We are [still] here, l’exposition

WE ARE [still] HERE c’est soixante-quinze artistes français et internationaux qui investissent le Petit Palais à travers plus de 200 œuvres en tout genre. Peinture, sculpture, objet, tout est un moyen de s’exprimer et de s’insérer au sein des œuvres permanentes du musée.

Le parcours débute dans les collections du musée. Plusieurs œuvres inédites de D*Face, Invader, El Seed, EvazéSir, Hopare, Sun7 et Maxime Siau y dialoguent avec les collections du musée.
WE ARE [still] HERE s’inscrit dans la volonté de mettre en avant une scène contemporaine qui écrit sa propre histoire. Montrant ainsi la force de l’art urbain qui est, plus que jamais, en mouvement.

Cette année, la scène française est particulièrement à l’honneur. 43 artistes français sont présents parmi les 75 artistes représentés.
En parallèle de l’exposition, une application de médiation accompagne les visiteurs dans la découverte des œuvres et des artistes grâce à des contenus interactifs, enrichissant encore davantage l’expérience immersive de l’exposition.

Mon avis sur l’exposition

J’avais déjà pu découvrir la première édition en 2024, et c’est toujours un plaisir de revenir.
Le Petit Palais nous propose une véritable immersion dans le Street-Art, notamment dans la dernière salle de l’exposition. Une salle entièrement recouverte d’œuvres à tel point que l’on ne sait plus où donné de la tête.

La force de cette exposition est sans aucun doute le fait d’insérer « l’art des rues » souvent mal reçu avec des oeuvres beaucoup plus classiques. On assiste alors à un dialogue entre classicisme et modernités et à un dialogue entre générations, que ça soit d’artistes ou de visiteurs.
Cette insertion permet de présenter l’art urbain à une nouvelle cible et d’interpeller des personnes qui de basent ne s’y intéresseraient pas. C’est aussi l’occasion de mettre le street-art au même niveau que « l’art classique ».

Une exposition à ne pas louper et en plus c’est gratuit donc aucune excuse pour ne pas y faire un tour.

Infos pratiques

• Où? Petit Palais, Av. Winston Churchill, 75008 Paris
• Quand? Du 20 juin au 20 septembre
• Billetterie: Pas besoin de réservation, entrée libre.
• Artistes représentés :
  ADD FUEL, AKACHA, ARDIF, BOM.K, BTOY, CLET ABRAHAM, CODEX URBANUS, CONOR HARRINGTON, D*FACE, DACRUZ GRAFFITI, DAN23, DAVID DE LA MANO, DEYAA, EL MAC, EL SEED, EVAZESIR, FAFI, FAILE, FENX, FKDL, HERAKUT, HOM, HOPARE, HOROR, HUSH, INTI, INVADER, JACE, JAN KALAB, JANA & JS, KAN, KATRE, L’ATLAS, LE CYKLOP, LEK & SOWAT, LOGAN HICKS, MADAME, MARKO93, MARK JENKINS, MAXIME SIAU, MAYE, M-CITY, MIAZ BROTHERS, MISS VAN, MOSKO, NAJAH ZARBOUT, NASTY, NICOLAS PANAYOTOU, NILKO, ORTICANOODLES, PAKONE, POSE, REA, RERO, RETNA, RETRO, ROA, ROMAIN FROQUET, SAMAN & SASAN, SANER, SEIZE, SALMA MESTIRI, SETH, SHAKA, SHEPARD FAIREY, SPEEDY GRAPHITO, STEW, SUN7, SWOON, THEAZEE, TIM CONLON, TRISTAN EATON, VINNIE, VHILS, YSEULT YZ DIGAN

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Pour commencer, est-ce que vous pouvez nous parler de votre parcours et de ce qui vous a donné envie de raconter des histoires à travers l’animation ?

Déjà pour parler de mon parcours, j’ai fait des études des Beaux-arts. Et déjà à l’époque de l’université, j’ai commencé à faire des peintures. Donc je suis devenu peintre, et c’est à l’âge de 29 ans que j’ai commencé à travailler dans le monde de l’animation. Et à 36 ans, donc en 2016, j’ai commencé à préparer ce film ( Une aube nouvelle). Jusqu’alors je réalisais que des des formats courts.

Et sinon la genèse de ce projet, c’est que quand j’étais petit, je vivais à côté de la mer et je voyais que pour étendre la terre il y’avait des travaux et du coup la mer commençait à disparaître. C’est un souvenir qui me restait. Et un jour, mon enfant, m’a dit qu’il a vu la mer dans la montagne en regardant des panneaux solaires. Il a cru que c’était la mer à cause du reflet du soleil, comme ça brillait.
J’ai donc trouvé que c’était très intéressant de parler des deux, c’est à dire de la mer qui a disparu pendant mon enfance et la « mer » que mon enfant a vu dans la montagne. Et c’est comme ça que j’ai eu l’idée de faire ce film.

Dans Une aube nouvelle, la tradition et les feux d’artifices occupent une place centrale. C’est un sujet rarement exploré dans l’animation, alors qu’ils ont une place particulière dans la culture japonaise. Pourquoi avoir choisi de raconter cette histoire à travers cet élément?

C’est vrai que j’ai raconté cette histoire dans un film d’animation, mais avant tout je suis peintre. C’est vrai que j’ai regardé des animés étant petit, mais voilà c’était la narration, c’était cette histoire qui me paraissait importante. Pas vraiment le fait que ce soit de l’animation. C’était pas ce qui comptait pour moi. C’est raconter cette histoire là qui était important.

Le film est imprégné d’une forte impression de temps fragmenté, comme si la mémoire et le présent co-existaient. Quelle était votre intention derrière cette approche narrative du temps?

C’est un film de long-métrage, mais qui dure que 76 minutes, donc finalement c’est un film de long-métrage relativement court. À cause de ce format, j’ai dû vraiment mettre le maximum d’informations. Du coup, j’étais un peu obligé de mettre les scènes de mémoires, de souvenirs, puisque quatre années se déroulent pendant le film. En plus je voulais transmettre toutes les émotions possibles donc oui j’ai du mélanger plusieurs temps.

On retrouve un trio composé d’une ville et de deux garçons, une configuration qui existait déjà dans votre clip Heroes of the old forest. Est-ce que ce projet contenait déjà les première graines d’Une aube nouvelle?

En réalité, à l’époque où ce clip de musique est sorti, je travaillais déjà sur ce film. Et merci finalement à ce clip qui est sorti plus tôt que le film. Donc j’avais déjà l’idée de l’histoire et du coup le clip est un peu une sorte d’expérimentation.

Cette dynamique de trio est aussi très présente dans la pop culture japonaise, notamment dans les shonen. Est-ce que c’est une structure narrative qui vous influence ou c’est plutôt une coïncidence liée à votre manière de créer vos personnages ?

Au début au faite, je voulais raconter une histoire avec beaucoup plus de personnages, avec un groupe. Mais comme c’est mon tout premier film, je me suis dit qu’il fallait limiter et donc finalement je suis arrivé à trois.

Un passage qui peut en étonner plus d’un, l’insert du live-action et du stop-motion dans ce film. Personnellement, je suis une très grande fan de ce mix de techniques. Qu’est-ce qu’il lui a donné l’envie de mélanger ces techniques à l’animation?

Déjà quand je réalisais des formats courts, je mélangeais des techniques. Très souvent je mélangeais l’animation et la prise de vue réelle.
Et j’adore mélangé les genre. Par exemple quelque chose d’artistique et de commercial. Et en réalité, l’animation 2D, il y’a plus de choses fausses en 2D, car tout est dessiné, imaginaire, et donc quand il y’a des images réelles d’insérées, il y’a vraiment un décalage. Et j’adore ce décalage.

Vous avez travaillé avec de nombreux autres réalisateurs, notamment avec Makoto Shinkai. Qu’est ce que cette collaboration vous a apportés?

Je suis moi-même peintre, alors qu’à l’origine Shinkai c’est un réalisateur. Donc il ne tient pas juste au visuel, il tient beaucoup à la mise en scène, à l’utilisation du temps, donc c’est ça que j’ai appris grâce à lui.

Après Une aube nouvelle, qu’elles sont les histoires que vous aimeriez raconter en tant que réalisateur ?

J’ai déjà quelques idées. Quand j’ai réalisé Une aube nouvelle, ça a pris au moins dix ans, donc j’avais toujours l’impression d’être rattrapé par le temps. Et maintenant mon prochain film, je veux le réaliser en pensant au monde dans cinq ou dix ans.
Jusqu’à maintenant je faisais une sorte de test, d’expérimentation, mais j’espère que ça va être un peu plus complet ou un peu plus achevé.

Interview réalisée lors du festival d’Annecy 2026.
Traduit du japonais par une traductrice présente lors de l’interview. Merci à elle, à Games of com et Yoshitoshi Shinomiya.

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Synopsis

Une maison en apparence ordinaire, au coeur de Tokyo…
C’est dans la résidence Nile que cohabitent des personnages emblématiques de l’Histoire revenus à la vie.
Le nouveau colocataire a tout pour faire fondre le coeur de Marie-Antoinette, jusqu’à ce qu’elle découvre son passé !
L’amour est-il possible entre eux, malgré leurs valeurs diamétralement opposées ?

Mon avis

Sharehouse Nile propose un récit original, un savant mélange d’histoire, de romance et de slice of life. Et gros bonus, une série en seulement 4 tomes.

Histoire et modernité

Le récit se construit sur un concept très original, des personnages historiques dans notre monde actuel. Il est alors intéressant de voir comment ces figures emblématiques vont s’adapter à une société bien loin de celle dans laquelle ils ont vécu.
Jeanne d’Arc, Marie-Antoinette, Ernesto Che Guevara ou encore Takeru Yama, Sharehouse Nile nous fait découvrir ou redécouvrir des personnages historiques du monde entier.
C’est donc l’occasion de redécouvrir ces figures historiques sous un angle totalement décalé.

Un duo que tout oppose

Si tous les personnages sont bien écrits et impactants, le duo principal est pour une fois -en mon sens- à la hauteur des exigences. On a deux personnages qui se démarquent par leur présence et leur caractère.

D’un côté Marie-Antoinette, habituée à la cour royale, notre reine capricieuse se retrouve bien perdue dans un monde où elle devra travailler et s’adapter au « petit peuple ». En face, Ernesto Che Guevara, le révolutionnaire, présenté ici sous des traits charismatiques et charmeurs. Si tout les oppose, ça ne les empêchera pas de s’entraider et de peut-être tomber sous le charme l’un de l’autre.
Les deux personnages sont attachants et on espère fortement qu’ils finissent par se trouver.

Une lecture détente

Un concept original, un graphisme beau et élégant, et surtout une lecture agréable. C’est là la grande force de Sharehouse Nile : proposer un véritable moment de détente à ses lecteurs. On passe un bon moment pendant la lecture, avec un récit léger et drôle, sans pour autant mettre l’intrigue de côté.

Le manga joue beaucoup sur le décalage entre ces personnages historiques et notre époque, ce qui donne lieu à des situations amusantes et permet de découvrir chaque personnage sous un autre jour. La romance apporte quant à elle un fil rouge qui donne envie de voir comment la relation entre Marie-Antoinette et Che Guevara va évoluer.

De quoi se divertir sans perte… enfin prise de tête.

Sharehouse Nile est vraiment un de mes coups de cœurs de cette année. Le manga propose une histoire originale avec des personnages intéressants et une rom-com qui promet d’être efficace. Tout du moins je l’espère. Donc affaire à suivre dans le tome 3 qui sort le 19 août.

Ma note 18,5/20

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Une occasion rare en Europe

Si on a déjà pu rencontrer Taz Skylar, Sanji dans le One Piece Live action de Netflix, la convention espagnole offre une grande première en Europe, la venue exceptionnelle d’Iñaki Godoy !
Mais l’annonce ne s’arrête pas là, notre Luffy sera accompagné de sa Nami, Emily Rudd.
Et que serait Nami sans Sanji ? La SDCCM, a également annoncé il y a quelques jours la présence de Taz Skylar.

Il s’agit d’une première en Europe de voir ce casting réuni. Et il reste encore un peu de temps avant la convention donc nous ne sommes pas à l’abri d’autres annonces concernant le live action.

Ils seront présents pour des dédicaces, photographies et conférences le vendredi 2 octobre.

Des invités de choix

La SDCCM, n’est bien sûr pas seulement centrée sur le live action One Piece. Et comme l’année précédente, elle propose un large panel d’invités.
Que vous soyez cinéphile, amateur de mangas, de comics, ou d’artiste, il y a forcément un invité pour vous.
Voici une liste non exhaustive des personnalités présentes:
Karl Urban (acteur), Michael Rooker (acteur), Sean Astin (acteur), Sean Gun (acteur), Shinichiro Watanabe (réalisateur), Yōichi Takahashi (mangaka), Jorge Jimenez ( artiste Comics), John Romita Jr. (artiste comics) …

C’est l’occasion de rencontrer des invités d’exception qui viennent difficilement en France.

Info pratique

• Où ? FYCMA – Palacio de Ferias y Congresos de Málaga – Av. de José Ortega y Gasset, 201 – Málaga, España
• Quand ? Du 1er au 4 octobre 2026
• Billeterie

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On connaît tous des histoires fictives où le personnage secondaire est plus apprécié que le héros lui-même. La plupart des réalisateurs l’ont compris et ont offert au public des aventures prolongeant leur univers, pour le plus bonheur des petits et des grands !
Je vous propose ma sélection sur ce sujet !

Mon TOP 3

Les Minions (de Moi, moche et méchant)

Ils sont drôles, attachants, font des bêtises mais toujours adorables.
Dès leur première apparition, les Minions ont intrigué le monde entier. Issus d’une production du studio Illumination, ils ont pris de plus en plus de place jusqu’à envahir les scènes d’introduction ou de générique. (Dédicace à Bob qui est trop cute, et en plus l’un des très rares personnages qui a les mêmes yeux que moi)
Les réalisateurs ont offert de nombreux courts-métrages (17 au total) ainsi qu’un troisième film pour cette année 2026. Ce dernier est d’ailleurs, pour moi, le meilleur de la saga (Des Minions et des Monstres). Je le considère comme une réussite, remplis de références à d’autres films cultes et de scènes humoristiques. J’ai passé un super moment tout au long du film. (j’ai eu le plaisir de le revoir)

Skendolero vous partage son avis dans cette vidéo :

Peter Jackson a fait même clin d’œil dans son film Mortal Engine :

Le Chat Potté (de Shrek)

Le Chat Potté a marqué avec son énergie et sa drôle de dégaine dès son arrivée dans le second volet de Shrek. J’ai préféré le deuxième sa propre saga plutôt que le premier, il apporte une histoire plus poussée et téméraire. Il a été une agréable surprise pour moi.

Je parle de mon avis plus en détail dans un podcast au format court par 22_ciné_street

Cruella (des 101 dalmatiens)

Emma Stone incarne à la perfection le rôle de Cruella. Je n’aime pas spécialement les films Live de Disney, cependant celui-là fait partis des exceptions. Il est puissant, il y a de l’action, on y découvre un autre point de vue de façon intéressante. Je le conseille !

Quelques mentions spéciales qui méritent également d’être partagés :

Mention spécial

Le Roi Lion 3

Fast et Furious : Hobbs & Shaw

Les Pingouins de Madagascar (Madagascar)

Le Monde de Dory (Le Monde de Nemo)

Scrat (la série) (L’Âge de Glace)

Deux coups de en bonus (courts-métrage)

Burn-E (Wall-E)

Babysitting Jack Jack (Les Indestructibles)

Ceux qui le mériteraient

Personnellement, le premier personnage auquel j’ai pensé c’est Sam Gamegie, de la célèbre saga Seigneur des Anneaux, des livres de Tolkien. Je pensais à une série pour lui soit sur son passé ou plus tard.
On m’a soufflé à l’oreillette quelques avis de fans, pourquoi pas une histoire sur Aragorn ou Gandalf ? Puis d’un tout autre univers, Harry Potter, plusieurs générations ont grandi avec les personnages. Une jeune fan m’a partagé son envie qu’une série sur la vie d’Hagrid voit le jour !

L’avis de Ben en parle également ! :

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Les fans présents sur place comme ceux connectés à la retransmission ont assisté à une soirée qui redessine l’avenir du jeu de rôle le plus influent du monde. Ceux qui veulent suivre les prochaines étapes pourront se tourner vers D&D Beyond ou explorer les annonces via Wizards of the Coast.

L’univers Infinis

World of Warcraft ouvre le bal !

Tout commence avec Univers Infinis, une nouvelle bannière qui ouvre D&D à des mondes que les joueurs connaissent par cœur. Le premier à franchir la porte est World of Warcraft, qui revient sur table pour la première fois depuis vingt ans.

Le supplément D&D: World of Warcraft, prévu pour le 17 novembre 2026, invite les joueurs à recréer leur héros d’Azeroth ou à en inventer un nouveau, à explorer les zones emblématiques, à s’aventurer dans des donjons familiers, à affronter des ennemis qui ont marqué deux décennies de jeu vidéo. L’idée est simple : « lancer les dés pour Azeroth », et faire vivre l’esprit de Warcraft dans une campagne D&D. Le pack Citadelle de la Couronne de Glace permettra même de revivre l’un des raids les plus mythiques, avec une progression du niveau 16 au niveau 20 et une douzaine de boss qui attendent les groupes les plus téméraires.

Star Wars rejoint la fête

Puis, la salle s’est plongée dans l’obscurité. Une respiration mécanique. Une silhouette noire. Dark Vador est apparu sur scène pour annoncer ce que les fans attendaient depuis des années : Star Wars arrive dans Dungeons & Dragons en 2027.

Aucun détail, juste une promesse. Et parfois, une promesse suffit à faire trembler une salle entière.

Le retour de Dark Sun

Mais cette soirée n’était pas seulement tournée vers les nouveaux horizons. Wizards of the Coast a aussi ramené des mondes fondateurs.

Dark Sun revient en 2027, toujours aussi brutal, toujours aussi impitoyable, avec une Saison de la Survie qui replongera les joueurs dans Athas, ses rois‑sorciers tyranniques et ses terres ensanglantées.

Icons : un nouveau programme créatif dirigé par des grandes figures de D&D

Dragonlance revient également, porté par ses créateurs originaux Margaret Weis et Tracy Hickman, qui travaillent ensemble pour la première fois depuis plus de vingt ans sur un ouvrage présenté comme le plus ambitieux jamais consacré à cet univers. Greyhawk fait son retour avec La Couronne de la Reine‑Sorcière, une aventure où Drelnza, fille d’Iggwilv, revient réclamer son héritage dans le monde où tout a commencé.

Cette renaissance des univers fondateurs s’inscrit dans D&D Icons, un programme créatif dirigé par Joe Manganiello, qui réunit autour de la table des figures légendaires comme Weis, Hickman ou Luke Gygax. Icons devient un espace où les créateurs historiques reprennent les rênes, où les visions originelles se prolongent, où les mondes fondateurs retrouvent leur souffle. RA Salvatore y ramène même Drizzt Do’Urden, le Drow le plus célèbre des Royaumes Oubliés.

Warlock: Dungeons & Dragons – Tasha entre en scène

La soirée a également dévoilé Warlock: Dungeons & Dragons, un jeu vidéo d’action‑aventure en monde ouvert, porté par Maggie Robertson dans le rôle de Tasha et Tricia Helfer dans celui de Kaatri. Une aventure dark fantasy développée par Invoke Studios, dont les premières images seront révélées à la gamescom le 25 août.

Enfin, Wizards a présenté une nouvelle génération d’outils numériques pour D&D Beyond, avec une fonctionnalité de recherche de groupe, un partenariat avec StartPlaying pour trouver des Maîtres du Donjon professionnels, et une nouvelle application mobile pensée pour rendre D&D plus accessible en présentiel. Une manière de rappeler que le jeu de rôle n’est pas seulement une histoire de livres : c’est une histoire de tables, de rencontres, de communautés.

GenCon 2026 devient ainsi un tournant. D&D ouvre ses portes à Azeroth, à la galaxie Star Wars, à ses propres mondes fondateurs, à de nouveaux outils, à de nouvelles façons de jouer. Une feuille de route immense, qui s’étend jusqu’en 2027 et 2028, et qui promet la plus vaste gamme de produits de l’histoire de la marque.

Une nouvelle ère commence. Et elle s’annonce infinie.

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Synopsis

Juillet 1988. L’utilisation d’une nouvelle arme de destruction massive dans la région du Kantō, au Japon, déclenche la Troisième Guerre mondiale.

2019, trente et un ans plus tard. Alors que les préparatifs des Jeux olympiques de l’année suivante ravivent le souvenir de la grandeur passée de Néo-Tokyo, mégalopole bâtie sur la baie de Tokyo, Kaneda, chef d’un gang de bōsōzoku justiciers, sillonne à moto les rues dévastées de la ville et sème le chaos. Une nuit, Tetsuo, membre du gang, croise la route d’un étrange garçon lié à un programme expérimental du gouvernement. Sous les yeux médusés de Kaneda et de sa bande, Tetsuo et le mystérieux garçon sont emmenés dans un laboratoire militaire.

Déterminé à sauver son ami, Kaneda s’infiltre dans l’installation, où il découvre que
Tetsuo a développé des pouvoirs surnaturels. Pendant ce temps, l’un des enfants du
laboratoire prédit le réveil d’Akira, le secret le mieux gardé du gouvernement. En
quête de réponses sur ses nouveaux pouvoirs, Tetsuo descend dans les profondeurs de Néo-Tokyo, où Akira est endormi depuis des années.

Une œuvre mythique de l’animation japonaise et de la pop culture

Avant d’être un classique de l’animation, Akira, c’est un manga de Katsuhiro Otomo publié à partir de 1982 au Japon. Alors que son œuvre était encore en cours de publication, le mangaka a lui-même entrepris de l’adapter au cinéma. Il adapta alors son univers monumental en un long métrage devenu aujourd’hui une référence de la pop culture.

Depuis sa sortie en 1988, AKIRA n’a cessé d’influencer le cinéma, l’animation, la musique et le jeu vidéo. Le célèbre dérapage de Kaneda sur sa moto rouge est devenu une des images emblématiques du cinéma, reprise dans des œuvres telles que Batman: The Animated Series, Teenage Mutant Ninja Turtles, Pokémon ou encore Ready Player One.
Avec son esthétique, Akira a aussi contribué à définir l’esthétisme du cyberpunk : villes baignées de néons, tensions sociales, jeunesse en révolte, militarisation, transformations du corps et technologies devenues incontrôlables.

En France, le manga et le film ont été l’une des principales portes d’entrée vers l’animation japonaise plus adulte.

Une nouvelle manière de découvrir Akira

De plus en plus, de films d’animation sont restaurés en 4K, je pense notamment à Princesse Monoké l’année dernière. Une manière d’offrir une nouvelle cible à ses films et de leur rendre hommage.

C’est plus de trente-cinq ans après sa sortie, qu’ AKIRA est restauré en 4K avec un visionnage en IMAX. Produit à une échelle exceptionnelle pour son époque, AKIRA a été animé à 24 images par seconde et rassemble plus de 150 000 dessins réalisés à la main.

Le format IMAX est l’occasion de redécouvrir la densité de Néo-Tokyo et tous les détails de l’animation. Une véritable plongée dans ses paysages urbains et l’univers de l’œuvre mythique.

Cette restauration invite une nouvelle génération de spectateurs à découvrir Néo-Tokyo dans des conditions exceptionnelles. C’est aussi l’occasion pour les fans de longue date de redécouvrir cette œuvre culte comme ils ne l’ont encore jamais vue. Donc rendez-vous en salle le 9 septembre !

Copyright: Based on the graphic novel “AKIRA” by Katsuhiro Otomo. First published by “Young
Magazine”, Kodansha Ltd. ©1988 MASH・ROOM / AKIRA COMMITTEE All Rights Reserved.

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Un TCG pensé pour les fans… mais pas seulement

Contrairement à de nombreux jeux de cartes, le TCG Dreamland mise sur une volonté simple : être facile à apprendre tout en offrant suffisamment de profondeur pour satisfaire les joueurs compétitifs.
L’objectif est clair : permettre aux lecteurs de Dreamland de retrouver leurs personnages préférés sans avoir à maîtriser des dizaines de mécaniques complexes, tout en donnant envie aux joueurs de TCG de découvrir l’univers imaginé par Reno Lemaire.

Une histoire originale : le Tournoi des Souvenirs

Le premier set, Fracture des Songes, ne se contente pas de reprendre les événements du manga.
Les joueurs prennent part au Tournoi des Souvenirs, présenté comme la plus grande compétition de Dreamland. Mais derrière ces combats se cache un mystérieux pouvoir capable de se nourrir des souvenirs des participants.
Cette intrigue originale sert de toile de fond au jeu et permet de développer un scénario inédit tout en restant fidèle à l’univers de Dreamland.

Un système de jeu basé sur les personnages et les combos

Le cœur du gameplay repose sur plusieurs types de cartes.

Les Personnages (Persos) constituent votre équipe et représentent les célèbres voyageurs comme Terrence ou Maniac ou certaines créatures de Dreamland.
À leurs côtés, les Kicks servent à lancer des attaques et à renforcer vos combattants pendant les affrontements, tandis que les cartes Soutien apportent des bonus, améliorations ou effets tactiques.
Chaque personnage possède également son propre Combo, une capacité spéciale permettant de renverser une partie lorsqu’elle est utilisée au bon moment. Le jeu récompense ainsi la synergie entre les cartes plutôt que la simple puissance brute.

Comment remporter une partie ?

Le déroulement d’un affrontement se veut particulièrement fluide.

Une partie suit quatre grandes étapes :

• poser ses personnages et préparer sa stratégie ;
• utiliser ses Kicks pendant les combats ;
• déclencher les Combos afin d’augmenter sa puissance ;
• vaincre les personnages adverses pour accumuler de la Renommée, la condition de victoire du jeu.

Cette mécanique permet des parties dynamiques où les retournements de situation semblent fréquents.

Déjà plus de 200 cartes à collectionner

Pour son lancement, Dreamland TCG proposera plus de 200 cartes réparties dans la première saison Fracture des Songes.

On retrouvera différents niveaux de rareté, avec une nomenclature volontairement décalée, fidèle à l’humour de la licence :

• Banale
• Peu banale
• Kibrill’
• Dream
• Crazy

Un choix qui s’éloigne volontairement des traditionnelles « Commune », « Rare » ou « Ultra Rare », renforçant l’identité propre du jeu. Et encore de base les noms devaient être plus piquants !

Que contient un booster ?

Chaque booster renfermera 10 cartes, réparties de la manière suivante :

• 1 Welcome Card ( il y’en a 6 différentes pour cette saison);
• 4 cartes Banales ;
• 3 cartes Peu Banales ;
• 1 carte Kibrill’ ;
• 1 carte aléatoire pouvant être d’une rareté supérieure.

Une composition pensée pour offrir un bon équilibre entre jeu et collection.

Une identité 100 % Dreamland

L’un des principaux atouts du jeu est son identité visuelle.

Loin d’être une simple adaptation, le TCG Dreamland reprend l’humour, les références et le ton qui ont fait le succès du manga. Même les noms des raretés ou la présentation des cartes affichent cette personnalité décalée qui caractérise l’œuvre de Reno Lemaire.

L’ensemble donne l’impression d’un projet conçu avant tout par des passionnés de la licence.

Une sortie prévue en septembre

Les précommandes sont ouvertes depuis le 27 juillet sur le site de Ketteiart et d’autres partenaires, tandis que la sortie officielle du premier set est programmée pour le 11 septembre. Vous pourrez également retrouvez divers accessoires pour compléter l’expériences de jeu : sleeves, playmat, binder… tout a été pensé pour immergé le joueurs dans l’univers fantastique de Dreamland.

En attendant la sortie officielle, le site dévoile progressivement les cartes de la première extension, tandis que le serveur Discord permet de suivre les annonces, découvrir les nouveautés et échanger avec les futurs joueurs.

Un nouveau challenger sur la scène des TCG ?

Le marché des jeux de cartes à collectionner n’a jamais été aussi dynamique, mais Dreamland TCG possède plusieurs arguments pour se démarquer : une licence française déjà bien installée, un gameplay pensé pour être accessible sans sacrifier la stratégie, une forte identité artistique et un véritable soin apporté à la collection.

Reste désormais à voir si Fracture des Songes réussira à transformer l’essai une fois les premières cartes entre les mains des joueurs. Une chose est sûre : les voyageurs de Dreamland s’apprêtent à vivre une toute nouvelle aventure… cette fois-ci autour d’une table de jeu.

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Lorsque Gosling apparaît sur scène, l’ovation est immédiate. À 45 ans, l’acteur trois fois nommé aux Oscars rejoint enfin le MCU dans un rôle qu’il dit convoiter depuis longtemps.

Ghost Rider n’est pas un personnage anodin : il porte avec lui une mythologie de flammes, de vengeance et de solitude, immortalisée autrefois par Nicolas Cage. Le voir confié à Gosling, c’est imaginer une version plus sombre, plus intérieure, plus viscérale. Shawn Levy, qui le dirige déjà sur Starfighter et qui a signé Deadpool & Wolverine, parle de lui avec une admiration presque fraternelle. « Gosling est l’absolu », lâche‑t‑il devant un public en transe, promettant un film pour 2028 qui semble déjà destiné à devenir un événement.

Mais Marvel n’avait pas terminé. Quelques instants plus tard, c’est David Jonsson qui monte sur scène, accueilli par des chants « Wakanda » qui résonnent comme un hommage.

À 32 ans, l’acteur révélé dans Alien: Romulus devient la version adulte du fils de T’Challa, introduit dans Black Panther: Wakanda Forever. Un passage de relais chargé d’émotion, tant l’ombre de Chadwick Boseman continue de veiller sur la saga. Jonsson ne remplace pas Boseman : il prolonge son héritage, il incarne la continuité d’un royaume qui refuse de s’éteindre.

Ryan Coogler confirme une sortie en salles le 15 décembre 2028, comme une promesse que Wakanda continuera de vivre.

La soirée aurait pu s’arrêter là, mais Comic‑Con aime les surprises. Ryan Reynolds surgit dans la foule, vêtu du costume gris X‑Force de Deadpool, comme un clin d’œil malicieux.

Il prétend s’appeler Ricky, plaisante sur son cosplay, mais l’effet est immédiat : les rumeurs repartent de plus belle. Deadpool dans Avengers: Doomsday ? Rien n’est officiel, mais Marvel sait parfaitement comment alimenter le feu sans jamais l’éteindre.

Cette édition de Comic‑Con marque un tournant. Gosling en Ghost Rider, Jonsson en Black Panther, Reynolds qui rôde dans les ombres… Le MCU prépare quelque chose de vaste, de brûlant, de nouveau. Et pour la première fois depuis longtemps, les fans ont l’impression d’assister à la naissance d’une nouvelle génération de héros.

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Synopsis

Ichiko et Kuran sont les uniques membres du « Club de recherches sur les cultures alternatives » de leur lycée.
Elles aiment tout ce qui est stylé et surtout, collectionnent avec soin les gadgets geek et kawaï… mais leur tempérament introverti ne facilite pas la communication avec leurs camarades !
Les deux gals peuvent débattre sans fin de leurs passions, n’hésitent pas à critiquer les trends qu’elles n’aiment pas et leur complicité passe avant toute chose, au-delà de la simple amitié…

Entrez dans le monde des gyarus aux côtés de ces deux lycéennes timides et follement attachantes !

Mon avis

Les titres yuri en ce moment font carton plein en nous proposant des récits originaux, et Inkya Gal Revolution ! ne fait pas exception à la règle !
Même si au premier abord, le synopsis peut sembler « plan-plan », on a un premier tome qui place le décor et ses héroïnes tout en promettant une histoire attachante. Ce rythme très posé fonctionne particulièrement bien avec l’ambiance douce du manga. Le tout porté par une patte graphique unique et très agréable.

Les marginalisés sur le devant de la scène ?

Le véritable point fort pour moi de ce manga (outre le dessin) est sa thématisation. Ichiko et Kuran sont membres du « club de recherches sur les cultures alternatives », entendez par là toute la pop-culture ou les « sous-cultures ». Un club qu’en général tout lecteur de manga aurait aimé rejoindre.
Le manga met ainsi en avant des personnages qui assument pleinement leurs passions, parfois jugées étranges ou marginales. Et c’est justement ce regard bienveillant qui rend la lecture aussi agréable.
Ce thème permet de caler plein de références et informations qui sont de beaux clins d’œil aux lecteurs. C’est aussi une manière d’en apprendre plus, notamment comme le terme « inkya » (que je vous laisse découvrir lors de votre lecture).

Romance ou amitié ?

Dans ce premier tome on assiste à de la slow romance, une relation qui oscille constamment entre une profonde amitié et les prémices d’une romance. Cependant, ce rythme reste agréable. On observe par-ci, par-là des indices qui tendent vers une future romance.

Un bémol ?

En bon slice of life qui se respecte, le manga n’a pas de gros fil conducteur. Chose qui peut être un frein pour certains. Classé comme yuri, on se doute que l’avancée principale de l’histoire sera la relation entre Ichiko et Kuran. Nous avons également, en « quête secondaire » le maintien de leur club, mais il ne faut pas s’attendre à de grands rebondissements. Il faudra attendre les prochains tomes pour voir si le récit gagne en ambition.

Inkya Gal Revolution! est le genre de manga qui donne envie de rejoindre le club de ses héroïnes. Une lecture douce, drôle et pleine de références qui célèbre toutes celles et ceux qui n’ont jamais vraiment trouvé leur place. Une très belle surprise et un immanquable à avoir dans sa mangathèque – encore plus si vous appréciez le yuri. Le manga est une bouffée d’oxygène, tant il est agréable à lire et léger.

Ma note 17,5 / 20

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