Artiste aux divers talents, elle a su passer de l’animation, au manga en passant par la sculpture avec brio !

Retour sur notre échange !

J’ai vu que vous étiez autodidacte. Est-ce que vous avez des conseils pour en faire un métier ?

Déjà, de bien développer sa patte personnelle. Quand on est autodidacte, il y a beaucoup de gens qui ont tendance à être sous l’influence de certains auteurs ou de certaines tendances. Et l’une des choses qui est très importante quand on veut se lancer, et qu’on n’a pas de diplôme ou de choses comme ça qui attestent d’une capacité, c’est d’extrêmement bien développer sa patte personnelle.

« Quand on est autodidacte, il y a beaucoup de gens qui ont tendance à être sous l’influence de certains auteurs ou de certaines tendances. »

Donc, quand on est autodidacte et qu’on veut se lancer dans l’édition professionnelle, il va falloir trouver sa patte. Il faut passer beaucoup de temps à le faire et, surtout, il faut éviter de trop se comparer aux autres. Il faut vraiment rester sur son optique à soi, son but à soi, et chercher à combler ses propres lacunes. Tout ça, sans forcément penser que le profil qu’on a est le même que celui d’un autre, qui pourrait lui aussi être autodidacte.

Voilà, c’est vraiment un truc : se mettre la tête entre quatre murs et bûcher à fond son truc pour développer sa patte perso. Car, au moment où l’on va se retrouver en concurrence avec les autres autodidactes qui vont proposer des dossiers — surtout ces dernières années, on a vu que ça s’est drôlement développé, il y en a vraiment eu de plus en plus — la concurrence est forte. Donc il va falloir, non seulement être bon, mais aussi faire des trucs vraiment personnels qui se détachent.

Donc pour moi, un autodidacte, vu qu’il n’est pas formé à faire quelque chose de standard, sa force, elle va être dans ce qui le différencie des autres.

Comment est née la collaboration avec Aienkei pour Horion ?

Alors, ça remonte à assez loin. C’est quelqu’un que j’avais rencontré sur un salon de type Japan Expo. C’était d’ailleurs il y a 20 ans. On s’était rencontrés tout à fait par hasard, avec des groupes d’amis qui se connaissaient, mais on n’avait pas parlé ni de scénario, ni de dessin, ni de quoi que ce soit. On s’était juste dit : « Ah ben c’est cool, pour une prochaine édition, ce serait sympa qu’on se retrouve. » Donc on avait pris les adresses les uns des autres pour correspondre.

Et en fait, on s’est rendu compte, en échangeant, que lui, il écrivait drôlement bien. Et moi, en fait, comme je trouvais que ce qu’il écrivait, c’était super chouette, mais que j’avais pas ce niveau d’écriture, je décorais de plus en plus les envois que je lui faisais.

On s’est découvert qu’en fait, il avait une âme de scénariste et moi de dessinatrice. Les années ont passé comme ça, on est restés amis et tout. On a commencé à parler de ce qu’il aimait écrire, des personnages qu’il imaginait, etc. Et moi, je prenais beaucoup de plaisir à les dessiner, à les mettre en image. Car forcément, quand on écrit des histoires, l’un des trucs qui fait surtout plaisir, quand on est dans l’univers du manga, c’est de voir apparaître ses personnages. J’adorais faire ça, parce que j’avais pas spécialement des idées de scénario. Donc j’étais hyper inspirée par les siennes, et j’ai commencé à dessiner ses persos.

De fil en aiguille, en fait, on s’est dit : « Ah, euh, on pourrait faire un projet de fanzine qui reprendrait ces persos… enfin, des histoires que toi tu écris, et moi je mettrais tout en image. » Et c’est ainsi qu’est née la première mouture d’Horion. Elle est apparue dans les années 2000, où justement on avait fait un petit fanzine — enfin, qui faisait quand même 80 pages — avec des planches et du texte qui présentaient déjà des personnages qu’on retrouvera d’ailleurs dans le Horion moderne.

C’était l’époque où on avait nos études, le boulot, tout ça. Donc tout ça, c’est resté en arrière-plan pendant qu’on faisait le travail, les cours et tout. Puis, passé un certain stade, où j’ai travaillé dans une entreprise où l’on faisait du jeu vidéo et du dessin, on s’est dit : « Ah là, quand même, on commence à connaître les ficelles du monde professionnel pour les avoir côtoyées et tout. Ce serait peut-être carrément bien, en fait, de reprendre le projet qu’on a toujours développé en arrière-fond pendant toutes ces années, de lui donner un coup de jeune et de faire un dossier de présentation pour les professionnels. »

Et en fait, c’est comme ça qu’on en est arrivés là. On a fait ce dossier, on l’a envoyé aux éditeurs, et il a été pris tout de suite, dans les six mois. C’est comme ça qu’on a pu créer le nouvel Horion. Donc Horion, il remonte à super loin, il a beaucoup évolué, mais c’est toujours lui qui est arrivé à la fin chez Glénat.

Justement, entre le fanzine et maintenant, il y a eu quoi comme vraies différences ?

Bah déjà, graphiquement, il s’est passé tellement d’années… C’est plus du tout pareil. J’ai fait énormément d’expériences au niveau graphique, au niveau des mises en page, des plans caméra, tout ça.

J’ai beaucoup mûri. Entre le moment où on est étudiant et le moment où on est dans le monde professionnel, il y a beaucoup de choses qui changent.

Et le rapport aux éditeurs, les attentes des éditeurs aussi ont beaucoup changé. Donc, fut un temps, par exemple, on nous demandait beaucoup de faire du manga qui était assez hybridé avec la BD. Les éditeurs avaient toujours pris pour habitude d’exploiter le style européen. Et le manga de création, faut quand même bien le dire, il y a 20/25 ans en arrière, il n’en était absolument pas question. Donc, il y a bien eu deux ou trois tentatives, mais elles étaient un peu vues comme des ovnis. C’était pas du tout un label qui existait chez les maisons d’édition. Alors qu’ils commençaient déjà, quand même, à bien battre leur plein avec l’importation et la traduction de mangas. La création, c’était déjà plus difficile.

Donc après, ils se sont rendus compte qu’en fait, il y avait énormément de gens de notre génération — des personnes nées entre la fin des années 80 et les années 90 — qui s’étaient énormément entraînés. Du coup, le style est devenu beaucoup plus mature. Et par rapport aux fanzines, c’est devenu plus personnel. Il commençait à y avoir du développement personnel, des univers personnels, beaucoup moins de fanarts, de trucs comme ça.

Et pour moi, d’un point de vue auteur, la différence principale, elle va être très terre à terre. C’est que quand un éditeur nous gère, on n’a pas à faire toute la distribution, ces choses-là. Quand on fait du fanzinat, le souci, c’est qu’il faut penser à chercher où est-ce qu’on va faire imprimer, il faut qu’on ait la place pour les stocks.

C’est comme l’autoédition maintenant. Sauf qu’à l’époque, en plus, il n’y avait pas Internet, ni tout ça, développé comme aujourd’hui. Il n’y avait pas de sites exprès pour faire du print. Donc les fanzines de mon époque, c’était assez rude.

Donc la grande différence, déjà techniquement, avec la vie en édition, c’est que là, on a quelqu’un qui manage nos sorties, les promos, les trucs comme ça. Et puis après, d’un point de vue vraiment du bouquin : il y a mes premières moutures, elles n’étaient pas jolies, alors que maintenant, ça profite de toute l’expérience que j’ai eue. Et donc le bouquin est beaucoup plus beau que le fanzine.

Même scénaristiquement, il y a eu beaucoup de changements ?

Oui, complètement. On a tous mûri, on a tous grandi, on a pris le temps justement de réfléchir. Et puis, l’optique de le faire pour une plus large distribution que quand on fait du fanzine, ça permet aussi de considérer le lectorat. D’essayer de se projeter un peu plus que juste avec un cercle un peu fermé.

Le fanzine, à l’époque, c’était quand même des cercles assez fermés, où c’étaient vraiment souvent les fans qui parlaient aux fans. Alors que là, quand on fait du manga pour les professionnels, c’est beaucoup plus large, soudainement.Donc, on a pris de la bouteille, on est plus grands, on a vécu plus de choses dans la vie. Du coup, on n’appréhende pas la façon dont on va dessiner ou scénariser de la même manière.

« La motivation intrinsèque de départ, elle est restée exactement comme au départ. »

Par contre, pour ce qui est vraiment du fond, c’est-à-dire la motivation de départ et tout, ça n’a pas changé du tout.C’est juste vraiment dans la forme : on a appris à présenter les choses, à les rendre plus fonctionnelles. Donc il y a une différence, mais la motivation intrinsèque de départ, elle est restée exactement comme au départ.

Encore une fois, là c’est une chance : quand on travaille, nous, avec Glénat, ils nous laissent vraiment faire. Ils nous font vraiment confiance sur le développement du projet.C’est quelque chose qu’on peut demander à ne pas avoir, c’est-à-dire que, quand on est un jeune auteur, on peut demander à être supervisé et suivi par son éditeur.

Mais il se trouve que, nous, dans notre cas, comme le projet était bien étudié, notre éditeur est toujours là quand on demande, mais il n’est pas là à nous corriger ou à nous fliquer. Donc ça, pour nous, c’est OUI !

Pour Horion, vraiment, on a une super liberté, et ça, c’est hyper bien.

Il y a combien de temps à peu près pour la création d’un tome ?

Alors, normalement, c’est un an, mais il m’arrive souvent de dépasser un peu.Ça dépend de plein de choses : la vie personnelle, quand on est indépendant, des fois ça prend un peu le dessus, plus ou moins, sur le travail.

Comme j’expliquais plusieurs fois, quand on bosse en entreprise, on peut vraiment faire une distinction entre la vie personnelle et la vie professionnelle.Alors, ça n’a pas toujours des super avantages — la plupart du temps, d’ailleurs, ça n’en a pas. Comme je disais, on ne voit jamais chez soi, on ne voit pas sa famille, on ne voit pas ses animaux… Enfin, c’est très difficile.Nous, on n’a pas ces désavantages-là quand on est indépendant.

Mais par contre, la vie personnelle est beaucoup plus fusionnée avec la vie professionnelle.Comme on bosse à la maison, il arrive des fois que, sans réel gros événement, on soit extrêmement ralenti dans son travail.

Donc moi, en général, ça fait un an, parfois un an et demi entre chaque tome. Les trois premiers étaient sortis vraiment à un an d’intervalle — enfin, le premier et le deuxième, moins — après, on était rentrés dans un rythme de production un peu plus posé : c’était un an.Et quand il y a eu le Covid, là par contre, euh… j’ai mis plus. Le 5 est ressorti l’année d’après le 4. Mais par contre, là, pour le 6, normalement, il aurait dû sortir cet été, mais au final, il va être certainement pour la fin de l’année. Ce qui fera, du coup, plus d’un an.

Il y a des trucs, des machins, même pas des trucs énormes, mais qui font que c’est ralenti. C’est assez difficile, cette part-là du travail d’indépendant : justement, d’avoir une différenciation, enfin de réussir à se couper des problèmes, des soucis de santé, parce qu’on reste dedans, on travaille en étant toujours sur le même lieu.

Quand il y a quelqu’un qui ne va pas bien dans la famille ou quoi, bah, on est avec. Donc, des fois, c’est un peu difficile et ça ralentit le travail.

Il y en a qui arrivent très bien à le gérer, hyper bien. Moi, des fois, vraiment, pour le coup, ça déborde, et puis pendant une semaine, j’aurais pu rien faire. C’est pas bien.

Tiff : Du coup, les fans sauront à cause de qui ça traîne (rires)

Enaibi : Ah oui, mais de toute façon, ça ne peut être que moi, je suis en bout de chaîne ! (Rires)

Il y a beaucoup de personnages dans Horion. C’est environ combien de chara designs différents avant de trouver le bon ?

Oui, ça dépend des personnages, très honnêtement, c’est très aléatoire. Les premiers, qu’on voit d’ailleurs beaucoup dans le tome 1… alors pas pour les deux personnages principaux, qui eux ont été ajoutés exprès pour le projet de *Horion* moderne — comme je fais la distinction entre l’ancien et le moderne. Mais la plupart des personnages qu’on voit dans la cité de Landgrave — la cité principale, là où les personnages principaux se rendent — ont été repris du projet initial.

Donc eux, ça va, je les ai mis à jour, mais j’ai pas eu besoin de les refaire. Il y a des choses qui ont été revues selon mes goûts d’aujourd’hui et selon ma façon de dessiner d’aujourd’hui, qui a bien évolué quand même. Mais au moins ceux-là, j’ai pas eu à les refaire.

Pour les personnages nouveaux, très honnêtement, c’est très aléatoire. Il y a des personnages qui sortent vraiment très vite. Et il y en a d’autres, alors qu’ils apparaissent pas beaucoup, je galère pendant trois mois.

En fait, Aienkei, lui forcément, comme il écrit, il a une image du personnage. S’il faut qu’il le fasse vivre, il faut qu’il le connaisse. Donc il se fait un personnage dans sa tête, avec un caractère et tout ça, mais ça reste un fan de manga. Donc forcément, il a un genre de guide graphique dans sa tête pour voir ce personnage au moment où il écrit, pour s’imaginer ses scènes et tout. Simplement, après, moi quand je lis le script, c’est pas forcément exactement la même chose.

Ou alors, j’essaie de proposer quelque chose qui va justement sortir du premier standard auquel on aurait pensé. Comme il ne le représente pas, il n’est pas non plus obligé d’être précis. Il me dit : “Oui, c’est un personnage, il est comme ci, comme ça, je le verrais bien du coup avec plutôt une coiffe en pétard parce que ça correspond au caractère que je voudrais qu’il évoque tout de suite quand on le voit en image.” Mais des fois, moi je me dis : “Ah ouais, mais un personnage avec des cheveux en pics, j’en ai déjà un qui est comme ça. J’aimerais bien du coup varier mes motifs.”

Je suis quelqu’un qui aime énormément appuyer la caractérisation de ses personnages, mais jamais en tombant dans la caricature. Et du coup, parfois, mes premiers jets ne lui plaisent pas du tout.

Alors du coup, faut que je les reprenne jusqu’à ce qu’on arrive à la croisée des chemins — le moment où, entre sa vision et ce que j’ai envie de dessiner, ça correspond à peu près. Il y en a, vraiment, ça a été long, et il y en a, ça a été vraiment hyper rapide. Genre : “Oui, ben je vois un gars un peu sombre avec les cheveux machin”, paf, c’était Lupa — personnage d’*Horion*. Pour les fringues, j’ai fait le truc le plus simple, et en fait, c’était parfait.

Et il y en a d’autres où je me dis : “Moi j’aimerais bien les cheveux longs”, et il me dit : “Bah non, absolument pas des cheveux longs, faut des cheveux courts.” Alors on se galère pendant un quart d’heure pour choisir la longueur des cheveux. Juste ça déjà, et on n’est pas encore arrivé à la suite. Donc oui, c’est très aléatoire en fonction du personnage, ça.

Quelles sont vos sources d’inspirations de manière globale ?

Le problème, c’est qu’elles sont extrêmement globales. C’est-à-dire que même graphiquement, je ne suis pas quelqu’un qui ne regarde que du manga ou de l’animé. Évidemment, dans mon apprentissage, quand j’étais adolescente et que je commençais vraiment à dessiner en bûchant, j’ai regardé beaucoup de mangas et d’animés.

« J’ai pioché un peu dans tout ce qu’il y avait à cette époque-là, dans le sens où il y avait parfois des aspects techniques qui me plaisaient chez certains auteurs »

Le truc, c’est que moi, dans les années 90, c’était l’époque où il n’y avait pas autant de traductions de mangas en français qu’aujourd’hui. Et en fait, j’avais la chance d’avoir une sœur aînée qui faisait partie des pionniers de l’importation de mangas et compagnie — les premiers magazines, les premiers fanzines et tout. Les premières conventions, les trucs comme ça. Et ils faisaient de l’import un peu à l’aveugle. C’est-à-dire qu’on achetait des choses sans forcément les comprendre, parce qu’on n’avait pas l’âge d’apprendre le japonais encore.

Et donc, j’ai passé en revue énormément de choses parce que je les avais à disposition chez moi. C’était ma sœur qui avait une bibliothèque énorme, et puis ça défilait : il y avait du courrier, des correspondances, des tas de trucs. Et donc, j’ai pioché un peu dans tout ce qu’il y avait à cette époque-là, dans le sens où il y avait parfois des aspects techniques qui me plaisaient chez certains auteurs — des encrages, des façons de représenter les yeux, les cheveux, ou de texturer les décors et tout ça. Et donc, j’empruntais un petit peu à tout le monde.

Il y en a certains qui sont revenus plus souvent, il y en a d’autres sur lesquels je me suis attardée, mais que j’ai complètement abandonnés derrière, parce que finalement ça ne me correspondait absolument pas. Je trouvais que c’était beau en illustration, mais pour ce qui était des planches, ça ne rendait pas l’esprit que je voulais.

C’est comme ça que, du coup, je me suis beaucoup plus rabattue sur du shōnen que sur du shōjo.

La plupart des dessinatrices dessinaient énormément de choses très shōjo quand on faisait du fanzine. Moi, je n’étais pas du tout de cette catégorie-là. Je voulais vraiment apprendre à dessiner des corps plus que des visages jolis ou des cheveux jolis. Je voulais savoir dessiner les mains, les pieds, les machins. C’est ça qui me passionnait : les pantalons, les machins, les bidules… Savoir la tête des personnages, c’était vraiment assez secondaire.

Donc ouais, voilà, je me suis encore perdue.

Ça a presque embrayé un peu sur une autre question, parce que j’allais demander s’il y avait une référence particulière dans le manga ? Genre un mangaka ?

Bah en fait, en termes d’esprit, il s’est trouvé qu’avec Aienkei, on s’était bien trouvés là-dessus.

Mais si vraiment, je parle de quand j’avais 12 ou 13 ans, moi, le truc qui me passionnait, c’était Yoshihiro Togashi, l’auteur de Hunter x Hunter, qui, à notre époque à nous, dessinait Yu Yu Hakusho. Et ça, j’aimais beaucoup, parce que c’était un gars qui faisait du shōnen — et toujours encore aujourd’hui — mais un shōnen qui est bizarre.

Ce qui est assez bien, en le prenant en exemple, c’est que c’est quelqu’un qui ne dessinait pas spécialement hyper bien, mais qui faisait beaucoup de personnages très variés, très mignons. Alors techniquement, ce n’est pas quelqu’un qui va m’apporter énormément de choses, mais dans mon graphisme, par contre, ce décalage qu’il y a entre ses persos mignons et les trucs abominables qui leur arrivent… Et tout ça reste du shōnen, mais franchement, des fois c’est borderline. Je trouve que c’est une super source d’inspi.

Dans le sens où si Horion pouvait — non pas être pareil — mais éveiller le même sentiment auprès des lecteurs que ce que lui a réussi à nous insuffler, à moi et à Aienkei, je serais ravie. J’adorerais que ça corresponde. Donc c’est vrai que ce gars, c’est un peu le mangaka dont l’état d’esprit m’influence, dans le sens où j’ai adoré sa façon de travailler et d’aborder le manga.

Justement, où il se dit : « Ouais bah c’est pas grave, des fois c’est pas bien dessiné, mais on s’en fout, c’est l’histoire qui compte. » Je trouve ça hyper kiffant, en fait.

Un projet manga en solo vous intéresserait ?

Non, je ne pense pas. Déjà, quand j’étais adolescente, je m’étais bien rendu compte que, pour avoir un super bon niveau de dessin, il faudrait que je mette l’histoire de côté. Parce que ça prend énormément de temps de se développer personnellement. Alors, j’ai quand même mes bases, je pourrais faire un truc normal et qui serait beau.

Mais des choses qui ont des histoires normales et qui sont belles, des mangas comme ça, il y en a déjà pléthore. Le but, c’est pas juste de faire l’exercice de dessiner. J’ai vraiment envie de faire vivre des personnages qui sont intéressants, et je ne me sens pas à la hauteur, en fait, de faire ça.

Je pourrais éviter les gros pièges, parce que voilà, maintenant je suis plus cultivée sur le scénario, le cinéma, les trucs comme ça. Aienkei, c’est quelqu’un qui se renseigne tout le temps et qui nous fait voir des choses régulièrement — voire tous les jours — sur le cinéma, des documentaires… justement pour éviter les gros pièges. Donc ça, ça irait.

Mais très honnêtement, je ne pense pas que ça casserait la baraque. Donc euh… non, tant que je peux continuer de travailler avec quelqu’un qui est largement supérieur à moi en écriture, je préfère largement.

Alors, j’ai vu que vous aviez déjà travaillé sur des celluloïdes des personnages d’Horion et des animations. Est-ce qu’il y aurait un projet d’animé dans les tiroirs ?

Alors ça, je ne peux rien certifier du tout. En soi, officiellement non. Si ça avait été le cas, je l’aurais déjà annoncé avec fracas. Mais par contre, c’est vrai qu’étant donné qu’on a constaté qu’il y avait certaines licences, ou en tout cas des auteurs de manga en France, qui commençaient justement à avoir des studios qui s’intéressaient à leur cas…

Moi, évidemment, comme beaucoup de jeunes de quand j’étais ado, les animés, j’aimais autant ça que les mangas papier. Et un des grands kiffs qu’on a toujours eu, c’était de s’imaginer nos persos : comment ils rendraient s’ils étaient travaillés pour être adaptés en anime.

Et j’adore cet exercice. C’est pour ça que j’ai fait mes chara designs, les fiches de model sheets pour les personnages.

Tiff : C’est tout prêt.

Enaibi : Ah oui, ils n’ont qu’à signer ! Moi, c’est bon, je peux filer tous les dossiers, tout est là. Mais rien d’officiel du tout.

Par contre, oui, l’exercice en lui-même me plaît. Je ne fais pas d’animation. J’ai fait des petits trucs en sketch et autres, mais les plus jolies choses, ce sont des gens qui travaillent dans l’animation qui nous les avaient soumises.

C’est toujours un grand kiff de les voir. Et justement, ça permet de tester, de voir un peu à quoi ça pourrait ressembler. Je trouve que ça pourrait être un plus, effectivement, si un jour quelqu’un de sérieux, ou en tout cas de volontaire à lancer une série, se disait : “Ah tiens, ça pourrait donner quoi là ?” Il y a des petits exemples et tout. Je me dis que c’est pas mal. C’est peut-être convaincant.

Ça vous intéresserait de travailler avec quel studio par exemple ?

Alors malheureusement je ne suis pas une grosse calée en studio, mais sinon Fortiche (studio derrière Arcane) !

Tiff : Moi je pensais à La chouette compagnie.

Enaibi : Non mais c’est bien aussi ! Mais je pense à Fortiche, parce qu’ils ont une scène dans Arcane qui est complètement reprise d’un chapitre du dernier tome d’Horion qui est sorti. Alors, on avait déjà remarqué des similitudes passées sur la saison 1.
On s’est donc dit qu’il y a quelqu’un qui lit Horion dans l’équipe. Mais alors sur la saison 2, c’est signé en gros : “Bonjour, on lit Horion.”

Donc voilà, s’il nous entend celui-là, on est prêt hein ! On veut bien prêter l’œuvre en entier, pas juste un chapitre. Allez-y.

Du coup de l’animation 3D ? (intervention de LavisdeBen le goat)

Pour le coup, Arcane, il n’y avait rien à redire. C’était de la 3D, mais c’était magnifique. Et l’idée de mettre tous les FX en 2D, ça donne un cachet. Moi, ce mélange-là, je veux bien.
Tout en 3D, j’ai rien contre. Évidemment, tout en 2D, je prends en premier, mais là, le mélange qu’ils ont réussi à faire, il est parfait. Voilà, c’est ça. Eux, c’est vraiment l’exception.

Tiff : Puis le mélange des techniques aussi.

Enaibi : Non mais l’idée du mélange, les textures illustrées sur les persos et les FX en 2D, c’est un truc de fou. Je suis complètement fan de la technique.

Je passe un peu sur un autre champ qui est totalement à part. J’ai vu que vous aimiez la création de Doll. Est-ce que vous pensez un jour en faire quelques-unes à l’effigie des héros d’Horion ?

Ouais. Évidemment, évidemment, évidemment. En fait, de base, le craft en général, c’était un truc que j’adorais. C’est un truc sur lequel on s’est collé avec mes sœurs aînées quand j’étais toute petite et que j’ai jamais lâché. C’est pour ça que j’ai commencé à dessiner. Faire de la sculpture, de la pâte à modeler, tout ça, c’était le grand kiff pour moi. Il n’y avait rien de mieux. Plutôt que de m’acheter un jeu, il fallait m’acheter un paquet de pâte à modeler. C’était trop bien.

Et donc quand j’ai découvert l’univers des BJD — les fameuses dolls — ce que j’avais trouvé formidable, c’est que ça redonnait un coup de jeunesse aux poupées figées, pas très intéressantes quand on était gamin. Là, elles avaient un design extrêmement asiatique. L’intérêt des BJD a été relancé par le Japon avec la grande marque Volks. Et eux, la première chose qu’ils ont faite, c’est créer des modèles très esthétisés, à la japonaise. Ensuite, ils ont même fait des produits dérivés d’animés : des dolls à l’effigie de leurs personnages principaux, et tout.

Donc forcément, quand on aime le manga, et que quand on était gamine on rêvait d’avoir des garage kits ou des figurines — parce que c’est avoir le personnage “en vrai” — là, c’était encore mieux : c’était l’avoir en vrai, en grand, habillé, articulé. Donc ça a été irrésistible de s’y mettre.

Et évidemment, avec Horion, ça me prend beaucoup de temps, donc c’est pour ça que je peux pas le faire. Mais évidemment qu’en faisant ça, on n’a qu’une envie, c’est de créer le personnage avec ses petites fringues — enfin, un cosplay en poupée quoi.

Votre objectif artistique ? Un objectif à atteindre ?

Avoir une adaptation animée, j’aimerais bien. Ça voudrait dire que je suis assez bonne.

Non, mais après très honnêtement, le truc qui m’intéresse dans la démarche que je peux appliquer encore aujourd’hui, c’est de continuer à évoluer. Ne pas avoir l’impression de stagner. Alors, c’est pas un but précis en soi, mais tant que je peux encore apprendre de nouvelles choses et réussir à les restituer correctement, sans me sentir dépassée ou quoi que ce soit, moi je reste motivée. Tant que le dessin m’apporte toujours autant, c’est bon.

Mais j’ai pas de but arrêté. Je ne me dis pas : “Quand j’arriverai à ce truc-là, ce sera bon, j’aurai réussi.” Je pense que personne, en vrai, dans le monde artistique, ne pense comme ça.

Déjà rien que se dépasser, c’est un moteur. On se met des petites étapes, et à chaque fois qu’on en passe une, on voit déjà la suivante. C’est ce qui nous fait continuer à avancer, à vivre. C’est ce qui fait qu’on n’a jamais envie d’arrêter. On se dit toujours : “Ah tiens, demain je ferai ça.” Et dans le dessin, c’est exactement pareil. Il y a toujours quelque chose à apprendre, à mieux maîtriser. Toujours des petits détails à corriger, des aspects sur lesquels on ne s’était pas vraiment surpassé.

Là, par exemple, ce que j’aimerais, c’est mieux gérer mes décors, mes textures de décor. Les personnages, ça commence à aller, mais j’aimerais qu’ils soient encore plus expressifs. Ouais, c’est des petites choses comme ça qu’on peut toujours améliorer.

Et à chaque fois que je fais un nouveau tome, j’essaie d’améliorer un peu tout ça, pas à pas. Et je continuerai… jusqu’à ce que je tienne plus debout.

Est-ce que vous avez une idée de la durée de la série ?

Assez flou, honnêtement. Je pense que ce sera au moins dix tomes, et sûrement moins de vingt. Je sais pas, dix, douze, treize, quinze… quelque chose comme ça. J’en sais rien.

En fait, avec le scénario, on ne se coupe jamais de la possibilité d’avoir une nouvelle idée. Et à partir du moment où l’éditeur est d’accord, je vois pas pourquoi on s’en priverait. On n’a donc pas établi quelque chose d’extrêmement carré dès le départ, parce que faire du manga, c’est long — il faut au moins un an par tome. Les idées qu’on avait dix ans plus tôt, forcément, elles évoluent. Et figer ça, ce serait se priver de toute l’évolution qu’on a eue nous-mêmes en avançant sur la série.

Donc oui, on a une ligne directrice, mais elle peut bifurquer à tout moment. Pour l’instant, on suit cette trajectoire, mais ça ne veut pas dire qu’il n’y aura que ça, ni que ce sera précisément en douze ou treize volumes. Je ne peux vraiment pas le dire.

Déjà, à la base, on devait s’arrêter à cinq tomes pour clore un premier arc, et finalement, on a rajouté des événements, donc ça fait sept. Et je sais qu’après le sept, c’est pas encore fini. Donc… on verra bien jusqu’où ça nous mène.

Et pour finir, si vous avez trois ou quatre mots pour convaincre nos lecteurs de lire Horion

Alors Horion, c’est un manga où vous pensez lire quelque chose et ce n’est pas ce que vous allez découvrir du tout.

C’est un manga qui est extrêmement intriguant et qui peut avoir plusieurs niveaux de lecture.

C’est un manga qui est extrêmement intriguant et qui peut avoir plusieurs niveaux de lecture. Donc c’est intéressant. C’est un manga qui se relie pour vraiment capter les subtilités.

Mais attention, quand je parle de subtilités, je ne parle pas de complexité. C’est des choses qui sont là, mais quand on lit une fois ou deux, des fois on passe complètement à côté et plus les tomes avancent et plus on fait « mais je l’ai pas vu arriver celle-là. Je ne sais pas comment c’est possible ». Aienkei travaille énormément ses scénarios comme ça. Ça pour moi c’est c’est ce qui en fait le sel.

Tiff: Je suis totalement d’accord. On s’attend à quelque chose et c’est pas ce qu’on lit.

Enaibi: Et même avec le design, il y a beaucoup de gens justement. Et c’est pour ça que j’avais rigolé avec Togashi parce qu’on nous disait « Ah, il ressemble beaucoup à Gon. » Ouais ben tu vas voir ce qui lui arrive. Ça ressemble pas à Gon. Mais ça, c’était notre petit clin d’œil à notre maître adoré.

Donc voilà, on a concédé cette image du shonen, qui elle lui-même était inspirée de Dragon Ball, qui lui-même est inspiré d’Astroboy, enfin une longue histoire d’héros de shonen.

Pour moi Horion c’est ça, c’est des surprises.

Donc on a voulu aussi lui faire notre hommage en incluant ce type de personnage mais c’est que physique en fait. Pour le reste de l’histoire justement, il lui arrive pas du tout les choses qu’on on était habitué à voir sur ce type de personnage. Donc voilà pour moi Horion c’est ça, c’est des surprises.

L’article Interview d’Enaibi, la dessinatrice de « Horion » est apparu en premier sur Kazoku.

17 Mangakas vont rendre hommage à Black Clover

En attendant la sortie officielle du Shônen Jump GIGA 2025 Summer, prévue le 12 août au Japon, trois premières illustrations ont été dévoilées. Et pas par n’importe qui : Eiichiro Oda (One Piece), Masashi Kishimoto (Naruto) et Tite Kubo (Bleach), figures du fameux « Big Three » des années 2000, ont chacun livré leur vision des héros de Black Clover.

Les autres contributions, sont de mangakas tout aussi préstigieux, notamment Gege Akutami (Jujutsu Kaisen), Kenta Shinohara (Astra Lost in Space), Koyoharu Gotouge (Demon Slayer) et Yusuke Murata (One Punch Man).

Un artwork d’anniversaire a également été réalisé spécialement pour l’occasion, accompagné d’une vidéo commémorative diffusée en ligne. Un clin d’œil nostalgique pour les fans de la première heure… et un joli point d’entrée pour ceux qui découvriraient la série aujourd’hui.

Lancée en février 2015 dans le Weekly Shônen Jump, Black Clover a connu une longue publication hebdomadaire jusqu’en août 2023, avant de poursuivre sa route dans les pages du Jump GIGA, au rythme trimestriel. Au Japon, la série compte actuellement 36 volumes, tous déjà disponibles en France grâce à Crunchyroll Manga (anciennement Kazé), le dernier en date ayant été publié le 12 juin 2024.

Côté écran, la licence a été adaptée en anime par le studio Pierrot, sous la direction de Tatsuya Yoshihara. Diffusée d’octobre 2017 à mars 2021, la série télévisée totalise 170 épisodes. Elle a ensuite eu droit à un long métrage, Black Clover : L’épée de l’Empereur-Mage, sorti en mars 2023 au Japon. Un nouvel anime est actuellement en préparation et sera proposé en streaming sur Crunchyroll.

Le Synopsis

Dans un monde régi par la magie, Yuno et Asta ont grandi ensemble avec un seul but en tête : devenir le prochain Empereur-Mage du royaume de Clover. Mais si le premier est naturellement doué, le deuxième, quant à lui, ne sait pas manipuler la magie. C’est ainsi que lors de la cérémonie d’attribution de leur grimoire, Yuno reçoit le légendaire grimoire au trèfle à quatre feuilles tandis qu’Asta, lui, repart bredouille. Or, plus tard, un ancien et mystérieux ouvrage noir décoré d’un trèfle à cinq feuilles surgit devant lui ! Un grimoire d’anti-magie…

L’article Black Clover fête ses 10 ans avec un hommage des légendes du manga est apparu en premier sur Kazoku.

Le Synopsis

Dans un monde fantastique semblable à la Terre et peuplé de créatures plus étranges les unes que les autres, un petit garçon à la force herculéenne et doté d’une queue de singe croise un jour la route d’une jeune fille. Celle-ci s’est lancée à la recherche de sept mystérieuses boules de cristal. Car il est dit que quiconque les réunira pourra appeler le dragon sacré et exaucer son voeu le plus cher. En chemin, ce duo d’aventuriers peu commun se heurte à un cochon transformiste usant de ses dons pour kidnapper les jeunes filles d’un village, puis à un vagabond solitaire adepte des arts martiaux que la simple vue d’une jeune femme suffit à tétaniser sur place.

Ce n’est que le début d’une grande aventure riche en péripéties, en humour et en combats extraordinaires…

Mais pour mieux comprendre Dragon Ball, il faut remonter aux sources d’inspiration du maître.

Allumez votre dragon radar, on part à la découverte des influences qui ont façonné l’univers de Dragon Ball !

Akira Toriyama, c’est avant tout un grand fan de pop culture. Ses œuvres portent la marque de ses passions : les films de Walt Disney, les aventures d’Astro Boy, la saga Star Wars, les cascades de Jackie Chan, le classique chinois « La pérégrination vers l’Ouest » et même le Terminator. Son père mécanicien lui a également transmis sa passion pour les machines. Toutes ces références se retrouvent subtilement mêlées dans ses mangas, créant un univers riche et unique.

Les premières étincelles du génie de Toriyama ont jailli dès 1977 avec « Awawa World », une histoire où samouraïs et extraterrestres se côtoient dans un univers déjanté. On y retrouve déjà les prémices de son style unique : humour décalé, personnages hauts en couleur et univers mêlant le réel et la fantaisie.

Malgré quelques succès mitigés, notamment avec « Mysterious Rain Jack« , une parodie de Star Wars qui lui vaudra une disqualification, Toriyama ne baissera pas les bras. C’est grâce au soutien de Kazuhiko Torishima qu’il persévérera, malgré les échecs de « Wonder Island » et de sa suite.

Ce sera finalement avec « Girl keiji Tomato » qu’il commencera à trouver son public. Cette série policière loufoque, où l’héroïne casse le quatrième mur, est une véritable ode à l’absurde et à l’humour décalé.

C’est avec « Girl keiji Tomato » que Toriyama commence à se faire un nom. Mais c’est avec « Dr Slump » en 1980 qu’il va véritablement percer. Dans ce manga loufoque, il nous présente Aralé, une androïde à la force surhumaine et à l’esprit enfantin, qui sème la pagaille dans le paisible village de Pingouin. Publié dans le Weekly Shonen Jump, « Dr Slump » devient rapidement un succès et est adapté en anime.

Toriyama signe là un véritable chef-d’œuvre de l’humour et de la fantaisie, qui lui ouvre les portes de la gloire.

Dragon Ball : Les prémices d’une légende

Avant de devenir un phénomène mondial, Dragon Ball a vu le jour grâce à plusieurs esquisses. Dans « Dragon Boy » et « Les aventures de Tongpoo », Toriyama pose les bases de ce qui deviendra son œuvre la plus célèbre. On y retrouve déjà de nombreux éléments familiers : un jeune héros aux pouvoirs extraordinaires, une quête initiatique, des boules magiques et des personnages hauts en couleur.

Inspiré par le classique chinois « La Pérégrination vers l’Ouest », Toriyama assemble ces éléments pour créer un univers riche et original qui fera le succès de Dragon Ball.

Dragon Ball : Un phénomène planétaire

Dragon Ball n’est pas seulement un manga, c’est un phénomène culturel qui a marqué des générations entières. Depuis sa parution en 1984, il a conquis le cœur des lecteurs du monde entier, devenant une référence incontournable dans le monde de la bande dessinée japonaise. Ce manga culte a marqué les années 80 et 90, laissant une génération entière sous le charme de ses héros et de ses combats épiques.

Qui n’a jamais rêvé de maîtriser le Kamehameha ou de se transformer en Super Saiyan ? Dragon Ball a laissé une empreinte indélébile sur la pop culture, et son influence se ressent encore aujourd’hui. Nombreux produits dérivés ont vu le jour dans les 90’s / 2000’s !

Souvent cité comme le père du « Big Three », Akira Toriyama est un véritable pionnier du shonen nekketsu. Il a popularisé des tropes comme le dépassement de soi, l’amitié, la justice et l’évolution des personnages. Grâce à son talent de dessinateur, son sens du rythme et sa capacité à raconter une histoire, Toriyama a créé un univers riche et passionnant qui a marqué des générations de lecteurs.

Un style graphique unique et reconnaissable

Le dessin de Toriyama est un élément clé de son succès. Son style, qui évolue au fil de ses œuvres, est parfaitement adapté aux histoires qu’il raconte. Des personnages aux expressions exagérées aux décors oniriques, chaque trait est pensé pour renforcer l’immersion du lecteur. Toriyama crée des univers à la fois proches et étranges, où le réel et l’imaginaire se mêlent harmonieusement.

Un chef-d’œuvre du découpage

Le découpage dans un manga est un art à part entière. Il rythme l’histoire, souligne les moments clés et crée une ambiance particulière. Akira Toriyama maîtrise cet art à la perfection. En jouant avec les tailles de cases, les polices et les doubles pages, il donne à ses planches un dynamisme et une fluidité remarquables. Son découpage est devenu une référence dans le monde du manga, et de nombreux mangaka, comme Reno Lemaire, s’inspirent de son travail.

L’évolution constante de Dragon Ball

L’aventure de Dragon Ball, initiée par la quête de mystérieuses sphères, a connu une évolution spectaculaire au fil des tomes. D’une simple histoire de boules de cristal et d’arts martiaux, inspirée des films de Jackie Chan, la série s’est transformée en une épopée cosmique aux enjeux galactiques. Le parcours de Goku, de jeune garçon naïf à guerrier légendaire, a captivé des générations de lecteurs. Au fil des pages, l’univers de Toriyama s’est enrichi d’une multitude de personnages hauts en couleur et de planètes aux pouvoirs insoupçonnés, offrant ainsi une fresque épique aux multiples facettes.

Akira Toriyama a véritablement révolutionné le genre shonen en osant innover sans cesse. Son idée de faire grandir son héros au fil de l’histoire était audacieuse pour l’époque, tout comme celle de passer le flambeau à un nouveau protagoniste. Ces choix audacieux ont permis à Dragon Ball de se démarquer et de devenir un phénomène culturel incontournable.

Toriyama et Horii : un duo gagnant pour le jeu vidéo

C’est au sein de la célèbre revue Weekly Shonen Jump que naquit l’idée révolutionnaire d’unir les talents d’Akira Toriyama, le mangaka star, et de Yuji Horii, le passionné de jeux vidéo. Sous l’impulsion de Kazuhiko Torishima, les deux créateurs s’associèrent pour donner naissance à Dragon Quest, le premier RPG japonais. Les lecteurs de Shonen Jump furent les premiers témoins de cette collaboration unique, qui allait rapidement devenir une référence dans le monde du jeu vidéo.

Les Japonais étaient tellement accros à Dragon Quest que les écoles ont dû s’adapter. Pour éviter que les élèves ne sautent les cours pour plonger dans les nouvelles aventures du héros, les sorties des jeux étaient systématiquement décalées aux jours fériés. Une preuve de plus de l’impact culturel de cette saga légendaire !

En 1995, le duo créatif derrière Dragon Quest frappe à nouveau avec Chrono Trigger, un RPG qui s’imposera rapidement comme une référence du genre. Le titre a été encensé par la critique mondiale et figure toujours parmi les jeux les mieux notés de tous les temps.

C’est en 2006 qu’Akira Toriyama prête à nouveau son talent à l’univers vidéoludique en concevant les personnages de Blue Dragon, un titre exclusif à la Xbox 360. Grâce à son style unique et reconnaissable entre mille, le mangaka a contribué à faire de ce RPG une référence du genre et à attirer un large public, notamment au Japon.

Depuis 1984, l’univers de Dragon Ball n’a cessé de s’étendre au-delà des pages du manga, en donnant naissance à une multitude de jeux vidéo. Avec plus d’une cinquantaine de titres sortis en Europe, la franchise continue de séduire les joueurs de tous âges. 2024 marque une nouvelle étape avec la sortie très attendue de Dragon Ball : Sparking ! Zéro.

Akira Toriyama et ses autres œuvres

« Nekomajin« , un titre prépublié dans le Weekly Shonen Jump de 1999 à 2005. Il est sorti en One Shot en 2005 au Japon et en 2006 en France chez Glénat.

Résumé : « Les Neko Majin sont des créatures magiques ressemblant à des chats qui aiment faire des blagues et pratiquer les arts martiaux. Les chapitres intitulés Neko Majin Z mettent en scène un Neko Majin disciple de Son Goku qui est confronté à des ennemis connu des lecteurs de Dragon Ball : des Saïyens, dont Vegeta, Krizer, le fils de Freezer, et Boo. Au fil de l’histoire, le Neko Majin apprend à se transformer en Super Saïyen (sans en être un) et finit par se mesurer à Son Goku pour une conclusion inattendue. »

En 2000 « Sand Land » est publié. Toriyama nous y présente un monde aride du genre Pink, avec comme protagonistes Beelzebub le prince des démons, Thief et Lao, ancien soldat de l’armée royale qui s’est rebellé contre elle après la catastrophe nucléaire survenue à Sand Land. Un superbe manga qui a connu un succès au Japon.

Un jeu vidéo est annoncé pour avril 2024.

En 2013, Akira Toriyama nous propose « Jaco, le patrouilleur galactique« , un spin-off qui prend place 10 ans avant les événements de Dragon Ball.

Résumé : « Jaco est un Galactic Patrolman, un officier de police galactique, qui revient sur Terre pour protéger celle-ci d’un envahisseur. Mais celui-ci endommage son vaisseau et atterri sur une île quasi désertique. Il sera recueilli par le professeur Omori qui travaille sur le voyage temporel. Afin de pouvoir repartir, il l’aidera à réparer son vaisseau. Jaco quand à lui devra travailler pour collecter du métal rare et coûteux qui lui permettra de répartir. »

L’héritage de Dragon Ball

Akira Toriyama est souvent considéré comme le père fondateur du manga shonen moderne. Son influence sur les auteurs du Big Three est indéniable. Leurs œuvres, tout en étant uniques, portent indubitablement la marque de son style novateur, de ses personnages emblématiques et de ses intrigues captivantes. Toriyama a ouvert la voie à une nouvelle génération de mangaka, leur offrant un modèle à la fois inspirant et à dépasser.

Tout comme dans Dragon Ball, One Piece nous plonge dans un univers à la fois familier et dépaysant. Cependant, One Piece introduit une originalité supplémentaire avec ses personnages anthropomorphes, ajoutant une touche de fantaisie à l’aventure. Luffy, le héros, partage avec Goku une naïveté attachante et un goût prononcé pour le combat. D’ailleurs, lors de l’arc Dressrosa, Luffy adopte une fausse identité, « Lucy », et arbore une tenue qui rend un hommage évident à Muten Roshi, le maître de Kung-fu de Dragon Ball, soulignant ainsi le lien entre ces deux séries emblématiques.

Masashi Kishimoto, l’auteur de Naruto, a également rendu hommage à Akira Toriyama en reprenant certains codes visuels emblématiques de Dragon Ball. Le choix des couleurs de Goku pour le personnage de Naruto est un exemple flagrant de cette influence. De plus, Kishimoto a disséminé de subtils clins d’œil tout au long de sa série, comme l’apparition d’un masque de Chaozu dans le chapitre 150, ou encore le personnage de Roshi, un jinchūriki dont le nom fait référence à Muten Roshi, le maître de Kung-fu de Dragon Ball. Le bijū de Roshi, quant à lui, porte le nom de Goku, renforçant ainsi le lien entre les deux œuvres.

En créant ses antagonistes, Tite Kubo a su s’inspirer des travaux d’Akira Toriyama pour repousser les limites du design de personnages. Les méchants de Bleach, tout en étant distincts, partagent avec ceux de Dragon Ball une esthétique soignée et un certain degré de complexité. L’influence de Toriyama se ressent particulièrement dans la façon dont Kubo a su rendre ses personnages à la fois menaçants et fascinants.

L’empreinte de Dragon Ball sur le paysage du manga est tellement vaste qu’il serait impossible de dresser une liste exhaustive des œuvres qui s’en inspirent. Des titres aussi populaires que Hunter x Hunter ou Toriko ont indéniablement été influencés par l’œuvre d’Akira Toriyama.

L’impact de Dragon Ball se ressent également dans la construction de personnages emblématiques comme Vegeta, dont le caractère complexe et l’évolution psychologique ont servi de modèle à de nombreux protagonistes, tels que Sasuke Uchiwa dans Naruto ou Hiei dans Yu Yu Hakusho.

L’influence de Dragon Ball se ressent également dans la construction des personnages. Gon, le protagoniste de Hunter x Hunter, partage avec Goku une naïveté attachante et un enthousiasme débordant. Sa technique de combat, le ja-ken, rappelle d’ailleurs les attaques énergiques de Goku. De plus, l’univers de Hunter x Hunter présente des similitudes avec celui de Dragon Ball, notamment en termes d’exploration et de découverte de mondes fantastiques. Enfin, le design de Meruem, l’un des antagonistes majeurs, s’inspire clairement de celui de Cell et de Freezer, témoignant ainsi de l’admiration de Yoshihiro Togashi pour Akira Toriyama.

C’est indéniablement grâce à Club Dorothée et à la diffusion de l’adaptation animée de Dragon Ball que la série s’est ancrée dans le cœur de toute une génération de Français. Pour de nombreux enfants, devenus adultes aujourd’hui, l’heure de la sortie de l’école était synonyme d’un rendez-vous incontournable : celui de retrouver Goku et ses amis sur le petit écran. L’engouement suscité par la série a marqué toute une époque.

Les Seyiu de Dragon Ball

Si le Japon possède des voix mythiques comme Takeshi Kusao (Trunks) ou Ryūsei Nakao (Freezer), la France n’est pas en reste. Nos comédiens de doublage ont su insuffler une âme unique aux personnages de Dragon Ball, s’adaptant avec brio aux codes de cette série novatrice. Loin de se limiter à ce rôle, ces acteurs ont construit des carrières riches et variées, démontrant ainsi tout leur talent.

• Brigitte Lecordier prêtera sa voix à San Goku enfant, San Goten, San Gohan enfant et adulte, Trunks enfant, C-18, Videl et Kaio Shin (de l’Est).
• Éric Legrand prêtera sa voix à Végéta, Yamcha et Dendé Adulte.
• Patrick Borg prêtera sa voix à Son Goku, C-16 et Boubou.
• Mark Lesser prêtera sa voix à Trunks du futur et Son Gohan Adulte.
• Pierre Trabaud prêtera sa voix à Tortue Géniale, Maitre Kaio, Dodoria, Kikito et le vieux Kaio Shin.

L’un des éléments clés qui ont fait de Dragon Ball une série légendaire, ce sont ses combats spectaculaires et chorégraphiés avec soin. Shigeyasu Yamauchi, en particulier, a joué un rôle déterminant dans la création de séquences d’action mémorables, notamment lors de l’arc Namek. La transformation de Goku en Super Saiyan, un moment emblématique de la série, est en grande partie due à son talent d’animateur. L’arc Namek, souvent considéré comme le meilleur de la série, doit également son succès à un scénario riche en rebondissements et en enjeux, qui a tenu les spectateurs en haleine jusqu’au dénouement.

La mélodie de Dragon Ball

C’est en grande partie grâce à Shunsuke Kikuchi, le compositeur de génie derrière les musiques de Dragon Ball et Dragon Ball Z, que nous pouvons nous plonger dans un univers sonore aussi riche et mémorable. Les thèmes musicaux de cette série sont tellement emblématiques qu’il est possible d’écouter l’intégralité de la bande originale sans jamais se lasser. Chaque mélodie évoque instantanément une scène précise, une émotion particulière, et transporte le spectateur au cœur de l’action.

L’univers de Dragon Ball ne se limite pas aux séries télévisées. De nombreux films, OAV et spéciaux ont vu le jour, offrant aux fans de nouvelles aventures et de nouveaux personnages. Shigeyasu Yamauchi, l’un des animateurs les plus talentueux de la série, a participé à plusieurs de ces projets, notamment le film « Broly : le super guerrier ». Ces œuvres, bien qu’elles ne fassent pas toujours partie du canon officiel, ont marqué les esprits et sont devenues des références pour les fans de la première heure. Le film « Fusion », par exemple, est resté dans les mémoires grâce à ses combats spectaculaires et son scénario original. Ces productions ont contribué à enrichir l’univers de Dragon Ball et à en faire une licence incontournable. La mélodie de Tapion est devenue mythique également !

Toyotarō : l’héritier ?

Mais à la fin de la parution du tome 42, nombre de fan souhaitent voir se poursuivre l’univers de Dragon Ball. Certains d’entres eux créons même des dōjinshi, dont 2 vont marquer les esprits : « Dragon Ball AF » et « Dragon Ball 0 » par Toyotarō. Parmi ces nombreux dōjinshi, ce sont « Dragon Ball AF » et « Dragon Ball 0 » qui retiendront l’attention d’Akira Toriyama mais nous y reviendrons plus tard.

En 1996, un projet voit le jour : Dragon Ball GT

Bien que Dragon Ball GT ne soit pas une œuvre officielle d’Akira Toriyama, elle a permis à Goku de poursuivre ses aventures et a marqué toute une génération de fans. La série a introduit des concepts novateurs comme le Super Saiyan 4 et des antagonistes mémorables. Cependant, les scénarios parfois incohérents et certaines libertés prises avec l’univers original ont suscité de nombreuses critiques. Le design de Vegeta avec sa moustache est d’ailleurs devenu un sujet de débat parmi les fans, marquant indélébilement les mémoires.

Résumé : « Pilaf, l’ennemi de Son Goku depuis les débuts de Dragon Ball souhaite utiliser les Dragon Balls pour dominer le monde. Il a découvert l’existence d’anciennes Dragon Balls créées par le Tout Puissant avant qu’il se sépare de Piccolo Daimaô dans le Palais du Tout-Puissant. Il invoque donc Kyûkyoku Shenron qui est de couleur rouge. Comme d’habitude, Pilaf rate son vœu et Kyûkyoku Shenron change Son Goku en enfant. Malheureusement, ces Dragon Balls maléfiques, non seulement se dispersent dans tout l’univers mais détruisent également au bout d’un an, la planète où a été prononcé le vœu. Son Goku a donc un an pour les réunir et empêcher la désintégration de la Terre. Il part avec Trunks et Pan à la recherche des boules de cristal éparpillées dans toute la galaxie. »

Si l’idée de voir Goku redevenir enfant était séduisante, la réalisation a parfois laissé à désirer. La trame narrative, jugée trop infantile par certains, a parfois donné l’impression d’assister à une régression plutôt qu’à une évolution de la série. Les problèmes auxquels nos héros sont confrontés semblent souvent démesurément simples à résoudre au vu de leurs pouvoirs colossaux, ce qui a fragilisé la crédibilité de l’intrigue.

Les choix scénaristiques ont également été questionnés. La présence de Trunks aux côtés de Goku et Pan, bien que sympathique, a soulevé des interrogations. Si l’on comprend aisément le parallèle avec Bulma, qui accompagnait Goku dans ses premières aventures, le rôle de Trunks dans cette nouvelle dynamique reste flou. Certains y voient un simple fan service, d’autres y perçoivent une tentative de relier les différentes sagas de la franchise.

Néanmoins, il serait injuste de réduire Dragon Ball GT à ses défauts. La série a le mérite d’avoir exploré de nouveaux horizons, en proposant des environnements variés et des designs originaux. Les transformations en Super Saiyan 4, ont marqué les esprits et ont contribué à l’identité visuelle de la série.

L’arc « Baby, le bébé mutant » de Dragon Ball GT explore une facette méconnue de l’univers de la série : l’histoire des Tsufuls, une race anéantie par les Saiyans. Baby, le dernier survivant de cette race, cherche à se venger en asservissant les Saiyans et en recréant la planète Plante. Cet arc offre une dimension mélancolique à la série, en montrant Goku confronté à une menace existentielle qui le pousse à remettre en question ses motivations. La transformation de Goku, qui fait écho à ses origines saiyanes, est un moment clé de cet arc, symbolisant sa volonté de protéger sa famille et ses amis.

L’arc « Super C-17, le retour des cyborgs » est souvent considéré comme l’un des plus faibles de la série. Le scénario, décousu et peu crédible, laisse une impression de déjà-vu, notamment en raison de ses nombreuses similitudes avec le film « Fusion ». Le méchant, bien que visuellement intéressant, manque de profondeur et ses motivations sont floues. La relation entre C-17 et C-18, pourtant prometteuse, est mal exploitée et ne parvient pas à générer l’émotion escomptée. Si les écarts de puissance entre les personnages sont bien mis en évidence, ils ne suffisent pas à compenser les faiblesses de l’intrigue.

L’arc « Les dragons maléfiques » offre une conclusion originale à Dragon Ball GT. En incarnant les conséquences des vœux formulés tout au long de la série, les dragons maléfiques deviennent de véritables antagonistes. Cet arc explore une facette méconnue des boules de cristal, les transformant d’alliés en ennemis. C’est une idée ingénieuse qui permet de faire un clin d’œil à toute la saga. Malgré quelques excès de fan service, cet arc reste l’un des plus réussis de Dragon Ball GT.

L’arc « Les dragons maléfiques » est une réussite. En transformant les boules de cristal en ennemis, il offre une conclusion inédite à la série. Les dragons maléfiques, incarnant les vœux des héros, ajoutent une dimension mélancolique à l’histoire. Malgré quelques défauts, cet arc reste un incontournable de Dragon Ball GT.

Dragon Ball Evolution : l’adaptation de la honte

En 2009, la 20th Century Fox a tenté l’impossible en adaptant Dragon Ball en live-action. Malgré l’enthousiasme de certains acteurs comme Justin Chatwin et James Marsters, le résultat a été catastrophique. En se concentrant sur l’arc de Piccolo, l’adaptation semblait prometteuse, mais elle a rapidement déçu les fans. Les combats sont inexistants, les effets spéciaux sont médiocres et l’univers créé à l’écran n’a rien à voir avec celui du manga. Cette adaptation est un véritable affront pour les fans de la série.

Résumé : « Son Goku, un jeune lycéen doit répondre à la dernière volonté de son grand-père : rechercher maître Roshi, un expert en arts martiaux. Ce dernier lui donne la mission de retrouver les sept boules de cristal, les Dragon Balls, avant qu’un puissant démon, Lord Piccolo, ne parvienne à les réunir pour dominer le monde en utilisant leurs pouvoirs. »

A tel point que le scénariste s’excusera auprès des fans de la licence :

« Avoir ma signature sur quelque chose d’aussi mal reçu est déchirant. Avoir reçu autant de lettres de haine m’a brisé le cœur. […] Je me suis lancé dans le projet parce que j’étais attiré par le gros chèque à la clef, je n’étais pas un fan de la licence mais un homme d’affaires qui était sur un contrat. J’ai appris que vous ne pouvez pas fournir un gros effort créatif sans un minimum de passion, sinon vous n’obtiendrez qu’un résultat semi-optimal, voire quelque chose juste bon à jeter. Alors je ne blâme personne d’autre que moi pour Dragon Ball Evolution. »

Wikipedia, dragon ball evolution

Dragon Ball Super

Dragon Ball Super, suite directe des films « Battle of Gods » et « La Résurrection de F », s’inscrit dans la continuité de la saga Dragon Ball Z. Située entre l’arc Buu et le 28e Tenkaichi Budokai, la série offre une nouvelle aventure à Goku et ses amis. Sous la supervision d’Akira Toriyama et avec les dessins de Toyotaro, Dragon Ball Super modernise l’univers de Dragon Ball tout en respectant son esprit originel. Cette série a su séduire aussi bien les nouveaux fans que les plus anciens, bien que certaines divergences d’opinions aient rapidement émergé au sein de la communauté.

Résumé : « Après le combat contre Boo, la Terre connait une période de paix. Cependant, le dieu de la destruction, Beerus vient de se réveiller d’un sommeil de 39 ans avec l’intention d’affronter le Super Saiyan Divin le guerrier légendaire dont parle une ancienne prophétie exprimée par le Poisson Oracle. Beerus part alors à la recherche de ce Super Saiyan Divin. Il apparaît sur la planète Kaio, là où se trouve Son Goku. Ce dernier décide de l’affronter mais malgré sa puissance en Super Saiyan 3, il ne parvient pas à le battre. Beerus va ensuite sur Terre accompagné de l’ange Whis. Ils rencontrent Bulma, qui va les inviter à sa fête d’anniversaire. Tout se passe bien jusqu’au moment où Boo mange tous les flans. Beerus s’énerve et menace de détruire la planète Terre. Mais le retour de Son Goku, une révélation brève de Shenron et une transformation en Super Saiyan Divin réussit à résoudre tous les soucis, sans compter le fait que Beerus décide d’épargner la Terre du fait qu’il se sente épuisé après son combat contre la Z team. »

Ce film est une véritable bouffée d’air frais pour les fans de la saga, car il nous plonge dans un univers encore plus vaste et complexe. En développant le lore de la franchise, il ouvre de nouvelles perspectives narratives et ravit les amateurs de mythologie. L’humour caractéristique d’Akira Toriyama est bien présent, et le plaisir de retrouver les personnages emblématiques après tant d’années est immense.

Le tournoi du pouvoir qui place Goku comme la cause d’une possible destruction des univers

Le Tournoi du Pouvoir est une épreuve sans précédent où les univers sont confrontés à une extinction massive. Organisé par Zen-Ô et son homologue du futur, ce tournoi d’une violence inouïe a pour but d’éliminer sept univers jugés sous-développés. Les guerriers les plus puissants de chaque univers doivent s’affronter dans une bataille sans merci pour sauver leur monde. Cependant, une révélation surprenante vient atténuer la tension à la fin de l’arc, lorsque Goku, vainqueur du tournoi, exprime le souhait de ressusciter les univers détruits, un vœu que Zen-Ô avait déjà prévu.

L’arc nous présente un parallèle saisissant avec le personnage de Jiren, un guerrier solitaire et impitoyable. Ayant assisté à la destruction de sa planète et à la mort de son maître, Jiren a choisi de se forger une force surhumaine pour ne plus jamais connaître la faiblesse. Contrairement à Goku, qui puise sa force dans ses relations avec les autres, Jiren a renoncé à l’émotion et à la camaraderie pour se consacrer entièrement à sa quête de puissance absolue.

La saga « Broly« , un film qui canonise le personnage de Broly.

Suite direct du tournoi du pouvoir, ce film marque un tournant important dans l’histoire de Dragon Ball. En réinventant le personnage de Broly et en approfondissant les origines de Goku et Vegeta, Akira Toriyama offre aux fans une nouvelle vision de l’univers qu’il a créé. L’action explosive et les moments émouvants font de ce film un incontournable pour tous les amateurs de la saga. L’introduction de Broly ouvre également de nouvelles perspectives pour l’avenir de Dragon Ball Super.

Résumé : « Le début du film retrace le passé de Goku, Vegeta et Broly sur la planète Vegeta. Le roi Cold rend visite aux Saiyans, accompagné de son fils Freezer et de son armée, annonce qu’il prend sa retraite et laisse son empire à son fils. Le roi Vegeta découvre que Broly, le fils d’un guerrier nommé Paragus, est plus puissant que le sien. Considérant sa grande puissance comme un affront, il expédie Broly sur un astéroïde inhospitalier nommé Vampa. Paragus, accompagné d’un Saiyan, part à la recherche de son fils sur cette planète et finit par le retrouver. Leur vaisseau ayant été endommagé lors de l’atterrissage et dans l’impossibilité de le réparer, Paragus tue son compagnon pour permettre à son fils et à lui-même de survivre.

La saga du « Prisonnier de la Patrouille Galactique » – Moro

Cet arc introduit un nouvel antagoniste particulièrement redoutable : Moro, un être capable d’absorber l’énergie vitale des planètes pour accroître sa puissance. Ce scénario rappelle l’arc des Saiyens et met en lumière les enjeux cosmiques qui pèsent sur l’univers. De plus, l’évasion de Jaco du Patrouilleur Galactique et l’association inattendue des prisonniers apportent une dimension supplémentaire à l’intrigue. Les personnages secondaires, comme Yamcha et Tenshinhan, sont une nouvelle fois mis en avant, créant ainsi une dynamique de groupe rappelant les Avengers. Cet arc nous emmène également sur Namek, où Végéta doit faire face à son passé et à ses responsabilités.

La saga « Survivant Granola », un arc qui fait directement référence à l’arc Saiyen

L’arc de Granola met en lumière les conséquences des actions des Saiyens sur les autres planètes. Granola, témoin de l’anéantisation de son monde par les troupes de Freezer, a consacré sa vie à la vengeance. Grâce aux Dragon Balls, il devient l’être le plus puissant de l’univers, mais cette quête le pousse dans une spirale de haine. Cet arc permet à Vegeta et Goku de confronter leur passé de Saiyens, notamment Vegeta qui doit assumer son rôle dans l’extermination des Nameks. Goku, quant à lui, suit inconsciemment les traces de son père, Bardock.

La saga « Super-Héros« 

L’Armée du Ruban Rouge, organisation maléfique emblématique de Dragon Ball, fait un retour fracassant, cette fois-ci sous la direction du Dr. Hedo. Leur objectif ? Créer une nouvelle forme de vie artificielle, encore plus puissante que Cell. Heureusement, Piccolo, infiltré au sein de l’organisation, parvient à prévenir Gohan et à déjouer leurs plans. Cet arc revisite un ennemi classique tout en introduisant des éléments novateurs, comme la création d’un nouveau type d’androïde. C’est un savant mélange de nostalgie et de modernité.

Résumé : « Après leur défaite contre Black Freezer, Goku et Vegeta sont de retour sur la planète Beerus afin de poursuivre leur entrainement. Pendant ce temps sur Terre, deux mystérieux personnages déguisés en super héros apparaissent dans les rues afin de stopper le cambriolage d’une bijouterie. Ils s’appellent eux-même les « Clean Up Hero », Saiyaman X-1 et Saiyaman X-2. »

Prochain chapitre de l’œuvre d’Akira Toriyama : Dragon Ball Daima

Résumé : « Dans Dragon Ball Daima, une nouvelle aventure palpitante attend Goku, Vegeta, Bulma et sa bande d’amis. Suite à une conspiration sournoise, ils se retrouvent mystérieusement réduits à une taille minuscule, bouleversant leur existence et leurs capacités de combat. Déterminés à retrouver leur taille normale, ils entreprennent un voyage audacieux vers un monde nouveau et inexploré. Ce nouveau monde, plein de mystères et de dangers, mettra à l’épreuve leur esprit d’équipe et leur ingéniosité. »

Cet arc narratif présente des similitudes avec Dragon Ball GT, tout en s’efforçant d’élargir l’univers de Dragon Ball de manière cohérente avec les événements précédents. La communauté est impatiente de découvrir les détails de cette nouvelle aventure. Les premières images dévoilées suggèrent un retour aux sources de la série, avec une animation de qualité qui promet des combats spectaculaires.

Conclusion

Bien que son créateur nous ait quittés, l’univers de Dragon Ball continue de vivre et d’inspirer des générations entières. Né à une époque où le manga était souvent sous-estimé, Dragon Ball a su transcender les genres et toucher un public mondial. À travers les aventures de Goku et ses amis, Akira Toriyama nous a transmis des valeurs universelles telles que l’amitié, le courage et la persévérance. Ses histoires, initialement racontées en noir et blanc, ont illuminé nos vies de mille couleurs et laissé une empreinte indélébile dans nos cœurs.

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Du Shonen au Seinen: Une œuvre en maturation

Dans le récit de ses entretiens, Sakamoto s’est plongé dans les méandres de son introduction au monde du manga. Une rencontre fortuite avec un exemplaire du Jump pendant ses premières années à l’école primaire a déclenché une fascination qui guidera son destin artistique. 

 La première page alors ouverte par le jeune Sakamoto fut une fenêtre vers l’univers de Fist of the North Star de Tetsuo Hara, une œuvre qui deviendra une source inépuisable d’inspiration, tant pour lui-même que pour d’autres éminents artistes tels que Hirohiko Araki et Kentaro Miura. 

Parmi les trésors littéraires qu’il a découverts, Kinnikuman de Yoshinori Nakai et Takeshi Shimada, mieux connu sous le nom de Yudetamago, a également captivé son imagination. Contrairement à la brutalité graphique de Fist of the North Star, Kinnikuman était une oasis ludique conçue pour les jeunes esprits, offrant une palette d’aventures avec une dose modérée de violence. 

 Les premières étincelles d’inspiration pour le style de son œuvre, Bloody Soldier, sont indéniablement liées à ces premières influences.  Son protagoniste principal porte les traces du Kinnikuman de Yudetamago, tandis que l’atmosphère générale s’inspire du monde créé par Hara. 

Cependant, le tournant artistique de Sakamoto intervient au milieu des années 2000, lorsque l’artiste délaisse le Shonen pour plonger dans des eaux plus profondes, plus matures. Il est ainsi publié dans le Young Jump, un des bastions du Seinen manga, qui devient alors le terrain d’exploration de Sakamoto. Ses œuvres Niragi Kioumaru (2004-2005) et Masuraou (2005-2006) révèlent cette métamorphose artistique. Son Niragi Kioumaru, bien qu’arborant une musculature stylisée, souvent caractéristique des shonen de l’époque, s’engage dans une dramatisation presque grotesque, évoquant les œuvres de Keisuke Itagaki (Baki the Grappler…). 

Itagaki se distingue par sa maîtrise de la musculature et sa capacité à pousser les limites de sa compréhension de l’anatomie humaine. Cette expertise transparaît de manière évidente dans la première incursion de Shinichi Sakamoto dans le monde du seinen, bien que l’on doive souligner que l’utilisation de l’anatomie par Sakamoto n’atteint pas les extrêmes observés chez Itagaki. Il opte ainsi pour une approche bien plus réaliste tout en accordant une attention minutieuse à la définition des corps des personnages. Cette évolution artistique témoigne de la maturité croissante de Sakamoto et de son désir de sonder les profondeurs narratives que lui imposait à l’époque le format Shonen. Il cherche ainsi à se rapprocher de la crudité de l’âme humaine et à ne plus caricaturer ses personnages. 

La première œuvre récompensée de Shinichi Sakamoto, Ascension (Kokou no Hito), représente un virage artistique radical par rapport à ses oeuvres précédentes. Passant d’un style grandiloquent, déchirant et brutal, il embrasse une approche désormais empreinte de lenteur, de méditation et d’humanité. Une collaboration significative avec l’écrivain Yoshirou Nabeda donne naissance à une adaptation manga du roman de Jirou Nitta, ancrée dans une réalité humaine poignante. L’intrigue, basée cette fois sur une personne réelle, explore des thèmes profonds tels que la dépression, la solitude et l’ambition, loin des décors ou des personnages irréalistes qui caractérisent ses autres créations. 

Ascension dévoile une facette inédite de Sakamoto, se concentrant sur la condition humaine et offrant aux spectateurs une plongée immersive dans la lutte et le triomphe d’une personne ordinaire. Dépeindre la réalité et la crudité de l’âme humaine devient alors une forme de leitmotiv créatif chez Sakamoto. L’œuvre se distingue également par l’utilisation emblématique de métaphores visuelles, une signature désormais associée au style distinctif du maître et une évolution artistique saisissante se révèle à travers le changement de son trait, passant d’un encrage aux bords durs à une technique au crayon plus subtile. 

Une observation attentive des couvertures des volumes 1 et 17 souligne cette transformation remarquable, témoignant d’une compréhension plus profonde du personnage par l’artiste. La différence frappante entre ces deux images souligne une progression artistique où Sakamoto a dessiné le personnage avec une admiration évidente et une maîtrise croissante de son propre style.

De l’Histoire à l’Horreur Il n’y à Qu’un Pas: Innocent et DRCL

Au sommet de son art, Shinichi Sakamoto dévoile son œuvre emblématique, Innocent, où sa maestria narrative et son talent visuel atteignent des sommets inégalés. Cette création puise son inspiration à la fois dans la réalité et dans un manga emblématique des années 70, La Rose de Versailles (Versailles no Bara) de Riyoko Ikeda, qui a également marqué Kentaro Miura par son aspect dramatique et sa profondeur émotionnelle. L’attrait de Sakamoto pour les récits esthétiques et singuliers ancrés dans la France du XVIIIe siècle trouve écho dans cette œuvre magistrale. 

Tout comme Ascension, Innocent s’appuie sur un livre préexistant, The Executioner Sanson de Masakatsu Adachi. L’histoire d’Adachi, fusionnée avec les compétences narratives de Sakamoto et son savoir-faire visuel, donne naissance à une œuvre véritablement exceptionnelle que je vous invite vivement à découvrir.  

Dans Innocent, Sakamoto dévoile le fil conducteur de son exploration artistique, centré sur la représentation de la mort et de la beauté à travers l’utilisation métaphorique. D’une grande maitrise narrative, Sakamoto peint l’éphémère de la vie humaine avec beaucoup de nuances, de la mélancolieau grandiose. Les pages de ses œuvres, dépeignent un ballet poignant où les personnages surfent sur la vague de la vie, se déplaçant avec une imprudence à la fois inspirante et troublante, pouvant les mener à une fin prématurée, une vie sur le fil du rasoir. 

Cette contemplation artistique traduit visuellement l’essence de la citation « Vivez comme si vous alliez mourir demain », une maxime née de la nature éphémère de la vie. Cette philosophie, incarnée avec éclat dans les pages d’Ascension et d’Innocent, offre une expérience captivante, où chaque instant est une célébration poignante de la vie, à la fois revigorante et stupéfiante. 

Une autre caractéristique frappante de l’œuvre de Shinichi Sakamoto, réside dans l’absence délibérée d’effets sonores, laissant au lecteur la tâche d’imaginer les sons qui accompagnent l’histoire. Pour Sakamoto, cette approche repose sur la conviction que le lecteur est capable de mieux appréhender la texture sonore du monde narratif. En renonçant aux indications sonores explicites, Sakamoto offre une expérience immersive d’une réalité plus palpable, plus crue. 

Sakamoto est un artiste qui, malgré ses nombreuses références historiques et romanesques, est inscrit dans son époque et amène toujours beaucoup de modernité, de manière très fine dans ses œuvres de manière à mieux toucher son lectorat. Il ne se limite pas strictement aux faits historiques établis. À une époque où les femmes n’étaient pas autorisées à exercer la fonction de bourreau, Sakamoto façonne un univers où de telles barrières sociales sont transcendées. En documentant minutieusement de nombreux événements historiques survenus en France avant et après la Révolution française, Sakamoto insuffle à son œuvre une dimension alternative où l’imagination se mêle habilement à la réalité. « J’essaie toujours à travers mes mangas de m’attaquer aux clichés et aux idées reçues pour les remettre en question. » En lieu et place des adultes du roman de Bram Stoker, il met en scène des adolescents dans DRCL : « Ils ne sont ni adultes, ni enfants, et donc n’ont pas encore une vision très calée du monde. Cela m’a permis de lancer des questions à mes lecteurs à travers mes personnages qui sont en pleine exploration. Il y a par exemple le thème de la place de la femme dans la société, thème auquel je m’étais déjà attaqué dans Innocent et que je continue à présenter aux lecteurs du monde contemporain. Dans Dracula, je le fais avec le personnage de Mina qui vit dans l’Angleterre du XIX^e, où les changements de la vie quotidienne sont importants. Elle va se battre avec ses connaissances plutôt qu’avec une violence pure et dure. (…) Jusqu’à présent, dans les œuvres de vampires, les victimes sont toujours de belles femmes, mais aujourd’hui je pense qu’on peut changer cette vision des choses. C’est pour ça que j’ai choisi d’introduire ce personnage de Luke/Lucy. Si on fait un parallèle avec le Covid (période avec laquelle il s’est familiarisé avec l’univers de Dracula. Ndlr), on voit bien qu’il s’attaque à n’importe qui. Je pense que c’est la même chose pour le personnage de Dracula, il peut toucher tout le monde, sans aucun rapport de genre ou de race. J’aspire à une nouvelle représentation des monstres comme King Kong – ils n’ont pas à s’intéresser qu’aux femmes. » 

Dans DRCL, Sakamoto utilise à nouveau ce qui est, à mon sens, une de ses marques de fabrique, le clair-obscur. 

En effet, les jeux de lumière sont dans le style de Sakamoto, un exemple de maitrise technique quasi inédite dans le manga moderne. Son travail sur les ombres et les lumières est à la fois une technique permettant de se rapprocher visuellement de ses inspirations photographiques ; Il a par exemple annoncé avoir été très inspiré par une série qu’il regardait enfant, qui avait peu de moyens mais dont le travail sur les lumières était édifiant ; 

Mais qui dessert également son intention narrative : “Plus les ténèbres sont profonds, plus la lumière paraît éblouissante, la douleur permet de rendre la vie plus palpable et c’est sous cet angle que je dessine mes mangas”. 

Il fait également une utilisation du flou jusqu’alors jamais vu. 

Quand la plupart s’en servent pour donner des impressions de perspectives et se rapprocher de plans cinématographiques, Sakamoto lui, préfère en user pour ne pas tout montrer et se rapprocher des clichés photos de l’époque qu’il met en scène. Les planches sont dessinées avec énormément de détails par ses assistants avant qu’il ne floute le tout sans vergogne aucune, usant de l’outil numérique avec grâce. Bien qu’ils fussent très réticents à cette pratique au départ, il nous confie qu’ils y trouvent désormais un certain plaisir coupable. 

Dans la danse infinie entre l’encre virtuelle et le pixel éphémère, l’aspect numérique de la technique de dessin de Sakamoto transcende les frontières traditionnelles de l’art graphique. Là où l’encre et le papier ont longtemps été les complices intemporels des artistes, Sakamoto s’aventure dans un royaume numérique, redéfinissant les contours de sa créativité: « La majeure partie des auteurs font du digital. Les outils analogues disparaissent petit à petit. Ça n’a pas été très difficile, un jour ou deux d’adaptation. Je ne peux pas revenir en arrière, c’est trop pratique ! La difficulté concerne le trait. Il ne faut pas ressembler aux autres. » 

#DRCL : Une Relecture Moderne du Mythe de Stoker

« L’histoire se passe à Londres, au XIX^e siècle, en pleine pandémie de peste. J’ai trouvé que cela ressemblait beaucoup à notre situation avec le Covid. J’ai ressenti ça comme un signe du destin et c’est ce qui m’a poussé à écrire ce manga, explique Shin’ichi Sakamoto. À l’époque, Londres est aussi en pleine révolution industrielle, et il y a le concept de ‘new woman’. Les nouvelles idées de l’époque m’ont paru actuelles, un monde où les valeurs changent. » 

Dans son nouveau titre, Sakamoto cherche à nouveau à s’inscrire dans son époque à travers une relecture de l’oeuvre de Stoker. Il modernise le mythe en interrogeant la place de la femme au sein d’une société patriarcale, abordant également les problématiques du harcèlement et de la crainte des épidémies. 

Tout débute avec l’équipage d’un navire russe faisant une découverte énigmatique : une cargaison inhabituelle, emplie d’une terre à l’odeur putride. Au fil des jours, des membres de l’équipage disparaissent mystérieusement, d’autres succombent à des transformations corporelles inquiétantes. À son arrivée en Angleterre, le vaisseau semble plus une épave flottante qu’un navire en état. La police se lance alors dans une quête des survivants, confrontée à une créature imposante, mi-homme mi-loup, qui jaillit sur le rivage avant de se fondre dans la nuit.  

Simultanément, quatre étudiants du réputé établissement Whitby sont témoins d’une scène terrifiante dans le cimetière de la ville : l’un de leurs camarades est violemment attaqué par une créature ténébreuse. Mina Murray, la seule fille de l’école, se dresse courageusement face à la bête pour sauver le jeune homme. Qui sont ces monstres énigmatiques ? D’où proviennent-ils ? Quelles sont leurs intentions obscures ? La bande d’adolescents s’engage dans une quête pour dévoiler les secrets qui entourent ces créatures mystérieuses. 

Graphiquement on ressent l’inspiration des costumes d’Eiko Ishioka, ayant contribué au Dracula de Francis Ford Coppola, ainsi que dans les ballets de Sergueï Polunin (Sakamoto entretient une relation étroite avec les notions de danse et de mouvement. Ndlr). Les décors, les mouvements orchestrés avec précision, et les vêtements des protagonistes sont méticuleusement conçus, offrant une esthétique saisissante et profondément réaliste.  

En guise de conclusion, l’œuvre de Shin’ichi Sakamoto se dresse tel un joyau éclatant dans le panorama du manga, transcendant les contours conventionnels du genre pour captiver son auditoire. Une esthétique d’une finesse exceptionnelle, des personnages empreints de complexité et des thématiques contemporaines judicieusement tissées font de chacune de ses créations, avec #DRCL en nouveau-né, une pièce maîtresse de la scène manga. 

Les empreintes laissées par des influences artistiques prestigieuses, confèrent une qualité visuelle qui se distingue. Au-delà du simple récit horrifique, l’originalité de Sakamoto réside dans sa capacité à transcender les mythes, à inciter à la réflexion sur des problématiques sociales cruciales, créant des œuvres dont chaque page est une plongée réfléchie dans des mondes à la fois envoûtants et profonds. 

Ainsi, pour ceux en quête d’une expérience littéraire et artistique inégalée, se laisser happer par l’atmosphère envoûtante de l’univers de l’artiste s’avère une odyssée indispensable. Avec une palette aussi riche que nuancée, l’auteur s’affirme comme une voix singulière et incontournable dans la galaxie contemporaine du neuvième art. Que vous soyez connaisseur aguerri ou simple novice explorant les méandres du manga, l’œuvre de Sakamoto promet une aventure envoûtante, profonde et résolument exceptionnelle.  

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Quelle est la formule magique qui donne naissance aux hits du Shonen Jump ?

Avec 176 pages de précieux conseils, ce manuel publié sous la collection Shonen Kana vise à guider les aspirants mangakas, débutants ou en progression, sur la voie de la création de manga. La sortie officielle est fixée au 22 septembre 2023.

Plongez dans l’univers du manga avec ce guide essentiel, fruit de l’expérience du Weekly Shônen Jump, et laissez-vous inspirer par les maîtres du genre pour faire éclore votre créativité. Un incontournable pour tous les passionnés de manga.

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La France et la Belgique à l’honneur

–Obata Takeshi est notamment connu pour être le dessinateur de Death Note, Bakuman, Platinum End, ou plus récemment Show-ha Shoten qui sortira chez nous le 30 Juin !

–Asakura Akinari est le jeune romancier le plus en vue du Japon, et le scénariste de Show-ha Shoten !

Le duo sera donc présent en septembre en France et en Belgique. Plus d’informations prochainement sur les réseaux Kana et pendant Japan Expo !

Durant le live, d’autres annonces ont été faites, comme la sortie d’un coffret intégrale de Death Note en octobre au prix de 101,25e, ou le portfolio d’Obata disponible pour l’achat de 3 mangas d’Obata, et ce des le 30/06 !

Rendez-vous en septembre pour rencontrer OBATA Takeshi et ASAKURA Akinari et profiter de cet événement exceptionnel !

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C’est quoi le «  Mangaka challenge » ? 

À ce jour, c’est le plus grand concours de création de manga en France ! Le but est simple : créer un one-shot, tout genre confondu de 20 à 24 pages en noir et blanc portant sur le thème du « Summer Feeling ». Il doit s’adresser à une audience dite ‘tout public’ et ne doit donc pas contenir de dessins à caractère violents, ou pornographiques.

Si de nos jours, les séries et autres fictions audiovisuelles ont su incorporer de la diversité au sein de leurs œuvres, le manga commence petit à petit à faire de même. Dès lors, l’un des critères sur lesquels les mangakas en herbe seront attendus, est la représentation de l’inclusivité dans les projets proposés. D’ailleurs, l’inclusion de deux personnages de genre différent est un critère obligatoire à respecter avant de soumettre son travail. 

Qu’est-ce que tu gagnes si tu remportes le concours ? 

Tiens-toi bien, car si tu remportes le 1er prix de ce concours, ton manga sera dans un premier temps publié aux éditions Kana avec le versement d’un à-valoir de 15 000€ et bénéficiera d’une diffusion numérique exclusive sur Kobo et Mangas.io ! Le tout accompagné d’une campagne de promotion assurée par Kana, Rakuten Kobo, Mangas.io et Japan Expo pour soutenir la parution de ton manga !

Et ça, c’est seulement ce que tu gagnes pour la sortie de ton manga, tu bénéficies aussi d’un nombre conséquent de bons plans comme 1 an d’abonnement à Mangas.io, 100 tomes offerts des éditions Kana etc..

Comment participer au concours ?

D’autres prix que ceux du gagnant seront également décernés, de quoi faire rêver tout le monde ! Les participations se clôturent le 1er juin 2023 donc si c’est ton rêve, ça y est, t’as plus d’excuses et inscris toi sur le site officiel de Mangas.io. T’y trouveras plus de détails sur toutes les modalités d’inscription. 

La compétition risque d’être rude, donc si tu comptes y participer, on te souhaite bon courage de la part de toute l’équipe ! 

À vos crayons !

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