Ce retour en salles s’inscrit dans le vaste travail de restauration et de diffusion engagé par Metropolitan Films et son label HK Films & Video, suite à l’acquisition du catalogue Golden Princess grâce à un partenariat avec Shout! Studios. Après À toute épreuve (Hard Boiled), The Killer ou encore la trilogie Histoires de fantômes chinois actuellement à l’affiche, City on Fire poursuit cette ambitieuse redécouverte du patrimoine du cinéma de Hong Kong.

Sorti deux ans avant The Killer de John Woo, City on Fire est souvent considéré comme le film qui a véritablement révélé Ringo Lam. Le réalisateur y impose un style sec, tendu et sans fioritures, où la violence n’est jamais gratuite mais toujours au service d’un suspense implacable. Le film marque également la première collaboration entre Chow Yun-Fat et Danny Lee, dont l’alchimie crève l’écran et contribue largement à la puissance dramatique de l’ensemble.

Le Synopsis

À la suite d’un assassinat en plein quartier populaire de Hong Kong, l’inspecteur Lau charge un de ses meilleurs flics d’infiltrer un gang de dangereux malfaiteurs. Ko Chow (Chow Yun-Fat) devient ainsi une « taupe », supecté par les braqueurs et poursuivi par la police qui ignore tout de sa véritable identité. Après un hold-up particulièrement sanglant, Chow se lie d’amitié avec son chef de bande, l’implacable mais loyal Lee Fu (Danny Lee).

Au fil de son récit, City on Fire déploie une montée en tension remarquable, jusqu’à un final devenu légendaire. Une scène de règlement de comptes d’une intensité rare, qui a durablement marqué l’histoire du cinéma de genre et dont l’influence est notamment revendiquée par Quentin Tarantino, qui s’en est largement inspiré pour Reservoir Dogs. Violence sèche, suspense parfaitement maîtrisé et regard lucide sur la criminalité urbaine font de ce film un pilier du polar hongkongais.

La restauration 4K permet aujourd’hui de redonner toute sa force visuelle au film, en sublimant son grain, ses contrastes et son atmosphère poisseuse, tout en respectant l’esthétique originale voulue par Ringo Lam. Une occasion idéale de mesurer à quel point City on Fire reste d’une modernité et d’une efficacité redoutables.

City on Fire est à découvrir ou redécouvrir dès demain au cinéma, dans une version restaurée 4K, dans de nombreuses salles à travers la France. Un rendez-vous immanquable pour tous ceux qui souhaitent replonger dans l’âge d’or du polar hongkongais, là où chaque regard, chaque silence et chaque explosion de violence comptaient.

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Vingt ans après son adaptation culte, Christophe Gans revient à l’univers de Silent Hill, porté cette fois par l’histoire du jeu Silent Hill 2, édité par Konami. Une œuvre profondément psychologique, hantée par la culpabilité, la perte et les monstres qui naissent de l’esprit humain — un terrain idéal pour le réalisateur du Pacte des loups et du premier Silent Hill.

Cette nouvelle affiche, sombre et oppressante, donne le ton : un retour aux sources, à la fois respectueux du matériau d’origine et chargé d’une atmosphère lourde, presque suffocante. Les fans pourront également découvrir un récapitulatif des avant‑premières, organisées dans plusieurs villes, pour plonger dans l’horreur avant tout le monde.

La bande‑annonce, déjà disponible, promet un film qui renoue avec l’esthétique dérangeante et la symbolique torturée de Silent Hill. Une invitation à replonger dans l’un des univers les plus marquants du jeu vidéo d’horreur psychologique.

Retour à Silent Hill arrive au cinéma le 4 février. La brume vous attend.

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Un mystère glaçant au cœur du récit

Le film s’annonce comme un thriller horrifique intense, centré sur une héroïne hantée par un drame familial et prête à franchir toutes les limites pour découvrir la vérité.
Voici le synopsis officiel — reproduit sans aucune modification, comme demandé :

Le Synopsis :

Obsédée par la disparition de sa sœur, une femme s’engage dans une quête désespérée qui la conduit au cœur d’un mystère terrifiant, orchestré par un mal insaisissable

Cette intrigue minimaliste mais redoutablement efficace promet un climat d’angoisse constant, où la frontière entre réalité et hallucination risque de s’effriter au fil des révélations.

La nouvelle bande-annonce, désormais disponible, dévoile l’atmosphère lourde et inquiétante du film : silhouettes dans l’ombre, menaces invisibles, et un sentiment d’urgence qui monte jusqu’à l’étouffement. L’affiche alternative accompagne cette révélation en renforçant l’identité visuelle du film, mystérieuse et oppressante.

Un rendez-vous incontournable pour les amateurs de frissons

Avec ses promesses de suspense, de tension psychologique et de manifestations surnaturelles, Shelby Oaks semble vouloir s’imposer comme l’un des événements horrifiques majeurs de cette fin d’année.

Le rendez-vous est pris : au cinéma le 19 novembre pour découvrir ce cauchemar sur grand écran.

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Une horreur repensée pour 2026

Dans cette vidéo coulisses, Christophe Gans revient sur son approche et rappelle à quel point l’horreur a évolué en vingt ans.
« La perception de l’horreur a totalement changé depuis 2006 », confie-t-il, soulignant la nécessité d’adapter le langage visuel, les codes et la mise en scène à un public désormais habitué à des œuvres plus sombres, plus psychologiques, plus immersives.

Retour à Silent Hill promet ainsi une vision modernisée, tout en respectant l’âme tourmentée du matériau original.

Silent Hill au cœur de la Paris Games Week

Le film a également été mis à l’honneur lors d’un panel spécial à la Paris Games Week, où Christophe Gans a livré une interview complète avec Carole Quintaine, désormais disponible en replay vidéo.

L’occasion pour les fans de découvrir ses inspirations, sa relation de longue date avec l’univers Silent Hill et la façon dont le projet a été façonné en collaboration avec Konami.

Un retour aux origines : Silent Hill 2 comme base principale

Réalisé par Christophe Gans — déjà derrière Silent Hill (2006), Crying Freeman ou encore Le Pacte des loups — le film s’appuie directement sur Silent Hill 2, l’un des épisodes les plus mythiques du jeu vidéo édité par Konami.

Ce choix souligne une volonté de revenir à l’essence même de la série : une horreur psychologique intimiste, centrée sur la culpabilité, la douleur, la solitude… et bien sûr, les créatures symboliques qui ont marqué des générations de joueurs.

En parallèle, les spectateurs peuvent également (re)découvrir le teaser officiel, disponible en vidéo. Une première immersion dans cette nouvelle adaptation qui promet atmosphère suffocante, brouillard épais, visions cauchemardesques et ce mélange unique d’émotion et de terreur qui fait la force de Silent Hill.

Février 2026 : un rendez-vous attendu

Avec son making-of, son teaser et ses prises de parole publiques, Retour à Silent Hill entame véritablement sa montée en puissance.
Le 4 février 2026 marquera le retour du réalisateur dans une ville fantôme qui continue de hanter les imaginaires, prête à accueillir une nouvelle génération de spectateurs… et à replonger les fans dans leurs peurs les plus profondes.

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Après avoir relancé le programme avec À TOUTE ÉPREUVE (Hard Boiled), actuellement en salles, c’est désormais l’un des films les plus emblématiques du réalisateur qui s’apprête à retrouver le public français. Présenté récemment au Festival Lumière 2025, dans une rétrospective dédiée à John Woo – et en sa présence – THE KILLER a déjà confirmé son statut de monument du genre.

Le Synopsis

Jeff est un tueur professionnel. Lors de l’exécution d’un contrat, il blesse accidentellement aux yeux une jeune chanteuse, Jenny.

Rongé par le remords, il accepte d’éliminer un parrain des Triades afin de réunir la somme nécessaire à la transplantation de cornée dont Jenny a besoin. L’affaire tourne mal et Jeff se retrouve à la fois poursuivi par ses employeurs et par un policier acharné, l’inspecteur Li.

Un film qui a réinventé le polar hongkongais

Sorti en 1989, THE KILLER marque le sommet de la collaboration entre John Woo et son acteur fétiche Chow Yun-Fat, accompagné ici du charismatique Danny Lee.
Nourri par la passion de Woo pour Le Samouraï de Jean-Pierre Melville, le film naît dans un contexte particulier : alors que le succès massif de Le Syndicat du Crime et de sa suite déclenche une vague d’imitations dans l’industrie, John Woo souhaite s’en éloigner pour proposer une œuvre plus intime, élégiaque et tragique.

Convaincre le producteur Tsui Hark n’a pas été simple, tant la mode du moment poussait vers des récits similaires. Il faudra l’insistance de Chow Yun-Fat pour faire éclore le projet. Ensemble, l’acteur et le cinéaste façonnent alors un personnage devenu légendaire, une réinvention chinoise du tueur solitaire incarné par Alain Delon.

Le résultat est un film fulgurant, où lyrisme, violence chorégraphiée et mélancolie se mêlent pour donner naissance à l’un des polars les plus influents de tous les temps.

Un retour au cinéma à ne pas manquer

À partir du 26 novembre, les spectateurs pourront redécouvrir THE KILLER dans une version restaurée 4K qui sublime chaque mouvement, chaque balle, chaque éclat de lumière – un incontournable pour les amoureux du cinéma d’action, du cinéma de Hong Kong, et pour tous ceux qui veulent comprendre pourquoi John Woo est devenu une légende.

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Une intrigue obsédante

Le film met en scène une femme hantée par la disparition de sa sœur. Son obsession la pousse à se lancer dans une quête désespérée qui la mène droit dans les griffes d’un mystère terrifiant, orchestré par un mal invisible et insaisissable.

Synopsis :
Obsédée par la disparition de sa sœur, une femme s’engage dans une quête désespérée qui la conduit au cœur d’un mystère terrifiant, orchestré par un mal insaisissable.

Le teaser et la bande-annonce installent une tension palpable : ombres inquiétantes, sons distordus et une atmosphère qui semble se refermer sur les personnages. Shelby Oaks s’annonce comme un film qui joue autant sur la peur viscérale que sur la psychologie, rappelant les œuvres qui marquent durablement le spectateur.

Avec sa sortie prévue le 19 novembre, Shelby Oaks pourrait bien s’imposer comme l’un des films d’horreur les plus marquants de la fin d’année. Le public est déjà invité à partager ses réactions et théories autour du film avec le hashtag #ShelbyOaks.

Alors, serez-vous prêts à affronter les ténèbres quand Shelby Oaks envahira les salles obscures ?

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Le premier teaser, disponible en VOST et VF, laisse entrevoir une ambiance glaçante, fidèle à l’esthétique du jeu original, où les ténèbres et la brume de Silent Hill viennent engloutir les personnages. Christophe Gans revient derrière la caméra près de vingt ans après son premier film Silent Hill (2006), et promet une œuvre encore plus sombre, centrée sur l’horreur psychologique et les tourments intérieurs de son héros.

Synopsis

James est un homme brisé par sa séparation avec son grand amour. Un jour, une mystérieuse lettre lui parvient et le rappelle à Silent Hill pour l’envoyer à la recherche de la femme qu’il aime. Là-bas, il se retrouve dans une ville qu’il connaissait jadis, mais qui semble avoir été transformée par un esprit maléfique inconnu. Alors que James pénètre plus profondément dans cette obscurité effrayante, il rencontre de terrifiantes figures, parfois familières. Il commence alors à se demander s’il devient fou et lutte contre lui-même pour trouver un sens à cette étrange réalité, afin de parvenir à sauver son amour.

Avec cette nouvelle adaptation, Silent Hill revient sur grand écran pour hanter une nouvelle génération de spectateurs. Entre brume, cauchemars et monstres inoubliables, le rendez-vous est pris : le 4 février 2026 au cinéma.

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Synopsis

Gab et Driss, amis d’enfance brouillés depuis leur départ de l’orphelinat, mènent des vies opposées : l’un est flic à l’IGPN, l’autre fixeur pour des voyous. Ils se retrouvent 18 ans après, suite au décès de Sofia, leur premier amour. En quête de justice, sa fille Leïla, s’empare de l’arme de Gab et se lance sur la piste d’une puissante entreprise prête à tout pour étouffer l’affaire. Forcés de faire équipe, les orphelins vont devoir la stopper avant qu’elle ne commette l’irréparable…

Mon avis

Dès le premier plan, on comprend qu’on va vivre un moment haletant – sans mauvais jeux de mots. Le film nous tient en haleine tout du long, nous faisant passer par toute une palette d’émotions. Olivier Schneider a su doser avec brio humour, tristesse et action. Sans jamais être dans le « trop » et c’est une des grandes forces de cette production.
Les Orphelins aborde des sujets forts : deuil, pression familiale, amitiés brisées, amour d’une vie, … en bref des sujets lourds traités avec douceur et légèreté. Du coup, dès les premières minutes ont est totalement happés par l’intrigue et les émotions des personnages.

Un film d’action de qualité

Le réalisateur est un ancien cascadeur et chorégraphe de combat, et ça se voit ! On a de l’action calibrée au millimètre près avec des chorégraphies de combat prenantes. Un savoir-faire qui permet d’avoir un film d’action de qualité, parfois un peu démonstratif, mais qui n’a rien à envier aux productions hollywoodiennes.

Les scènes d’action servent le scénario et la tension émotionnelle.

Quand l’action sert les émotions

Au final derrière l’action, Les Orphelins c’est surtout une ode à l’amour. L’amour amical, fraternel, familial et amoureux. Tous les types de liens y ont leur importance et viennent servir le scénario.

Les émotions sont transmises à la fois par une bande son bien pensée et un acting impeccable de la part du casting. Casting qui d’ailleurs est une des pépites de ce film.
Le trio Sonia Faidi (Leïla), Alban Lenoir (Gabriel) et Dali Benssalah (Driss) fonctionne à merveille. Chacun tient bien son rôle. Et mention honorable pour Sonia Faidi qui sait nous attraper en jouant à merveille un rôle complexe et poignant.

Si vous souhaitez passer un bon moment devant un film qui saura vous faire vibrer sans prise de tête, foncez voir Les Orphelins. Disponible en salle le 20 août.

MA NOTE 16,5/20

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Le 11 juin 2025 en salle

Le Synopsis

Londres, 1984: Maria, âgée de 7 ans, et sa mère vivent dans un monde bien à elles, tendre et singulier, tissé d’amour et de trésors amassés. Mais une nuit, tout bascule.

Dix ans plus tard, Maria vit une vie paisible dans sa famille d’accueil quand un jeune homme plus âgé, Michael, fait irruption dans leur foyer, ravivant des blessures enfouies et brouillant la frontière entre magie et folie…

Mon Avis

Dès les premières minutes, Crasse donne le ton : celui d’un cinéma qui gratte, qui dérange, qui se refuse à lisser ses contours. Le film suit Maria, une jeune fille élevée dans un désordre affectif et matériel par une mère accumulatrice compulsive. Une mère aimante, mais débordée. Une mère présente, mais incapable de poser des repères stables. Une mère qui finit par disparaître.

Des années plus tard, Maria vit en foyer. Elle tente de construire quelque chose qui ressemble à une vie. Mais quand un jeune homme débarque dans sa vie — lui aussi porteur d’une blessure — ses souvenirs refont surface. Et avec eux, cette étrange attirance pour le chaos, pour le trouble, pour l’intensité d’un amour toxique mais réconfortant.

Luna Carmoon signe un film audacieux qui refuse toute forme de confort narratif. Elle travaille la matière même du souvenir, ses déformations, ses silences et ses fulgurances. Il n’y a pas ici de chronologie nette, mais une temporalité émotionnelle, où les époques se croisent, se contaminent, se superposent. Le passé revient comme une coulée de boue, épaisse et étouffante.

La caméra épouse le regard de Maria, ses hallucinations, ses obsessions, ses désirs troubles. Les couleurs saturées, les textures crades, les plans resserrés sur les corps et les objets créent un univers presque suffocant. Mais de cette noirceur surgit une poésie étrange, un cri d’amour déformé, une beauté brute, déchirée, comme une photo qu’on aurait trop exposée à la lumière.

Crasse n’est pas un film qui se raconte facilement. Il se vit, il se traverse, il dérange et parfois même il repousse (cc la scène du crachat dans la main, ou des cendres…). Il parle de deuil, d’identité, de transmission émotionnelle, de maternité brisée et d’amour mal canalisé. Il met en scène des corps qui cherchent à s’aimer mais ne savent plus comment, des âmes qui se cherchent dans les décombres d’une enfance ravagée.

Débordant de style et d’énergie, le film rappelle parfois le cinéma de Lynne Ramsay ou de Harmony Korine, mais avec une voix résolument propre. Luna Carmoon ne cherche pas à plaire. Elle impose une vision, frontale et viscérale, d’une génération perdue dans ses souvenirs et ses pulsions.

Le 11 juin 2025 en salle

Avec Crasse, elle signe un premier film coup de poing, organique, profondément féminin, où l’intime devient politique. Un cinéma de tripes, de cœur et de vertige.

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Un film écrit et réalisé par Lawrence Valin, le 30 avril au cinéma.

Le Synopsis

Le quartier de « Little Jaffna » à Paris est le cœur d’une communauté tamoule vibrante, où Michael, un jeune policier, est chargé d’infiltrer un groupe criminel connu pour extorsion et blanchiment d’argent au profit des rebelles séparatistes au Sri Lanka.

Mais à mesure qu’il s’enfonce au cœur de l’organisation, sa loyauté sera mise à l’épreuve, dans une poursuite implacable contre l’un des gangs les plus cachés et puissants de Paris.

Mon Avis

Il y a dans Little Jaffna une tension qui gronde dès les premiers plans, comme un feu qui couve sous la cendre. Le film suit Michael, un jeune policier de la DGSI, d’origine sri-lankaise, envoyé en infiltration dans un quartier parisien majoritairement tamoul. Sa mission : pénétrer un réseau clandestin dirigé par des membres des Tigres Tamouls, cette organisation indépendantiste qui a marqué l’histoire du Sri Lanka dans la violence et le sang.

Derrière sa façade de petite épicerie communautaire, le quartier cache des trafics, des codes et des cicatrices héritées d’un conflit qui ne dit pas son nom. Michael ne débarque pas en terre inconnue. Il connaît cette langue, ces visages, cette histoire. Mais c’est précisément cette proximité qui rend sa mission vertigineuse. Il n’est pas seulement là pour observer ; il est là pour trahir.

Dans ce décor, le film glisse avec pudeur un autre fil narratif : celui de Puvi, l’un des leaders du réseau, tiraillé par son amour interdit pour une jeune femme.

Ce qui saisit, c’est la manière dont Lawrence Valin filme cet exil en quartier parisien comme une continuité de la guerre. À Paris, les armes sont moins visibles, mais les blessures restent béantes. Les regards se détournent, les silences pèsent, les ruelles deviennent les scènes discrètes d’un conflit importé. Le réalisateur capte tout cela avec une grande retenue, mais aussi une intensité sourde. Sa mise en scène, précise et sans effets superflus, crée une atmosphère où chaque mot semble peser le poids d’un passé qu’on n’ose pas dire.

Le film explore sans manichéisme la complexité de ses personnages. Il ne condamne pas, il ne glorifie pas. Il montre. Il questionne. Qu’est-ce que la loyauté quand les repères se brouillent ? Peut-on appartenir à deux mondes sans trahir l’un ? À travers Michael, Little Jaffna interroge ce que signifie « rester fidèle » : à un pays, à une mission, à soi-même.

Le long-métrage réalisé par Lawrence Valin s’est vu décerner à la fois le Prix du Jury et le Prix du Public, une double reconnaissance qui confirme la puissance de son récit et l’efficacité de sa mise en scène.

Un film écrit et réalisé par Lawrence Valin, le 30 avril au cinéma.

Avec Little Jaffna, Lawrence Valin réussit un film à la fois tendu et sensible, porté par des comédiens justes et une tension dramatique constante, où la moindre scène semble traversée par la peur, le doute, ou un reste de tendresse. Plus qu’un polar d’infiltration, c’est un film sur l’héritage invisible des guerres, et sur les choix impossibles qu’impose l’exil, , offrant une œuvre dense, élégante, et profondément humaine. Un véritable coup de cœur !

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