Une célébration de l’amour maternel

Les œuvres du Studio Ghibli accordent une place importante aux liens familiaux et aux figures maternelles. Dans des films comme Ponyo, Kiki la petite sorcière, Mon voisin Totoro ou Si tu tends l’oreille, les mères apparaissent comme des présences bienveillantes, protectrices et inspirantes. À travers cette sélection spéciale, La Maison Ghibli rend hommage à cet amour discret mais essentiel qui accompagne chacun tout au long de sa vie !

Des cadeaux remplis d’émotion

Pour célébrer cette journée particulière, La Maison Ghibli a imaginé une sélection d’objets inspirés de l’univers du studio japonais. Cache-pots, sacs, théâtres de papier, coffrets de cire à cacheter, peluches, figurines ou encore boîtes à musique composent cette collection empreinte de douceur et de poésie, pensée pour faire plaisir aux mamans.

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Le Synopsis

Jeune idole de la pop en pleine ascension, Mai commet l’irréparable : tomber amoureuse, malgré l’interdiction formelle inscrite dans son contrat. Lorsque sa relation éclate au grand jour, Mai est traînée par sa propre agence devant la justice. Confrontés à une machine implacable, les deux amants décident de se battre pour défendre leur droit le plus universel : celui d’aimer.

Mon Avis

J’ai découvert le film lors d’une projection presse au Club 13 à Paris, dans un cadre intimiste, propice à la concentration et à l’écoute. Une expérience qui correspond bien à la nature même du film : discrète, contenue, presque silencieuse.

Une histoire d’amour interdite

Mai est une jeune idole japonaise en pleine ascension. Tout semble lui sourire, jusqu’au jour où elle tombe amoureuse, un acte considéré comme une faute grave dans un milieu où la pureté et la disponibilité fantasmée font partie du produit.

Lorsque sa relation est rendue publique, son agence la traîne en justice pour rupture de contrat. S’ouvre alors un combat déséquilibré entre une jeune femme et une machine institutionnelle bien rodée, où l’amour devient une infraction et le choix personnel un préjudice financier.

Un film profondément ancré dans le réel

Difficile de ne pas faire le lien avec l’actualité, notamment lorsqu’on s’intéresse de près aux industries culturelles asiatiques, qu’il s’agisse de la J-pop, de la K-pop ou du star-system japonais plus largement. Love on Trial met en lumière un système qui exige tout de ses idoles, jusqu’à leur intimité, tout en entretenant une relation ambiguë avec leurs fans.

Le film montre avec justesse la fracture au sein de la communauté : entre soutien sincère et sentiment de trahison, Mai devient un symbole malgré elle. Une figure sur laquelle chacun projette ses attentes, ses frustrations, ses idéaux.

Une approche volontairement retenue

La mise en scène de Koji Fukada est très épurée, presque austère. Le récit avance lentement, laissant beaucoup d’espace aux silences, aux regards, aux non-dits. Un choix assumé, qui renforce le caractère étouffant du système judiciaire et administratif auquel Mai se heurte.

Cette lenteur peut cependant surprendre. Le film dure un peu plus de deux heures, et le rythme très posé demande une réelle disponibilité du spectateur. Ce n’est pas un film qui cherche à captiver par le spectaculaire, mais plutôt à installer une atmosphère, parfois au risque de diluer la tension.

Un angle qui interroge… mais frustre parfois

Si le propos est fort et nécessaire, Love on Trial fait le choix de rester relativement en retrait sur certains aspects très concrets de la violence subie par les idoles. Le harcèlement massif, les menaces, la pression psychologique extrême, pourtant bien documentés dans la réalité, restent ici en arrière-plan.

Le film se concentre avant tout sur le conflit légal et institutionnel, laissant de côté une partie de la brutalité humaine que ces situations impliquent. Un parti pris qui peut laisser un sentiment d’inachevé, tant ces dimensions font partie intégrante du problème.

Une œuvre importante, mais exigeante

Love on Trial n’est pas un film facile, ni dans son rythme, ni dans sa narration. Il s’adresse à un public prêt à prendre le temps, à observer, à réfléchir. Malgré ses limites, il pose des questions essentielles sur le contrôle des corps, des émotions et des libertés, dans une industrie qui continue de fasciner autant qu’elle inquiète.

Un film imparfait, mais nécessaire, qui mérite d’être vu, ne serait-ce que pour ouvrir le débat.

Sortie en salles : 18 février 2026
Durée : 2h03

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Le HINA MATSURI

Une tradition très ancienne

Si vous allez au Japon en début d’année, vous ne passerez pas à côté du Hina Matsuri, même si cette fête a lieu le 3 mars.

Avec des prix pouvant atteindre plusieurs centaines d’euros, ces poupées sont en réalité à destination des petites filles afin de leur souhaiter une année en bonne santé.

Les poupées sont installées sur un autel recouvert d’un tissu rouge (Hinadan) et représentent la cour impériale traditionnelle japonaise. Chaque étage représente la cour impériale de la période Heian. Au sommet y figure l’empereur et l’impératrice, puis les dames de cour, les musiciens, les ministres et gardes.

Selon les croyances, la poupée est offerte à la petite fille afin qu’elle puisse éloigner le malheur, les maladies et les impuretés.

C’est une tradition qui se perpétue toujours aujourd’hui.

Attention, ces poupées ne se prêtent pas, même entre soeurs. Elles sont manipulées avec grands soins.

Dans les familles où il n’y a que des garçons, le Hina Matsuri n’est pas célébré. Ces derniers ont également leur propre fête, le 5 mai (sans poupée cette-fois).

Où les voir ?

Les poupées sont visibles dans les magasins, dans les magazines, dans certains festival, comme celui à Chiba, au sanctuaire Tomisaki, qui expose chaque année des milliers de poupées, dans certains musées ou expositions…

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Un art millénaire qui frappe au cœur – Du 5 au 8 février à Paris

Kodō est une une expérience qui dépasse la scène pour atteindre directement le spectateur. Leur nom signifie à la fois « enfants du tambour » et « battements de cœur », et il suffit d’assister à une seule représentation pour comprendre à quel point ces deux sens se rejoignent.

Les musiciens frappent, respirent, se déplacent avec une précision presque martiale, comme si chaque geste était hérité d’un rituel ancien. Les sons graves et profonds des tambours font vibrer les murs, mais aussi les corps, créant une communion immédiate entre l’artistes et le public.

Le spectacle « Luminance », présenté lors de cette tournée 2026, s’inscrit dans cette tradition tout en explorant une dimension plus contemporaine. Kodō a toujours su naviguer entre ses racines et son ouverture au monde, puisant dans ses voyages et ses rencontres pour enrichir son langage musical. Sur scène, cette dualité se ressent dans l’alternance entre des tableaux d’une intensité presque guerrière et des moments plus subtils, où les percussions deviennent murmures, évocations de la nature, du vent, de l’eau, des éléments qui se répondent.

Originaire de l’île de Sado, le groupe porte avec lui une histoire singulière. Depuis sa naissance en 1981, il n’a cessé de parcourir les continents, de Berlin à Los Angeles, de Nagano aux scènes du Moyen‑Orient. Leur performance aux Jeux olympiques d’hiver de 1998 a marqué les esprits, tout comme leur festival Earth Celebration, organisé chaque année sur leur île natale. Kodō est devenu un ambassadeur mondial du taïko, un symbole de discipline, de spiritualité et de créativité.

Mais c’est sur scène que leur art prend toute sa dimension. Les musiciens, véritables athlètes, se soumettent à un entraînement rigoureux pour manier ces tambours monumentaux. Leurs silhouettes sculptées, éclairées par des jeux de lumière millimétrés, donnent parfois l’impression d’assister à une danse rituelle autant qu’à un concert. Chaque frappe raconte une histoire, chaque silence prépare une déflagration, chaque tableau laisse à peine le temps de reprendre son souffle.

Kodō se produira du 05 au 08 Février sur Paris !

Cette série de représentations à la Salle Pleyel est une occasion rare de découvrir un art qui traverse les âges sans jamais perdre sa force.

Pour Paris, c’est un privilège. Pour ceux qui auront la chance d’y assister, ce sera un moment suspendu. Une expérience qui marque, qui habite, et qui rappelle que certaines formes d’art ne se regardent pas : elles se vivent.

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Un voyage intime et plein d’autodérision dans le Japon qui l’a façonné

Cette BD de plus de 200 pages, entièrement écrite et dessinée par lui, rassemble près de 70 planches inédites dans un style épuré, relevé de couleurs vives.
Un objet qui lui ressemble : simple, chaleureux, sincère, et profondément attaché à la pop culture japonaise qui l’accompagne depuis ses débuts.

Depuis plusieurs années, l’intérêt pour le Japon explose en France.

Le pays est devenu le 2ᵉ plus grand consommateur de mangas au monde, et en 2025, plus de 430 000 Français ont traversé la planète pour découvrir l’archipel.

Dans ce contexte, Cyprien ne cherche pas à faire concurrence aux guides officiels : il raconte son Japon, celui qu’il a appris à aimer au fil de ses voyages, entre clichés assumés, anecdotes personnelles et fascination pour la culture locale.

Le résultat : une BD qui parle autant aux fans de longue date qu’aux curieux, et qui offre un regard décalé sur un pays souvent idéalisé.

Cyprien, un créateur qui multiplie les formats

Révélé par ses vidéos humoristiques devenues cultes, Cyprien s’est imposé comme l’une des figures majeures du YouTube français.
Mais son parcours dépasse largement la plateforme :

• 2015 : il scénarise Roger et ses humains, un succès massif ensuite adapté en série animée.
• 2017 : il crée L’Épopée Temporelle, une série audio devenue elle aussi un projet d’animation.
• Entre-temps, il multiplie les rôles : comédien, réalisateur, scénariste, voix principale de ses propres créations.

Avec Le pire guide du Japon, il franchit une nouvelle étape : une BD entièrement personnelle, où il signe à la fois le texte et le dessin.

Pour en savoir plus sur Le pire guide du Japon, rendez-vous sur ce lien ou suivez Cyprien sur Instagram. 

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Xbox démarre 2026 sur les chapeaux de roues. La marque a confirmé le retour de son Developer_Direct le 22 janvier à 19h (heure française), un rendez-vous désormais bien installé pour découvrir les coulisses et le gameplay des jeux Xbox à venir… directement racontés par leurs créateurs.

Et le programme a de quoi faire rêver : Fable, Forza Horizon 6 et une toute nouvelle licence signée Game Freak seront au cœur de l’événement.

Un Developer_Direct sous le signe du gameplay et de la création

Présenté directement par les équipes de développement, ce Developer_Direct promet une immersion totale dans les jeux, mais aussi dans les studios qui leur donnent vie. Une façon symbolique et ambitieuse de célébrer les 25 ans de Xbox, entre retours de licences cultes et nouvelles propositions audacieuses.

Deux projets majeurs viennent notamment de Playground Games, avec un focus appuyé sur leurs prochaines productions.

Fable : Albion renaît enfin

L’un des jeux les plus attendus de ces dernières années sera enfin montré plus en détail. Playground Games proposera une présentation étendue de Fable, permettant de replonger dans le monde féérique d’Albion.

Humour britannique, choix et conséquences, aventures imprévisibles et éléments iconiques de la licence (oui, les poules sont toujours là ) : cette nouvelle version de Fable entend respecter l’ADN de la saga tout en la modernisant, aussi bien pour les fans de la première heure que pour les nouveaux joueurs.

Forza Horizon 6 prend la direction du Japon

Autre moment fort de la soirée : les premières images de gameplay de Forza Horizon 6. Cette fois, la célèbre licence de course en monde ouvert nous emmène au Japon, une destination très attendue par la communauté.

Paysages variés, environnements contrastés et nouvelles fonctionnalités seront au programme de cette première démonstration, qui devrait donner un bon aperçu de l’ambition de ce nouvel épisode.

Beast of Reincarnation : la surprise venue de Tokyo

Pour finir, le Developer_Direct fera une halte au Japon pour révéler Beast of Reincarnation, le récent RPG d’action solo conçu par Game Freak.

Le jeu présente Emma, une héroïne dotée de la capacité de contrôler la végétation, qui est toujours accompagnée de son chien dévoué, Koo. L’histoire prend place dans un Japon post-apocalyptique, aussi captivant qu’hostile. Pour la première fois, les développeurs dévoileront les mécanismes de jeu et les secrets de création de ce projet novateur.

Où et quand regarder l’événement ?

Le Developer_Direct Xbox sera diffusé le jeudi 22 janvier à 19h (heure française) sur les chaînes YouTube et Twitch Xbox France.
Un rendez-vous à ne pas manquer pour toutes celles et ceux qui veulent voir à quoi ressemblera le futur proche de Xbox.

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Alors que la plupart des accessoires de plaisir sont destinés aux hommes ou aux femmes, la nouvelle gamme TENGA EGG Standard peut être utilisée par tout le monde, elle est unisexe.

Voici l’avis de la rédaction:

Une boîte, six Eggs à usage unique, six sensations différentes. À l’usage, c’est d’une simplicité désarmante : on ouvre, on lubrifie, et on se laisse porter. Le mode d’emploi est clair, et surtout… ça fonctionne. Les sensations sont douces, précises, et varient vraiment selon l’Egg utilisé. Certains sont plus enveloppants, d’autres plus texturés : on sent immédiatement la différence.

Ce qui frappe, c’est à quel point l’objet est discret et accessible. Pas de mécanismes compliqués, pas de design intimidant : juste un petit œuf extensible qui fait exactement ce qu’on attend de lui. C’est une porte d’entrée idéale pour ceux qui n’ont jamais testé d’accessoire masculin et qui veulent quelque chose de simple, efficace et sans prise de tête.

Et honnêtement, ça fait du bien de voir qu’il existe enfin des produits pensés pour notre plaisir, sans tabou et sans gêne. Les sextoys masculins restent encore trop méconnus et sous-représentés, alors qu’ils ont toute leur place dans une sexualité saine, curieuse et assumée.

Les Tenga Eggs, eux, ont le mérite d’ouvrir la voie : un produit ludique, facile à utiliser, respectueux du corps et qui normalise une réalité toute simple le plaisir masculin mérite la même attention, la même créativité et la même diversité que le reste.

Démocratiser ces accessoires, c’est encourager une relation plus libre, plus décomplexée et plus positive avec son propre corps. Et franchement, on ne va pas s’en priver.

Caractéristiques du produit :

Dimensions (pack de 6) : (H × L × P mm) : 75 mm × 175 mm × 122 mm Poids (g) : 350

Taille (EGG à l’unité) (H × L × P mm) : 61 mm × 49 mm × 49 mm Poids (g) : 36

Autres caractéristiques : Matériau extensible, À usage unique, Unisexe, Échantillon de lotion inclus

Composition:

Emballage : PET Enveloppe de l’EGG : PP

Manchon de l’EGG : Elastomère thermoplastique (TPE) TENGA EGG LOTION (5 ml)

Disponible sur : eustore.tenga.co/fr

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Pour comprendre pourquoi cette paire est devenue iconique, il faut remonter à l’après-guerre, à un Japon en ruine, en quête de sens, de force et de renaissance.

Une chaussure née d’un pays à reconstruire

Après la Seconde Guerre mondiale, le Japon tente de se relever d’un pays brisé.
Dans ce contexte, Onitsuka Kihachiro, ancien militaire, décide de contribuer à la reconstruction — non pas sur le plan économique, mais sur le plan moral.

Pour lui, le sport est la voie pour restaurer la discipline, la rigueur et la dignité du peuple japonais.

Avec très peu de moyens, il fabrique lui-même des équipements pour les écoles et les jeunes athlètes. Son objectif :
permettre au Japon de briller à nouveau à travers le sport.

Mais pour y parvenir, il lui faut une chaussure qui réinvente la performance…

Une innovation inspirée par la nature

Onitsuka observe, analyse… et trouve l’inspiration là où personne ne la cherchait :
dans les ventouses d’un poulpe.

Cette idée improbable donne naissance à une semelle capable d’adhérer parfaitement aux pistes. Une révolution.

Il allège ensuite la chaussure au maximum en utilisant des matériaux extrêmement fins.

Trop fragiles ? Alors Onitsuka imagine des bandes cousues pour renforcer la tige — une solution pragmatique… qui deviendra plus tard un des symboles visuels d’ASICS.

Le retour de la fierté japonaise

L’impact est immédiat.

Deux ans plus tard, en 1951, Shigeki Tanaka, marathonien japonais, remporte le marathon de Boston avec une paire Onitsuka Tiger.
Un exploit symbolique : le Japon, humilié et affaibli, renaît sur la scène internationale.

Cette ascension se poursuit jusqu’aux Jeux olympiques de 1968, où les athlètes japonais brillent en portant les créations d’Onitsuka.

Puis vient l’étape décisive : la fusion de la Onitsuka Company avec GTO et G-Link, donnant naissance à ASICS, acronyme de Anima Sana In Corpore Sano — “un esprit sain dans un corps sain”.

Les bandes croisées, nées d’une simple contrainte technique, deviennent alors un marqueur mondialement reconnu.

De Bruce Lee à Kill Bill : la pop culture s’en empare

Si la Onitsuka Tiger devient un objet culte, c’est aussi grâce au cinéma.

Sa version jaune et noire est d’abord portée par Bruce Lee, qui la transforme en icône immédiate.

Des années plus tard, Quentin Tarantino y rend hommage dans Kill Bill, où Uma Thurman arbore une tenue directement inspirée de celle de Bruce Lee.

Ce choix n’est pas anodin : le film repose sur une thématique de renaissance après la chute — un clin d’œil évident au symbole que représente Onitsuka Tiger dans l’histoire japonaise.

Une sneaker devenue symbole culturel

Aujourd’hui, la Onitsuka Tiger n’est pas seulement une chaussure mais une part complète du patrimoine japonais.

Heureusement, sa légende continue de vivre, portée autant par les passionnés que par les nouvelles générations qui découvrent son histoire.

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Le Synopsis

Après une dernière tournée éprouvante, Aurélien décide de s’installer au Japon avec sa femme Nanako, enceinte de leur premier enfant. Alors que le jeune couple emménage dans une maison traditionnelle dans la campagne japonaise, Aurélien découvre dans un puits une armure ancestrale qui va réveiller d’étranges créatures, les Yokaïs.

Mon avis

Grande fan d’Orelsan mon avis ne sera peut-être pas des plus objectifs ou peut-être que si justement. Dès le début Orelsan, ou plutôt Aurélien nous embarque avec lui dans son monde. On comprend tout de suite que ça ne sera pas un film que « drôle ». Yoroï nous propose une immersion dans la vie oppressante d’un chanteur mais de manière métaphorique.

Orelsan fait du Orelsan

Yoroï c’est un film d’Orelsan avec Orelsan et ça se voit. On retrouve la même énergie que dans Comment c’est loin avec au final un synopsis basé sur … la vie d’Aurélien. Une nouvelle manière d’entrer dans l’univers du rappeur avec des clins d’œil (voulus ou non) à ses titres et aussi des références à la pop culture qu’il affectionne tant. Oui oui on les a vus ! D’ailleurs une question subsiste toujours : l’armure de Yoroï est-elle un clin d’œil à l’armure de Guts ? (Berserk).

Et sinon, on s’en doute Orelsan n’est pas acteur et ça se voit. C’est peut-être l’une des forces mais aussi l’une des faiblesses de ce film. Pourtant, c’est le fait qu’il soit lui qui rend Yoroï touchant. On y retrouve le flegme caractéristique du rappeur, ce qui rend les situations parfois cocasses et donc drôles.

Et malgré tout, ça reste l’occasion de voir Orelsan d’une autre manière, grâce au personnage d’Orelsama qu’il interprète avec brio. Je n’en dis pas plus pour éviter le spoil.

Comédie ou film d’action ?

Le gros du film on s’en doute c’est la comédie. Tout est fait pour que l’on rigole dès qu’on peut. Mais au final sous ses airs de film comique Yoroï c’est aussi un film de baston et même bien plus que ça, mais j’y reviendrai. Parlons de l’action.
Qui dit êtres maléfiques dit forcément bagarre ! C’est des mois voire des années d’entraînement pour Clara Choï (actrice derrière le rôle de Nanako) et Orelsan. Des costumes étudiés pour cela.

Je vous propose d’ailleurs de suivre l’atelier derrière la création de l’armure et des effets fx, vous y trouverez pas mal de backstage.
Les combats sont chorégraphiés avec minutie laissant place à de très belles scènes.
On regrettera juste lors du combat final quelques faux raccords qui brisent la magie du face à face.

Sous ses airs de comédie, des thématiques fortes

Si le fer de lance de Yoroï c’est la comédie, pour moi ce sont surtout les thématiques abordées.
Avec humour et/ou métaphore, le film aborde beaucoup de questionnements propres à chacun et surtout propres au milieu artistique (burn out, apparences etc…). Les Yokaïs représentent au final les peurs et vices les plus intimes du porteur de l’armure. Des peurs qui peuvent tous nous toucher et qui sont sublimées par 2 des nouveaux titres d’Orelsan.

Le film met aussi en place un renversement « du pouvoir » assez intéressant. En général, l’homme protège la femme dans tout film dit d’action. Ici renversement des rôles avec une mise en avant du personnage de Nanako. C’est plaisant et rafraîchissant. Surtout que cela permet aussi de souligner que l’homme a également le droit d’avoir sa fragilité. Et pour moi c’est un beau message qui est ici véhiculé.

Personnellement, j’ai beaucoup apprécié ce film. Et surtout j’ai beaucoup ri ! Une pause agréable dans notre quotidien avec quelques éléments qui poussent à la réflexion. Un film qui nous plonge aussi dans une façade de la culture japonaise de manière parfois un peu what the fuck mais après tout ça fait un bel écho aux films de série B ou même à quelques clichés liés au Japon. En bref, fallait aller chercher ce film et Orelsan et David Tomaszewski l’ont fait.

MA NOTE 16/20

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Installée au 37 rue de Rivoli jusqu’au 4 janvier 2026, la Maison Ghibli célèbre les 40 ans du Studio Ghibli dans une boutique unique en son genre car on retrouve tous les univers Ghibli au même endroit !

Dans cet espace de 120m², une sélection d’articles pour tous les âges et tous les budgets est proposée. On retrouve des peluches, figurines, vaisselle, papeterie, vinyles et objets artisanaux inspirés de Mon Voisin Totoro, Le Voyage de Chihiro, Princesse Mononoké ou encore Kiki la petite sorcière.

Pour ceux qui ne peuvent pas se déplacer, Maison Ghibli propose également une boutique en ligne avec livraison partout en France !

Plus d’informations sur leur Instagram : @maisonghibli.

Infos pratiques :

Dates : du 18 octobre 2025 au 4 janvier 2026

Adresse : 37 rue de Rivoli, 75004 Paris

Boutique en ligne : https://www.maison-ghibli.com/fr/

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