à tous mes mails alors que j’étais insupportable. Quand je relis mes mails, je me dis : « Mais comment il a eu la patience de me répondre ?« . Il m’a tout expliqué. Il m’a dit : « Faut que tu fasses ça, ça ». Et alors après effectivement, j’ai fait ce qu’il m’a dit, donc c’est grâce à ça que j’y suis arrivé ! Mais s’il n’avait pas été là au départ, je serais pas là ici, aujourd’hui. Donc je lui dois beaucoup. Et il y en a d’autres, beaucoup d’autres…

En France, les animés sont de plus en plus démocratisés, de plus en plus appréciés, mais la place de la VF est encore un peu sensible. On voit souvent passer des remarques négatives de personnes très fans d’animé qui disent que la VF : ça sera jamais aussi bien que la VO, que c’est enfantin, que c’est nul… Il y a beaucoup de gens dans la communauté qui rabaissent le travail des comédiens de doublage. Comment toi tu vis tout ça ? Est-ce que tu as déjà été face à des gens comme ça ? C’est quoi ton ressenti là-dessus ?

Maintenant, je le prends avec beaucoup de distance. Mon ressenti là-dessus, c’est qu’on devrait laisser chacun faire ce qu’il a envie de faire. C’est-à-dire que les Pro-VO, si vous n’aimez pas la VF, ben vous regardez pas la VF, vous laissez la VF tranquille. Après aussi l’autre chose que je dis souvent, mais que ce soit VO ou en VF ou n’importe quelle série ou film avant de juger, regardez et ensuite faites vos critiques… constructives ! Le problème des réseaux maintenant, c’est qu’on va critiquer pour critiquer. Moi, je considère que je vais mettre un commentaire quand je trouve que le truc est bien. Si le truc est pas très bien et que ce que je vais dire n’a pas d’intérêt, ne va rien apporter, je vais rien dire. Je vais pas dire juste : « c’est de la merde ce que tu fais » parce que je trouve que ça n’a aucun intérêt. Ça ne va faire avancer personne à part blesser des gens.

Au moment de la sortie de Fairy Tail dans les années 2011/2012, le canal home vidéo de Facebook avait sorti deux premiers petits extraits pour annoncer que la VF de Fairy Tail allait arriver. On s’est fait descendre de ouf ! Moi j’étais comme un fou parce que c’était pour moi, mon premier gros rôle. J’avais vraiment la pression car je savais que c’était très attendu ! En plus, ils ont pris des extraits qui ont été faits pour les essais qui ont été envoyés au Japon. Donc pas le produit final, et des extraits pas très intéressants. Et quand j’ai vu ça effectivement, les commentaires m’ont fait beaucoup de mal… Pour moi c’était important et là on s’est fait vraiment descendre.

Ce qui est drôle, c’est que 1 an plus tard, on était élu meilleur VF de l’année par Animeland. Et ce, pour 2 ans de suite d’ailleurs ! Bonne revanche ! Mais c’est comme ça, c’est qu’il y aura toujours les pro-VO qui veulent que ça soit ‘authentique’ donc en japonais. Moi j’ai envie de leur dire : « Les gars, c’est un dessin donc que ce soit en japonais ou en français, à la base c’est un dessin donc on va le jouer différemment et chacun a sa préférence« . C’est une question d’affect, c’est une question de de sensibilité. Chacun aime ce qu’il a envie d’aimer. On se laisse tranquille, on accepte, on est tolérant envers la pensée de chacun. C’est juste que chacun a le droit de penser ce qu’il a envie de penser. S’il a envie de le dire, il le dit. Du moment qu’on reste dans le respect de la personne et qu’on évite de blesser les gens et puis après, il n’y a pas de raison que ça se passe mal. S’il y a des bons arguments, argumentez ! Et sinon bah restez sur la VO, personne vous oblige à aller voir la VF.

C’est une belle conclusion ! Je vais finir quand même avec quelque chose de plus sympathique. Il me semble que si tu avais pu doubler n’importe quel personnage d’animé, tu aurais aimé doubler Naruto. Est-ce que c’est le cas ?

Ouais, j’ai adoré Naruto ! C’est une des raisons pour lesquelles j’ai voulu faire du doublage. Enfin, dans les derniers moments où j’ai pris ma décision et où j’ai écrit à Eric Legrand, Naruto venait de sortir et je lui ai dit : « Ah, j’adorerais doubler dans Naruto » et il m’a répondu par mail, « D’abord, tu vas te calmer. On ne choisit pas ce qu’on double« , en rigolant un peu, mais il m’a remis les idées en place. C’est grâce à ça justement qu’après j’ai pris les bonnes bases. Mais au-delà de Naruto, après je me suis fait un petit essai plus tard sur TikTok et je me suis rendu compte que la voix aurait pas été bien. Par contre je pense que sur Shikamaru, j’aurais pu faire un boulot vraiment cool. J’adore Shikamaru, c’est un de mes personnages préférés ! Et sinon pour le coup Ichigo dans Bleach, je pense que ça aurait pu vraiment être cool.

As-tu d’autres projets en cours par rapport au doublage d’animé. Est-ce qu’on peut en parler ?

Alors, on pourrait en parler s’il y en avait. En général, il y a une période un peu calme dans le doublage où il y a beaucoup moins de travail et moi ça fait longtemps qu’on m’a pas proposé de vrais nouveaux rôles. Si ! Dans les jeux vidéos, j’ai des petites interventions dans des nouveaux jeux vidéos. Mais pour le coup, eux, je peux vraiment pas en parler parce que les jeux vidéos… Tu peux rien dire du tout. Donc, il y a des trucs qui vont arriver en jeux vidéo mais en animé, malheureusement rien pour l’instant et mais j’espère que ça va bouger !

Dans les animés récents, il y a des trucs qui t’intéressent un petit peu ?

J’ai pas trop suivi. J’arrive pas à savoir trop ce qui va sortir. Donc je connais pas assez les choses qui qui arrivent pour le savoir. Mais si, j’adorerais être dans la nouvelle version des One Piece, les One Piece Kai qui vont arriver. J’aimerais avoir un rôle là-dedans. Ça, ça me ferait triper !!

On te le souhaite en tout cas ! Merci beaucoup Arnaud Laurent, de nous avoir accordé cette petite interview !

Propos recueillis par Ines-Scarlet et L’avis de Ben.

L’article Interview d’Arnaud Laurent, le comédien de doublage de Natsu dans Fairy Tail ! est apparu en premier sur Kazoku.

La motion capture pour donner vie aux personnages de Clair Obscur

• La capture de mouvement (motion capture en anglais, parfois abregé en ‘mocap’) est une technique permettant d’enregistrer les positions et rotations d’objets ou de membres d’êtres vivants. Le but : en contrôler une contrepartie virtuelle sur ordinateur (caméra, modèle 3D, ou avatar). Un système très utilisé dans le monde du jeu vidéo !

Charlotte Hoepffner expérimente pour la première fois la Motion Capture avec Clair Obscur et le personnage de Maëlle. Sur scène, elle nous décrit cette expérience si singulière : “on a un costume avec des capteurs, on a un casque avec l’Iphone qui filme le visage, donc on se voit dans un angle hyper particulier. On est vraiment très laid” finit-elle avec humour. Apprendre à passer outre cet aspect là, mais aussi devoir rester constamment en mouvement et imaginer ce qui se passe autour… Voilà le challenge que représente la motion capture.

Lorsque Melinda Davan, la présentatrice de cette conférence, lui demande quelle est la différence entre son travail d’actrice et la motion capture, Charlotte lui répond qu’elle s’est sentie beaucoup plus libre avec la ‘mocap’ de par le cadre. Les traditionnelles caméras fixes laissant leur place à un téléphone qui les capture en 360°, c’est une toute autre dynamique. Elle souligne que c’est aussi grâce à l’équipe de SandFall. “Guillaume (Broche – directeur de l’entreprise) nous a vachement laissé cette place là de nous laisser nous exprimer et ressentir les scènes”.

Malgré tout, l’exercice reste assez difficile pour l’interprète de Maëlle. Elle explique que ce casque pouvait être contraignant lors des ‘cascades’ ou dans les moments où les acteurs étaient très proches. Il pouvait même arriver qu’ils doivent tombaient les uns sur les autres et à, c’est la cata ! “Si on passe la main devant l’Iphone, la prise est foutue. Pareil si on pleure ou on morve, on ne peut pas s’essuyer le visage dans les scènes émotionnelles”. « Mais n’est-il pas justement compliqué de ressentir l’émotion des scènes avec tout cet attirail ? » enchaîne l’animatrice. “Au bout d’un moment, on les oublie, mais au début, c’est assez compliqué” précise Charlotte.

Derrière le travail des acteurs, ce sont William Tomasi et son équipe qui tirent les ficelles. En effet, ils sont en charge de façonner les cinématiques pour les rendre mémorables. William explique qu’au-delà d’assister aux performances des acteurs, son travail commence avant avec l’écriture des scènes, et il continue après pour les finaliser et les incorporer au jeu. Mais tout ne s’est pas exactement passé comme imaginé à l’origine… “Ils (les acteurs) ont une telle liberté pendant la scène que parfois ils vont faire des propositions énormes” souligne William. Ce qui l’amène, avec sa team, à souvent reconsidérer leur idée de base et à partir sur quelque chose de nouveau ! Il poursuit : “ils ont proposé des moments d’impro qui maintenant sont des éléments clés du jeu”.

Des personnages différents et pourtant si similaires…

Charlotte Hoepffner a d’abord exploré son personnage, Maëlle, à travers sa ‘back story’. Puis elle a découvert la suite du scénario au fur et à mesure que son histoire progressait. Cela lui laissait ainsi la surprise des révélations comme nous, joueurs, l’avons vécu.

Maxence Cazorla a été l’acteur de Gustave, mais aussi de Verso et de Renoir par la suite. Mais au début, il ne jouait que Gustave avec lequel, d’ailleur, il se sentait assez proche. “Gustave, dans la physicalité, c’était moi (…) J’ai aimé jouer ce côté de Gustave qui a des insécurités. Il a du mal à regarder les gens dans les yeux, il est gêné”. Alors lorsqu’il a dû joué Verso, il voulait vraiment distinguer les deux personnages. “Puisque ce ne sera pas ma voix et ni mon visage, il faut qu’on puisse vraiment sentir que c’est un autre personnage dans sa manière de parler, de regarder les autres, de se comporter”. La première fois que Maxence a joué Verso, il a dû refaire de nombreuses fois sa prise. En effet, il n’arrivait pas encore assez à se détacher de Gustave.

Estelle Darnault, l’actrice derrière Lune, Sciel, Sophie, Emma ou encore Aline a également donné son ressenti sur le fait de devoir incarner différents personnages. “En tant qu’actrice, c’était incroyable car on a eu énormément de personnages à faire. De pouvoir switcher et essayer d’incarner des physicalités différentes, c’était incroyable !”

L’équipe de SandFall étant assez minimale, il est même arrivé que des personnes travaillant sur le jeu, autre que les acteurs, jouent certains personnages du jeu ! C’est comme ça que William Tomasi, l’artiste cinématique, s’est vu confier le rôle de Monocco. On le retrouve d’ailleurs crédité au générique de fin aux côtés de Guillaume Broche et de Lucile Fournié en tant qu’Additional motion capture acting’.

Un lien fort entres les acteurs de Clair Obscur

Sur scène, on retrouve aussi Estelle Darnault qui donne (littéralement) corps au personnage de Lune. Mais aussi Céline Melloul, qui elle, donne sa voix à celle-ci. Deux approches différentes pour un même protagoniste. Céline plaisante d’ailleurs à ce sujet, si elle devait choisir quelqu’un pour faire le corps de Lune, elle aurait aussi choisi Estelle ! Toutes deux s’accordent à dire qu’elles ont aimé Lune pour sa ‘droiture’, mais aussi son côté ‘rassurant’.

Il y a une cinématique en particulier qui a marqué les joueurs de Clair Obscur, mais évidemment aussi les acteurs… C’est celle du ‘gommage’. Maxence Cazorla qui interprète Gustave à ce moment-là, est accompagné d’Estelle qui elle, donne vie au personnage de Sophie. La scène en jeu est remplie d’émotions, mais William Tomasi explique que le tournage l’a été encore plus. “On est dans une petite salle, c’est intimiste, en équipe réduite (…) et dès que quelqu’un dit ‘coupé’, plus personne ne parle. On est tous un peu sous le choc de la scène”. Il insiste sur le fait que la scène du gommage a demandé beaucoup de travail pour en arriver au résultat final, “car une scène comme ça ne peut pas être faite rapidement. C’était trop important”.

Cette expérience a permis aux différents ‘acteurs’ du jeu de nouer des liens forts. “On a eu la chance de super bien s’entendre dès le départ… ce qui nous a beaucoup rapprochés. Et d’ailleurs (…) on a développé une amitié un peu comme dans le jeu tous les trois« . Charlotte fait ici référence à ses collègues Maxence (pour Gustave) et Estelle (pour Lune et Ciel).

Comment donner une voix à nos héros

Il faut bien distinguer le travail des acteurs (Maxence, Charlotte et Estelle) pour ‘donner corps’ aux personnages, de celui des comédiens de doublage (Céline par exemple) qui va ‘donner voix’ aux personnages.

Et justement, la voix de Lune vous est peut-être familière… c’est normal ! Céline Melloul, sa comédienne de doublage, est aussi celle de Aerith dans le remake de Final Fantasy 7. Avec Expédition 33, Celine explique qu’elle a tout de suite accrochée à son personnage et à l’univers du jeu. “Dès qu’on m’a raconté le pitch, j’me suis dit ‘j’pense que j’ai bien fait de venir’”. Dès les premières images qu’elle découvre, elle est tout de suite conquise !

Côté doublage, Maxence Carzola a aussi donné sa voix à un personnage de Clair Obscur. En toute logique, vous vous attendez à ce qu’il double un de ses personnage, à savoir : Gustave, Verso ou même Renoir, mais non… c’est bien à Esquie qu’il donne sa voix ! “Le plus bel-heureux accident” qu’il soit arrivé à Maxence, comme il le décrit. Lorsque le directeur sonde son équipe quant à qui voudrait doubler ce protagoniste, l’acteur saute sur l’occasion. En effet, il aime beaucoup ce personnage et a déjà une bonne idée de comment il veut l’interpréter !

Sur scène, Maxence nous révèle qu’Esquie s’inspire du personnage de Chien-Po dans Mulan. Pourtant, la voix de Esquie avait plutôt en tête BayMax des Nouveaux héros. Alors sur cette base, Maxence et les équipes de SandFall ont crée un mix des deux pour lui donner un aspect vocal ‘tout en rondeur’.

Qui se cache derrière la splendide bande-son de Clair Obscur ?

Cette fois-ci on se penche sur la bande-son si unique du jeu avec Lorient Testard, le compositeur.

Globalement ce sont les concept-art du jeu qui inspirent Lorient dans l’écriture de ses musiques. Chaque ost de personnage a sa propre histoire.“Pour Maëlle, ça a été une vidéo de danse qui m’a inspiré ce personnage”. C’est en regardant une vidéo youtube d’une jeune fille ressemblant à Maëlle qui dansait en slow-motion qu’il a composé son thème.

Lorient nous explique que “la musique a été faite en amont des scènes et des cinématiques, mais il y a eu quand même pas de cinématiques sur lesquelles (il est) revenu après avoir vu le résultat final où (il s’est dit) qu’il fallait quelque chose d’autre”.

Le compositeur poursuit alors avec une anecdote concernant un thème majeur qui a été amené très tard dans la conception du projet. “Le thème de Gustave est arrivé à la fin du jeu, car pendant très longtemps, c’était le thème de Lumière. Mais Gustave est tellement attaché à sa ville, Lumière, que je me suis dit que ce thème était beaucoup trop bien pour en écrire un autre. Il y a donc un moment où on revient à Lumière à la fin du jeu et j’avais besoin d’écrire une musique pour cet instant. Donc le thème que j’ai écrit à ce moment-là, est devenu le thème de Gustave”. “En dernière minute, il a fallu mettre la musique de Gustave sur toutes les cinématiques” finit-il.

Un concert symphonique des musiques de Clair Obscur annoncé !

Si vous avez joué à Clair Obscur, une question concernant la bande-son vous reste peut-être en tête : dans quelle langue sont chantées les chansons du jeu ? Parfois on reconnait quelques mots de français, d’autres fois on croirait entendre du latin ou de l’occitan… Qu’en est-il réellement ? Eh bien, il est l’heure de ‘casser un mythe’ commence Lorient. “C’est une langue qu’on a inventé pour éviter les spoils. Plus on avance dans l’intrigue, plus elle devient compréhensible !”. Un pari réussi vu comment les musiques du jeu nous restent en tête. C’est un vrai plaisir de comprendre les paroles au fur et à mesure du jeu !

C’est en fin de conférence, au moment des questions du public que Lorient Testard nous officialise l’arrivée d’un concert symphonique des OST de Clair Obscur : Expédition 33. Le projet n’en est encore qu’à ses balbutiements, mais est bel et bien en route et ce, pour le plus grand bonheur des fans du jeu !

“Depuis le début, on vit une aventure folle. Ce qu’on vit aujourd’hui grâce à vous, au bouche-à-oreille, à vos cosplays, à votre passion… ça change complètement nos vies”.

Voilà les mots de Maxence Cazorla et je trouve qu’il n’y a pas mieux pour finaliser cet article. Cette conférence exceptionnelle a clairement donné du baume au cœur aux joueurs d’Expédition 33. Alors, merci à vous, Maxence, Charlotte, Celine, Estelle, William et Lorient, mais aussi bien-sûr aux équipes de SandFall Interactive et à tous ceux qui ont participé à la création de cet univers si merveilleux !

Plus d’infos sur la conférence de Clair Obscur

Vendredi 4 juillet, deuxième jour de Japan Expo, 13:00 à 14:00 –  scène Také

• Lorient Testard (compositeur),
• Charlotte Hoepffner (actrice, motion capture),
• Maxence Cazorla (acteur, comédien de doublage et motion capture),
• Estelle Darnault (actrice et motion capture),
• Céline Melloul (comédienne de doublage)
• William Tomasi (artiste cinématique).

Conférence animée par Melinda Davan.

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Les origines du One Piece Card Game

Le One Piece Card Game a été lancé au Japon en juillet 2022 à l’occasion du 25e anniversaire du manga. Il a ensuite été introduit en anglais en décembre 2022, avec une distribution internationale incluant la France via des boutiques spécialisées.

C’est en février 2025 que le TCG est enfin arrivé en version française, avec l’extension OP‑09 comme première série traduite. Cette étape a marqué un tournant important pour le marché francophone (qui est devenu la première langue européenne traduite), ouvrant l’accès au jeu à un public bien plus large.

Cependant, cette arrivée a été marquée par des difficultés : problèmes de distribution, pénuries et ruptures de stock ont ralenti la dynamique dès le départ. Malgré cela, l’intérêt n’a jamais faibli, et la communauté francophone s’est rapidement structurée autour d’événements, de lieux de jeu et d’un réel engouement pour l’univers.

Le One Piece TCG à la Japan Expo 2025 : une première historique

Un espace 100 % dédié !

Lors de la Japan Expo 2025 (du 3 au 6 juillet à Paris-Nord Villepinte), le One Piece Card Game a bénéficié pour la première fois d’un espace complètement dédié à one piece card game. Installé dans le Hall 4, stand F036, l’espace proposait :

• Des initiations en version française avec decks préconstruits.

• Découverte de nouveaux produits en avant-première

• Des démonstrations, des side-events, des tournois rapides, et bien sûr…

• Une promo exclusive en français ultra attendue : la carte Luffy P-075, uniquement distribuée pendant l’événement.

Le grand tournoi : une réussite incontestable

Le tournoi principal en format construit (jusqu’à l’extension OP‑11) a rassemblé 64 joueurs, avec :

• 7 rondes en format Bo1 suivies d’un Top 8 en Bo3.

• Un tarif attractif : 15 € le tournoi seul ou 39 € avec deck et goodies.

• Des récompenses : boosters OP-11 pour les meilleurs, et une display complète pour les vainqueurs.

Avec 70 à 80 participants par jour sur les 156 places disponibles, le succès était au rendez-vous, y compris en semaine. Cette affluence confirme que le public TCG répond présent… surtout quand une carte promotionnelle convoitée est en jeu !

Une montée en puissance continue

Le TCG One Piece a clairement profité de l’élan global du marché des jeux de cartes, boosté depuis le Covid. Aux côtés de Pokémon, Yu-Gi-Oh! ou Lorcana, le jeu s’impose grâce à son univers riche et sa mécanique accessible.

La version française, bien que tardive, a permis d’élargir la base de joueurs. Aujourd’hui, le marché se stabilise, avec des sorties régulières, des produits accessibles, et une communauté active, entre collectionneurs et compétiteurs.

Collectionner, jouer, investir : comment ça marche ?

Chaque booster de l’OPCG contient 12 cartes aléatoires, avec :

• 2 cartes rares garanties, 

• des versions alternatives, super rares ou leaders très convoités.

Une boîte display comprend 24 boosters, soit 288 cartes au total. Les prix varient selon les extensions :

• Un booster individuel : environ 3€ à 6 € selon la langue 

• Une display complète : entre 75€ et 145€, selon la rareté des séries, la langue et la demande. 

Certaines cartes promotionnelles ou exclusives atteignent aujourd’hui des valeurs élevées sur le marché secondaire, ce qui attire également les collectionneurs et investisseurs.

 Où jouer, acheter et s’initier à Paris ?

La capitale regorge de lieux où vivre l’expérience TCG One Piece :

Initiation et tournois :

• BaronCollections Paris (26 boulevard Voltaire, Paris 11ᵉ) : boutique de référence avec des tournois réguliers, des produits français, anglais et japonais, et des séances d’initiation gratuites.

• Pop‑up Store One Piece – Châtelet : espace officiel avec animations, conseils, démonstrations et promos à récupérer.

Ces lieux jouent un rôle clé dans la diffusion du jeu, favorisant les échanges, les duels, l’entraide et les premières expériences.

Le One Piece Card Game n’est plus un simple produit dérivé pour fans du manga : c’est un jeu de stratégie riche, une expérience communautaire vivante, et un univers à collectionner.

Avec une version française stabilisée, des événements majeurs comme la Japan Expo, et des lieux d’initiation accessibles à Paris, tout est en place pour embarquer dans l’aventure.

Alors, serez-vous joueur, collectionneur… ou futur Roi des Pirates du TCG ?

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Une projection exclusive qui a électrisé la Japan Expo

Le samedi 5 juillet 2025 restera dans les mémoires des fans présents à Japan Expo. Sur la scène YUZU, l’ambiance était électrique pour une projection très attendue : la première mondiale du premier épisode de l’anime Tougen Anki, adaptation du manga phénomène signé Yura Urushibara.

Mais l’événement n’était pas seulement une simple diffusion. Pour l’occasion, le réalisateur Ato Nonaka, le producteur Nobuhito Akita, et le comédien de doublage Kôtarô Nishiyama (voix de Jin Kôgasaki) avaient fait le déplacement jusqu’à Paris. Un privilège rare, qui a transformé cette présentation en un moment intime entre créateurs et spectateurs.

Tougen Anki : vengeance, héritage et pouvoirs démoniaques

Si vous découvrez tout juste la série, voici un petit rappel. Tougen Anki est un shōnen explosif publié depuis 2020 au Japon dans le Weekly Shōnen Champion. En France, c’est Kana qui assure la publication, avec un 22ᵉ tome prévu ce mois-ci.

L’histoire suit Shiki Ichinose, un adolescent élevé sans connaître ses origines, qui découvre être un descendant des Oni, ces créatures démoniaques en guerre depuis des générations contre les héritiers de Momotarō, le héros légendaire du folklore japonais. Entre trahisons, affrontements sanglants et conflits idéologiques, Shiki est propulsé dans un monde où le sang détermine tout.

L’adaptation animée, produite par le studio HIBARI, bénéficie d’un staff expérimenté et d’un soin particulier apporté à la fidélité graphique du manga. La série sera diffusée à partir du 11 juillet 2025 sur Netflix, Crunchyroll, Prime Video, et d’autres plateformes.

Rencontre avec les créateurs – L’interview exclusive sur scène

Après la projection de l’épisode, une rencontre avec l’équipe a eu lieu. Voici la retranscription de cet échange en toute transparence :

Q : Monsieur Nonaka, c’est votre première expérience en tant que réalisateur. Avez-vous déjà parlé devant un public aussi large ?

 Ato Nonaka : « C’est ma première fois en tant que réalisateur sur une série animée. Il y a eu beaucoup de difficultés, beaucoup de découvertes aussi… Mais je suis heureux d’avoir pu créer cette œuvre avec une équipe aussi investie. »

Q : Monsieur Akita, en tant que producteur, comment avez-vous vécu ce moment face aux spectateurs ?

 Nobuhito Akita : « Comme l’a dit M. Nonaka, nous avons rencontré des difficultés. Certaines scènes ne nous convenaient pas, nous avons dû retravailler de nombreux dessins. Mais aujourd’hui, voir le public ici réuni autour de ce projet, c’est une immense satisfaction. »

Q : Monsieur Nishiyama, vous représentez le cast principal. Quelle est votre réaction après cette projection ?

 Kôtarô Nishiyama : (en français) « Vous avez aimé le premier épisode ? »

 Le public : « OUI ! »

 Nishiyama : « Merci beaucoup ! Je suis très heureux d’être ici avec vous. »

Q : Monsieur Akita, comment en êtes-vous arrivé à travailler avec le studio Hibari sur cette adaptation ?

 Akita : « C’est grâce à une collaboration entre REMOW et Pony Canyon. Plusieurs studios ont été sollicités, chacun a proposé des storyboards et des dessins. Au final, c’est le studio Hibari qui a été retenu, et la production a pu commencer. »

Q : Monsieur Nonaka, quels aspects de l’œuvre originale avez-vous tenu à préserver dans l’anime ?

 Nonaka : « Le mangaka Urushibara sensei est très pointilleux sur ses dessins. Il aime les personnages dynamiques. On a donc mis l’accent sur les cheveux, leur forme, leur mouvement, pour rester le plus fidèle possible à son style. »

Q : Monsieur Nishiyama, pouvez-vous nous parler de votre personnage, Jin Kôgasaki, qu’on aperçoit dans l’épisode ?

 Nishiyama : « C’est un personnage très mystérieux, ambitieux, avec une forte présence. J’espère qu’il vous plaira autant qu’à moi. »

Q : Un dessin exclusif a été montré au public. Pouvez-vous nous en dire plus ?

 Nonaka : « Ce dessin fait partie de ceux utilisés dans l’anime. Jin n’apparaît pas encore dans l’épisode 1, mais dès le second, il prendra sa place. Vous verrez, d’autres personnages importants arriveront également. »

Q : Quels moments forts peuvent attendre les spectateurs dans les prochains épisodes ?

 Nishiyama : « Franchement ? Tout ! Mais s’il faut en choisir un, je dirais les combats. Ils sont très dynamiques et nous avons beaucoup travaillé dessus. »

Q : Y a-t-il des détails que vous souhaiteriez que les fans remarquent ?

 Nonaka : « J’aimerais que vous prêtiez attention à l’histoire globale, mais aussi à l’opening et l’ending. Vous avez vu un aperçu du premier, mais pas encore l’ending. Il apparaîtra dans l’épisode 2. J’espère qu’ils vous plairont. »

Q : Monsieur Akita, comment décririez-vous l’engagement de M. Nonaka en tant que réalisateur ?

 Akita : « C’est quelqu’un de très rigoureux. Il exprimait ses idées sans hésiter, ce qui nous a permis d’ajuster rapidement ce qui fonctionnait ou non. Il a aussi apporté beaucoup à la 3D. Je pense que sa vision est bien retranscrite. »

Q : Monsieur Nishiyama, une anecdote avec le reste du casting ?

 Nishiyama : « Oui ! Je suis allé dîner avec Ura-san et Kamiya-san. À la fin, M. Kamiya nous a invités. J’étais très honoré, c’était un super moment. »

Musique, design et ambition : un anime complet

Tougen Anki n’est pas un shōnen comme les autres. Avec ses racines ancrées dans le folklore japonais et son ambiance sanglante pouvant rappeler Tokyo Ghoul ou Jujutsu Kaisen,

Outre son intrigue sombre et mature, Tougen Anki s’annonce comme un anime sensoriellement puissant. L’opening est interprété par The Oral Cigarettes, et l’ending par Band-Maid, deux groupes à l’énergie brute parfaitement raccords avec l’ambiance générale. Le chara design, supervisé avec minutie, colle à l’esthétique du manga, avec un vrai souci du détail (cheveux, postures, visages…).

Avec une diffusion simultanée dans de nombreux pays et une présence en streaming sur plusieurs plateformes majeures, Tougen Anki s’inscrit déjà comme une œuvre qui vise grand. Son univers original, ses thématiques de dualité (héritage/choix, bien/mal) et son esthétique en font un sérieux candidat pour s’imposer parmi les meilleurs shōnens récents.

Et vous, qu’en avez-vous pensé ?

Ce premier épisode vous a-t-il convaincu ?

Pensez-vous que Tougen Anki a le potentiel pour rivaliser avec des poids lourds comme Jujutsu Kaisen ou My Hero Academia ? L’avenir nous le dira, mais une chose est sûre : le sang a déjà commencé à couler, et l’histoire ne fait que commencer.

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Winx Cosplay Show

Le jeudi 3 juillet, de 14h45 à 15h, la scène Kitsuné s’est transformée en véritable royaume magique à l’occasion du Winx Cosplay Show.

Les cosplayers officiels Winx Club ont incarné les héroïnes emblématiques de la série dans un défilé féérique, suivi d’un temps d’échange avec le public. Un moment magique qui a enchanté les fans.

Une roue à cadeaux magique

L’animation phare du stand ? La roue « Spin & Winx », qui permettait de repartir avec de jolis cadeaux inspirés de la série culte.

Parmi les lots à gagner : bracelets enchantés, carnets féériques,
trousses colorées à l’effigie des héroïnes d’Alféa.

Un moment ludique et joyeux pour les fans!

Un atelier maquillage pour devenir une fée

Autre temps fort de l’animation : un atelier maquillage féérique, proposé gratuitement aux visiteurs. Strass, paillettes, motifs floraux ou ailes scintillantes… chacun pouvait se transformer en véritable fée Winx le temps d’un instant. Une activité très prisée qui a contribué à l’ambiance festive et colorée du stand.

Une boutique en ligne pour prolonger la magie

Une boutique en ligne dédiée a également été dévoilée à l’occasion de l’événement, proposant des produits exclusifs : papeterie, accessoires, vêtements, objets collectors…
Les visiteurs du stand ont reçu une petite carte offrant une réduction de 10 % sur leur première commande, sur winxclubshop.com en exclusivité pendant le salon.

Un retour très attendu à l’automne 2025

Le moment fort de cette présence à Japan Expo restait sans aucun doute l’annonce du grand retour des Winx prévu pour l’automne 2025. La magie continue très bientôt : la bande-annonce officielle du reboot « Winx Club: The Magic Is Back » sortira le 19 juillet 2025. Une date déjà cochée dans l’agenda des fans !

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Connue pour ses produits innovants dédiés au bien-être intime, la marque japonaise Tenga casse les tabous avec humour, pédagogie et créativité. Entre vision inclusive, design futuriste et ancrage dans la pop culture, Alexandre nous dévoile les coulisses d’une marque qui fait bien plus que vendre des sextoys : elle ouvre la voie à une parole libérée et bienveillante autour de la sexualité.

TENGA, la marque Japonaise à l’avant garde du plaisir masculin !

Pouvez-vous nous raconter l’histoire de la marque TENGA ?

TENGA a été fondée en 2005 par Koichi Matsumoto, avec une mission claire : proposer des produits de plaisir de haute qualité, design et accessibles, mais surtout, créer une nouvelle catégorie, différente de l’industrie des sex-toys traditionnels.

Cinq ans auparavant, il s’était rendu compte que la plupart des produits du marché étaient vendus sans aucune transparence : pas de nom de marque, pas de contact, aucune indication sur les matériaux utilisés. C’était ce qu’il appelait le « marché gris », sans responsabilité ni contrôle qualité.

La majorité de ces produits imitaient des organes génitaux féminins et étaient vendus comme des substituts à la femme, ce qui posait de vrais problèmes d’image et de représentation.

À l’époque, la masturbation était encore perçue comme quelque chose de honteux, vulgaire ou déviant.

Face à ce constat, il a pris une décision forte : créer une toute nouvelle catégorie de produits positifs, inclusifs et acceptés comme faisant partie de la vie quotidienne.

Aujourd’hui, cette vision est devenue réalité : TENGA est distribuée dans plus de 70 pays et régions dans le monde.

Pourquoi avoir choisi un design aussi épuré, presque technologique, pour des objets de plaisir ?

Chez TENGA, le design est pensé pour apporter de la dignité et de la fonctionnalité.
Dès le départ, on a voulu s’éloigner des sex-toys vulgaires ou caricaturaux, pour créer des objets que l’on n’aurait pas honte de posséder.

On s’est inspirés du design industriel et automobile, sobre, élégant, intuitif.
Mais ce n’est jamais juste une question d’esthétique. Chaque courbe a une fonction. Prenons le TENGA CUP rouge, par exemple : sa forme en sablier a été étudiée pour s’adapter confortablement à toutes les morphologies et pour maximiser la pression et la sensation de vide d’air.

Notre priorité, c’est toujours la qualité. On développe de nouvelles sensations, on expérimente des technologies, on propose plus de 40 types d’EGG pour répondre à tous les goûts.

Notre but, ce n’est pas juste de faire un bel objet, mais de proposer un produit qu’on a envie d’utiliser, et d’aimer longtemps.

Comment TENGA lutte-t-il contre les tabous liés à la masturbation et au plaisir masculin ?

On défend l’idée que la masturbation est une pratique saine, naturelle et normale.

On travaille avec des artistes, des éducateurs, des créateurs… On organise des campagnes éducatives, des collaborations culturelles, on parle ouvertement de sexualité. L’idée, c’est d’ouvrir la conversation, mais avec un ton accessible, jamais trop sérieux ni médical. On veut que ce soit fun, bienveillant, décomplexé.

Depuis le début, notre vision, c’est de « mettre la sexualité sur le devant de la scène, pour que tout le monde puisse en profiter ».

Un exemple fort : en avril 2024, on a ouvert notre flagship store à Harajuku, à Tokyo : le TENGA LAND. C’est un lieu lumineux, accueillant, où viennent aussi bien des hommes que des femmes ou des couples du monde entier.

C’est l’incarnation physique de notre mission.

Comment se passe le processus de création d’un nouveau produit chez TENGA ?

Tout part des besoins des utilisateurs, même ceux qu’ils n’expriment pas clairement. On veut créer des produits qui s’intègrent naturellement dans la vie quotidienne.

Souvent, on part de zéro, on essaie d’inventer quelque chose qui n’existe pas encore.
On commence par définir pour qui on conçoit le produit, et quelle expérience on veut lui offrir. Ensuite, notre équipe R&D passe à la conception, aux prototypes, et aux tests répétés : sécurité, confort, fonctionnalité, tout est passé en revue.

Du fonctionnement au packaging, chaque détail est pensé pour offrir une expérience intuitive, agréable et qualitative.
Notre ambition, c’est de fusionner ingénierie, design et sens pour créer des objets innovants, mais aussi utiles et significatifs.

Quelle innovation ou gamme a été la plus marquante dans l’histoire de la marque ?

Le TENGA Original CUP a été un tournant. C’était un produit à usage unique, hygiénique, au design intérieur très travaillé, une révolution dans l’univers du plaisir masculin. Il a posé les bases de notre identité : plaisir, dignité, accessibilité.

Autre étape clé : le FLIP ZERO. C’est un produit réutilisable haut de gamme, avec ouverture facile, textures complexes à l’intérieur et un système de contrôle du vide d’air. Il reste aujourd’hui une référence dans notre catalogue et dans l’industrie.

Prochainement, on va aussi renouveler notre gamme EGG, très populaire et souvent copiée. Cette mise à jour permettra de mieux distinguer les produits TENGA originaux de toutes les contrefaçons qui circulent. On y retrouvera une meilleure sensation, des matériaux améliorés, et toujours le souci du détail.

Comment la marque est-elle perçue au Japon par rapport à l’étranger ?

Au Japon, TENGA est très connu, pas seulement dans le milieu du plaisir, mais aussi dans la culture pop.

On fait des collaborations avec des artistes, on est présents à la télé, dans les expositions de design, et même en supérette. On a une image audacieuse, mais respectable.

D’ailleurs, une étude montre que 94 % des hommes japonais entre 20 et 40 ans connaissent la marque.

Quand on a commencé en 2005, seulement 1 % des hommes disaient utiliser ce type de produit. Quelques années plus tard, on est montés à près de 40 %. C’est une vraie évolution de société à laquelle on est fiers d’avoir contribué.

À l’international, TENGA est souvent perçue comme design, innovante, et culturellement avant-gardiste.

Beaucoup de gens nous découvrent via des blogs de design, des expositions ou les réseaux sociaux. Dans certains pays, la marque est même vue comme cool, ce qui est rare dans ce domaine.

Quel est le marché le plus surprenant ou inattendu pour vous ?

Ce qui nous a surpris, c’est à quel point le message TENGA touche les gens, partout.

On pensait que la réception serait surtout forte en Occident, mais on a vu une belle croissance en Amérique du Sud (notamment au Brésil) et en Asie du Sud-Est, où les discussions sur le bien-être sexuel évoluent très positivement.

Un réel succès inattendu : notre marque iroha en Chine. Alors qu’on s’attendait à des barrières culturelles, on a vu un vrai engouement pour ces produits qui parlent aux femmes avec douceur et respect.

Aujourd’hui, on gère trois marques principales : iroha, IIC (Iroha Intimate Care), et IHC (iroha Healthcare). Elles traitent du plaisir, mais aussi du bien-être menstruel et de l’éducation sexuelle. On veut construire une approche globale du bien-être intime.

En France, iroha est aussi très bien accueillie : design raffiné, qualité, message discret, mais puissant. Il y a une vraie demande pour des produits qui parlent aux femmes avec élégance et bienveillance.

Quels sont vos nouveaux produits ou projets à venir ?

On vient de lancer la gamme SPINNER DX, une version premium de notre best-seller SPINNER.

TENGA, la marque Japonaise à l’avant garde du plaisir masculin !

Et beaucoup d’autres nouveautés arrivent cette année : le plus simple, c’est de suivre notre site officiel ou nos réseaux sociaux pour rester informé en temps réel !

Si TENGA était une œuvre de manga, laquelle serait-ce ?

Sans hésiter : notre propre manga TENGA ROBO !

C’est un personnage drôle et attachant qui vit des aventures du quotidien, qu’on partage sur notre compte Instagram dédié.

C’est une manière ludique et originale d’exprimer l’univers TENGA avec humour, créativité et une touche de culture japonaise.

TENGA ROBO, c’est notre façon de montrer que le plaisir et le design peuvent aussi raconter des histoires.

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Loin des géants qui misent tout sur la hype, Cygames privilégie patiemment la fidélité : le studio crée des expériences immersives, polies dans les moindres détails, que ce soit côté gameplay, narration ou fan‑service. Ce positionnement discret, mais efficace, paie aujourd’hui : à Japan Expo Paris, leur stand ressemblait à une plongée dans un petit univers parallèle – organisé, ambitieux et viscéralement fan‑centric !

Un stand quasi cinématographique à Japan Expo (3–6 juillet)

Arrivé aux portes du hall 6, impossible de manquer l’espace Cygames : on ne vient pas pour jeter un œil, on vient pour vivre une expérience. Imaginez des zones de demos – Umamusume, Shadowverse, les univers Granblue sur console – et, cerise sur le gâteau, la diffusion de Umamusume : Pretty Derby – Beginning of a New Era, dans sa version VOSTFR, vendredi 4 juillet à 18h30.

L’ambiance ? On sent que tout est calibré pour les fans : une boutique proposant des goodies importés du Japon, des animations bon esprit et des invités surprises pour égayer la journée. La projection du film, gratuite mais sur inscription, a apporté une dimension particulière : Cygames ne se contente plus de vendre un jeu, il raconte une histoire, partage une culture.

Umamusume : la licorne inattendue

Derrière ce nom loufoque — litteralement « filles-chevaux » — se cache une success story qui dépasse le simple public japonais. Lancé en 2021 sur mobile, Umamusume a tricoté une communauté si forte que, mi-2025, la version globale (PC/mobiles) a explosé les compteurs dès son lancement le 26 juin .

Résultat ? Sur Steam, le pic de joueurs a atteint 47 264 le 8 juillet, tandis que sur Twitch, le nombre de spectateurs dépasse les 80 000 – un record inattendu pour un gacha. Une mécanique hybride, entre gestion sportive et récit attachant, qui séduit autant les amateurs de stratégie que les fans d’histoires humaines. Et pour les novices, l’anime sert d’excellent pont pour plonger dans l’univers.

Uma Musume, plus qu’un jeu : un phénomène cross-média

Umamusume se distinguie clairement des autres licences , avec sa capacité à exister sur tous les fronts sans jamais diluer son identité. À l’origine jeu de simulation et de gestion sportive, la série a très vite muté en une franchise cross-média redoutablement cohérente.

Le succès de l’anime – trois saisons à ce jour, des épisodes spéciaux et des millions de vues en streaming – a permis de consolider la mythologie autour de ses personnages, chacune inspirée d’un véritable cheval de course japonais.

En parallèle, le manga approfondit certains arcs narratifs, tandis que les concerts en live (où les doubleuses incarnent leurs « umas » sur scène) fédèrent une communauté active, passionnée et fidèle. Avec l’arrivée du long-métrage Beginning of a New Era et une stratégie d’édition internationale bien huilée, Umamusume s’impose aujourd’hui comme un écosystème narratif complet, à la croisée du divertissement interactif et de la culture otaku.

C’est là, sans doute, la clé de son succès mondial : offrir aux fans une infinité de portes d’entrée dans un univers riche, vivant, et toujours en mouvement.

Pourquoi ce succès soudain, et durable ?

1. Un lancement global savamment orchestré : un contenu localisé, une VOSTFR pour le film, des stands événementiels… Cygames met les petits plats dans les grands pour conquérir l’Europe !
2. Empreinte virale : le concept de course de filles‑chevaux est visuel, mémorable, et les streams ont magnétisé les curieux !
3. Qualité niveau anime : graphisme léché, doublage inspiré, ambiance « feel‑good » ; le projet s’appuie sur un mix ingénieux de diversité ludique et de profondeur narrative. La qualité de l’animation est vraiment d’un niveau impressionnant !
4. Écosystème complet : jeux, anime, manga, produits dérivés, événements IRL… la licence ne se contente pas d’un seul format, elle entre dans le quotidien des fans.

Une présence console de plus en plus affirmée

Si Cygames s’est d’abord illustré sur mobile, le studio a clairement franchi un cap avec ses productions console. Granblue Fantasy: Relink, action-RPG ambitieux lancé en février 2024 sur PlayStation et PC, a été salué pour son gameplay nerveux, sa direction artistique somptueuse et son accessibilité, même pour les non-initiés à la licence.

Dans la même veine, Granblue Fantasy Versus: Rising, développé en collaboration avec Arc System Works, s’impose comme un jeu de combat riche et stylisé, alliant technique et fan-service. Plus confidentiel mais tout aussi soigné, Little Noah: Scion of Paradise, un roguelite coloré et malin, a marqué les esprits par sa direction artistique mignonne et son rapport qualité-prix. Et derrière tout cela, des projets plus mystérieux comme Project Awakening, un action-RPG next-gen encore énigmatique, laissent entrevoir l’ambition console long terme de Cygames.

Découvrez la liste des jeux disponibles sur le stand à Japan Expo :

● Umamusume: Pretty Derby (Mobile/PC)
● Shadowverse: Worlds Beyond (Mobile/PC)
● Granblue Fantasy: Relink (PS4/PS5/PC)
● Granblue Fantasy Versus: Rising (PS4/PS5/PC)
● Umamusume: Pretty Derby – Party Dash (Nintendo Switch/PS4/PC)

Au-delà d’Umamusume : un écosystème qui fait sens

Si Umamusume est la locomotive la plus visible, Cygames ne vit pas que de ça. Granblue Fantasy – Relink s’est vendu à 2 millions d’exemplaires depuis sa sortie en février 2024, symbolisant la transition réussie vers la console. Granblue Fantasy Versus: Rising, Shadowverse: Worlds Beyond – lancé en juin 2025 –, Princess Connect! – et même des projets plus ambitieux comme Project Awakening !

Cygames privilégie une montée en puissance précise, équilibrée entre fidélité à ses fans, qualité premium et stratégie globale. Le succès d’Umamusume, amplifié par une projection de film en vostfr légitimement exclusive à Japan Expo Paris, illustre parfaitement ce modèle : une connexion vraie, sans trompette ou fanfare inutiles.

Le stand 2025 en était l’épitomé : immersif, généreux, exclusif – un vrai miroir de ce qu’est devenu Cygames : un studio profondément attaché à son univers, qui se déploie progressivement… mais sûrement.

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Qui est Gastronogeek ?

Connu sur les réseaux sous le nom de Gastronogeek, Thibaud Villanova est l’auteur de livres de cuisine dont les recettes s’inspirent directement de la pop-culture. Présent à Japan Expo, il confie sa passion pour la pop culture japonaise, qu’il cultive depuis l’enfance.

Membre de la génération Club Dorothée, il a publié des livres de recettes tout droit tirées de Zelda, Food Wars, des films Ghibli, ou bien encore de Genshin Impact.

Auteur, créateur de contenu mais aussi chef, Thibaud Villanova puise ses racines culinaires dans son héritage familial : il est fils de boulanger et petit-fils de cuisinière. Autodidacte, il a su marier cette richesse gastronomique à sa connaissance de la pop-culture pour élaborer des recettes originales.

Ce parcours, à la fois atypique et inspirant, témoigne d’une créativité remarquable. On le retrouve sur Instagram, TikTok et YouTube, il possède également plusieurs podcasts, ainsi qu’une chaîne Twitch où il partage en direct ses sessions gaming, ses discussions et ses démonstrations culinaires, seul ou en compagnie d’invités.

Petit tu as baigné dans la pop culture et la gastronomie. Est-ce que tu savais plus jeune que tu voudrais en faire ton métier ?

Non, pas du tout. Je pense que ce n’était pas dit, mais mon père, il avait un taf tellement difficile que je pense qu’il aurait préféré que je fasse tout sauf ça. Tu ne veux pas que tes gamins soient cuisiniers. Tu préfères qu’ils soient avocats, docteurs, qu’ils gagnent bien leur vie, même si tu ne te rends pas compte que c’est quand même des métiers durs à leur manière. Tu préfères leur éviter une certaine pénibilité.

Donc mes parents, ils avaient plutôt envie que je fasse autre chose. Du coup, je n’ai pas vraiment été guidé vers ça, bien au contraire.

Comment t’est venue ce déclic d’allier pop culture et cuisine ?

C’est un peu un alignement de planètes ! En 2013, je bosse dans un lieu à Paris où on fait du pop culturel. En parallèle, moi je suis un geek première génération, donc on se moquait de moi au lycée. J’en retire rien de négatif. Mais j’ai connu l’époque où quand tu disais que tu regardais des animés ou jouais aux jeux vidéo, c’était beaucoup plus commun qu’on se moque de toi.

J’ai connu ça en parallèle à l’essor des séries télévisées, l’essor des Lost, des Breaking Bad etc. Il y avait aussi l’explosion du Marvel Cinematic Universe : les super-héros, tout le monde s’en empare. Les émissions de cuisine, toutes les chaînes de télé se dotent de leur propre émission. Tout le monde cuisine, utilise son imaginaire pour s’inspirer.

À ce moment-là, je fais juste le lien entre tout ça en mode : « c’est sympa qu’on se moque de nous, nous les geeks, mais dans Harry Potter, les mecs mangent tout le temps, dans le Seigneur des Anneaux pareil, dans Zelda pareil ». Je me suis demandé : comment prolonger l’immersion dans ces univers avec la cuisine ? J’ai travaillé le truc, et puis ça s’est fait assez naturellement. J’avais la connaissance et l’expérience des références pop-culturelles et en parallèle j’avais des bases de cuisine assez larges pour comprendre qu’on pouvait faire quelque chose.

Je pense que j’ai eu l’idée au bon moment, entouré des bonnes personnes.

Est-ce que tu te souviens de ta première recette alliant pop culture et cuisine ?

On a fait un dessert marquant, qui a plu, et on s’est dit « OK, c’est cool, on l’a fait une fois, on ne refera plus jamais ça. » En réalité, on a fait un truc cosmétique : l’œil de Sauron, un dessert dans mon premier livre Seigneur des Anneaux. Une tartelette orange gingembre chocolat noir pour reproduire l’œil de Sauron en pâtisserie. Les gens ont trouvé ça très bon et on s’est tout de suite dit :

« On n’est pas là pour faire du cosmétique, l’idée c’est maintenant de faire du rôleplay : comme le cosplay, mais en nourriture, reproduire le plus fidèlement possible la référence. »

Tu dis « on », est-ce que tu collabores sur tes recettes avec d’autres personnes ?

Non. La partie recette, création pure, c’est moi solo. Je ne la partage pas, c’est mon apport personnel. Je m’entoure d’une équipe pour le reste : Bérangère la directrice artistique, le photographe, la styliste photo. Moi, j’assure le dressage des assiettes et je livre les objets présents dans la photo pour être en cohérence avec le récit.

L’objectif, c’est que la photo soit immersive. Le spectateur doit avoir l’impression d’être assis à côté de son héros en train de manger. Je veux montrer qu’on comprend la référence, qu’on fait partie de la communauté.

Les recettes, c’est solo ; le reste, c’est en équipe.

Tu as un livre de recettes végétariennes. Est-ce que tu comptes un jour te pencher sur d’autres régimes alimentaires comme anti-inflammatoire, végétalien ou autre ?

Alors, le végétalien, c’est particulier. On a mis recettes végétariennes, mais 90% du contenu du livre peut être véganisé : on donne des astuces. Moi, je ne suis pas végan, donc je n’avais pas la légitimité de dire « mangez végan ».

Les régimes anti-inflammatoires, sans gluten… Je ne suis pas formé en nutrition, donc je ne me sens pas légitime pour enseigner ça. Peut-être un jour, si je forme une équipe ou que j’apprends suffisamment. Pour l’instant, ce n’est pas défini.

Cette année tu sors deux livres, tu as sorti Air Fryer & Co. en février et tu comptes en sortir un à la fin de l’année. Comment fais-tu pour tenir la cadence ?

Le café ! *rires*

Plus sérieusement, j’ai la chance d’avoir une communauté géniale, qui me fait confiance et me force à me remettre en question à chaque fois. Elle grandit de jour en jour ! Le fait que ça marche depuis dix ans, j’en suis très heureux et reconnaissant.

Je vis chaque journée comme si demain quelqu’un éteignait le bouton : tu n’intéresses plus personne, on ne connaît plus tes livres. Je me bats chaque jour sur cette base.

Aujourd’hui, en plus d’être créateur et auteur, je suis chef d’une petite entreprise. J’ai à cœur que mes salariés et équipes soient confortables. Si je n’ai pas d’idées, on ne paie pas les salaires ; c’est une responsabilité que j’assume. La création est un entraînement quotidien, sans talent intrinsèque, mais avec du travail.

Evidemment il y a des jours de page blanche, de remise en question, mais il faut les dépasser et avancer.

C’est super inspirant. Est-ce que tu aimerais dire une dernière chose à ceux qui nous regardent ?

Faites vous à manger, faites des économies, dépensez votre temps à cuisiner plutôt qu’à acheter des trucs pas bons. Vous savez de quoi on parle : si vous croyez que vous n’avez pas le temps, prenez-le.

Prenez soin de vous en cuisinant pour ceux que vous aimez. Ne croyez pas que vous n’avez pas assez d’argent ni de temps, ou que c’est trop difficile !

Commencez simplement, et vous verrez, ça va changer votre vie.

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Les studios Khara, connus pour Evangelion, ont présenté un panel spécial lors de la Japan Expo. L’objectif : annoncer et dévoiler en avant-première le retour des sorcières.

« Sugar sugar rune: les deux sorcières » est un court-métrage réalisé par Yusuke Matsui et produit par Kohai Fujiwara. Il s’agit d’un préquel de la série originale de Moyocco Anno qui célèbre les 20 ans de la publication du manga. Réalisé en 3DCG, la direction artistique s’éloigne de l’animé des studios Pierrot (2005-2006) mais offre une nouvelle vision de cette œuvre emblématique.

Pour le moment on a très peu de détails sur le projet, mais promis on revient très vite avec plus d’info. Cependant, il est bon de noter que le projet est supervisé par Moyocco Anno elle-même.

Synopsis de l’œuvre originale

Un mangas qui mèle de la romance, du mystère, un duel… Et de la magie ! Suivez les aventures de Chocola et Vanilla. Deux petites sorcières prétendantes au trône du royaume magique et prêtes à déployer tous leurs charmes pour s’en emparer !

Chocola et Vanilla, deux charmantes sorcières, débarquent dans le monde des humains ! Toutes deux prétendantes au trône du royaume magique, elles vont s’affronter dans un combat romantique pour les cœurs humains. Laquelle sera la plus populaire !?

Le manga est disponible en 8 tomes aux éditions Kurokawa.

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Vous êtes né en 1963 dans un village du Japon rural, dans la préfecture de Gifu, avez-vous grandi là-bas ? Quel type d’enfance avez-vous eu ?

Je suis né à Nakatsugawa et j’y ai vécu jusqu’au lycée, je voyais souvent le mont Ena que j’appréciais tout particulièrement. J’ai grandi dans ce type de village avec des rizières, des rivières, et où la nature est foisonnante.

Au collège – lycée avez vous eu d’autre passion que le dessin ?

J’ai toujours aimé le dessin, je faisais des petits croquis, ou des maquettes de modèle réduit. Sinon je me promenais à bicyclette avec mes amis, parfois aussi en rollers.

Quel à été le déclic pour cette appétence pour l’horreur ? 

Ça me plaît depuis l’enfance : le premier manga que j’ai lu est de Kazuo Umezu ! Je regardais aussi des films d’épouvante à la télé, même jeune.

Avant de devenir mangaka vous étiez prothésiste dentaire et à 24 ans, vous décidez de passer un concours manga ! Pourquoi et quelle histoire y présentez-vous ?

Après le lycée, je suis devenu prothésiste dentaire, je fabriquais des dentiers. Je rêvais de faire des mangas. Alors, j’ai voulu tester Le Prix Kazuo Umezu qui est un concours organisé par les éditions Asahi Sonorama au sein du magazine mensuel de prépublication Gekkan Halloween. Je voulais faire en sorte d’attirer l’attention du grand maître Kazuo Umezu. L’histoire que j’ai présenté c’était Tomie.

Pendant 3 ans vous continuez le métier de prothésiste dentaire en parallèle du métier de mangaka, puis en 90 vous quittez votre emploi pour devenir mangaka à temps plein. Est-ce que votre entourage vous a soutenu ? 

Honnêtement, personne ne m’a conseillé de faire mangaka… mais on a qu’une seule vie. Le métier de prothésiste dentaire est difficile, je faisais des nuits blanches pendant lesquelles je préparais des dentiers. Puis, avec les mangas c’est devenu trop dur je maigrissais énormément. À un moment je me suis dis que j’allais mourir alors j’ai décidé d’arrêter mon travail.

Un ouvrage de vous très récemment sorti : Terroriser de chez Mangetsu, n’est pas un manga,  que contient-il ? 

Cet ouvrage n’est pas un manga mais un livre composé de texte de ma naissance jusqu’à mon arrivée en tant que mangaka, des choses personnelles. Des explications sur mes œuvres, on retrouve aussi des crayonnés de certaines de mes œuvres! 

Quand on est le maître du manga d’horreur a-t-on une pression pour faire des mangas d’horreur ?

Alors heureusement dans mon entourage personne ne m’a mis la pression mais des fans  »hardcore » (terme utilisé par le traducteur, ndlr) notamment sur les réseaux me mettent la pression… Enfin… je ne parlerais pas vraiment de pression car en réalité ça vient me motiver! 

Qu’est ce qui fait peur à Ito Junji ?

Depuis l’enfance j’ai toujours été quelqu’un de peureux ! J’ai affreusement peur des cafards et des milles pâtes. En plus, il y’en a beaucoup à la campagne japonaise, et on en a de très grandes tailles! La maison où je vivais petit, était une maison de campagne, tout était grand ouvert l’été. Il y avait énormément d’insectes volants dans la maison.

Janvier 2023 vous venez en France et visitez les catacombes de Paris que gardez vous comme souvenir ? 

J’ai toujours été intrigué par ces souterrains de Paris dont j’ai entendu beaucoup de rumeur, j’ai ce souvenir de ce tunnel avec tous ces squelettes humains ! Depuis les débuts de l’humanité combien de gens sont nés et morts, je me suis toujours demandé ça… et j’ai vu tous ces squelettes ! Ça m’a fait réaliser qu’il y avait eu énormément de personnes qui ont vécu avant nous, c’était un moment assez inoubliable.

Parlons un peu de Tomie, jeune fille assassinée par la folie humaine. Elle revient par la suite et c’est elle qui amènera autour d’elle la folie des hommes. Qu’est ce qu’est Tomie ? Subit-elle une malédiction  ? Ou est-elle elle-même une malédiction ? 

À l’époque où j’ai dessiné Tomie, c’était un moment au Japon où tout ce qui est horreur traitait du thème des fantômes. Je voulais prendre quelque chose de différent, ne pas avoir un être insaisissable, mais plutôt un être qui soit vraiment présent, qui est une âme, une enveloppe corporelle, mais pas pour autant un être humain. Tomie est donc plutôt un monstre. Je ne dirais pas, non plus, que Tomie est possédée ou maudite. Tomie, c’est une créature qui est hautaine, qui aime les marques chères. Et je voulais vraiment faire un manga d’horreur qui va droit au but… 

Après Tomie, en 2024 vous sortez un nouveau chapitre Tomie Control, est-ce que vous prévoyez une fin, un épilogue à ce personnage ?

C’est vrai que Tomie, c’est un processus sans fin dès qu’elle est tuée, elle va ressuscitée, se multiplier. Donc je n’ai pas l’intention de dessiner une conclusion à son histoire. Je l’imagine plutôt continuer à se faire assassiner et se multiplier. 

Elle apparaît pour la première fois il y a 38  ans, c’est devenu depuis, un personnage iconique de la pop culture. Pouvez-vous me dire les bons, et peut-être les mauvais côté quand on est le créateur d’un personnage aussi fort ?

C’est vrai que Tomie est l’œuvre avec laquelle j’ai fait mes débuts, j’y suis particulièrement attachée et je l’ai beaucoup travaillé. J’en suis assez fière de ce personnage. J’étais loin d’imaginer qu’elle serait aussi bien accueillie par les lecteurs. Je ne m’attendais pas à ce que des jeunes se cosplay plus tard en elle.

Tomie c’est aussi un monstre d’une œuvre d’horreur, c’est un personnage qui est destiné à être tué encore et encore. Un personnage extrêmement négatif donc. Ce qui peut m’inquiéter par rapport à Tomie c’est de me demander est-ce qu’elle peut insuffler des idées négatives à ceux qui la lisent ?

On a toujours un peu de mal à imaginer votre quotidien, c’est quoi votre journée type quand vous êtes dans une phase de création ? 

Avant de me marier j’avais une vie complètement déréglé le jour et la nuit était inversé. Une fois devenu père de famille, ça a tout changé. Maintenant, je me lève à 9h, je prends mon petit déjeuner, je fais la vaisselle, puis je prends mon vélo et en 5 minutes je suis à mon lieu de travail. Je travaille, je déjeune et je dessine mes mangas.

Si jamais j’ai sommeil, je fais une sieste. Ensuite je me dis que je vais me renseigner pour mes histoires. Je saisis donc mon téléphone mais finalement je me retrouve à regarder des vidéos YouTube, au lieu de travailler… Alors je ne suis pas très efficace ! Enfin, je rentre et je travaille en général jusqu’à 2 heure du matin. 

Avant d’être sur des scènes Japan Expo je présentais vos mangas sur YouTube, une question revenait souvent : par quoi commencer et pourquoi ? 

J’aurais tendance à conseiller Tomie pour commencer ou Uzumaki (spirale ndlr). Mais moi, à titre perso je préfère les formats courts, j’ai une prédilection pour ces œuvres. Je vais vraiment travailler avec précision sur chaque œuvre en y apportant toute ma concentration. Donc c’est vrai que j’ai très envie que les lecteurs lisent ces histoires courtes sous forme de recueil. 

Certains auteurs considèrent parfois, que l’une de leur œuvre était l’apogée de leur art, y a t il pour vous une œuvre qui marque votre apogée ?

Je vous disais à l’instant que j’aime beaucoup mes histoires courtes, il y en a deux que je citerais. La première date de 1994 : kubitsuri kikyuu – littéralement : le ballon de la pendaison. Ce sont des ballons qui ont le visage d’une personne et poursuivre cette personne dans le but de la pendre, car une corde est accrochée au ballon.

C’était une époque où j’étais extrêmement prolifique et je me sentais bien dans ma carrière. L’autre histoire que je citerais date de 1997 Nagai Yume – littéralement : un long rêve. C’est l’histoire d’un homme qui fait un rêve interminable, je l’ai dessiné à une période où j’étais vraiment bien dans ma carrière ! 

Y a t’il une question qu’on ne vous a jamais posé et que vous auriez répondre au jour ? 

Parallèlement à l’ouvrage Terroriser, Mangetsu sort un artbook, et un ouvrage qui s’appelle Suture. Il s’agit d’un ouvrage signé par Hirokatsu Kihara et les illustrations ont été effectuées par moi. Le manga vient de sortir en France, j’aimerais beaucoup que mes lecteurs le lisent! 

J’ai une dernière question, aujourd’hui comment voyez vous le jeune mangaka que vous étiez ? Et si vous en aviez l’occasion auriez vous un message à lui faire passer ?

C’est vrai qu’une fois que j’ai fait mes débuts dans le manga, je ne me suis jamais arrêté, j’ai travaillé et encore travaillé. Je me suis concentré dessus, je me rends compte que j’ai fait énormément d’efforts ! Donc si je devais adresser un message au moi du passé : bravo pour tout ce que tu as fait et lui témoigner ma reconnaissance ! 

Une petite surprise est, alors, annoncée pour le public de Japan Expo : Crimson – Junji Ito. 

Est ce que vous voudriez dire un petit mot de fin ?

C’est la 3e fois que je viens en France, je ne me suis jamais autant rendu dans un pays d’Europe autant qu’en France. C’est vraiment un pays que j’admire beaucoup, et j’espère que j’aurais d’autres occasions de revenir et de vous voir. Mais déjà, j’étais extrêmement heureux de pouvoir vous voir aujourd’hui et je vous remercie beaucoup de votre venue et de votre déplacement. 

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