Pour commencer, est-ce que vous pouvez nous parler de votre parcours et de ce qui vous a donné envie de raconter des histoires à travers l’animation ?

Déjà pour parler de mon parcours, j’ai fait des études des Beaux-arts. Et déjà à l’époque de l’université, j’ai commencé à faire des peintures. Donc je suis devenu peintre, et c’est à l’âge de 29 ans que j’ai commencé à travailler dans le monde de l’animation. Et à 36 ans, donc en 2016, j’ai commencé à préparer ce film ( Une aube nouvelle). Jusqu’alors je réalisais que des des formats courts.

Et sinon la genèse de ce projet, c’est que quand j’étais petit, je vivais à côté de la mer et je voyais que pour étendre la terre il y’avait des travaux et du coup la mer commençait à disparaître. C’est un souvenir qui me restait. Et un jour, mon enfant, m’a dit qu’il a vu la mer dans la montagne en regardant des panneaux solaires. Il a cru que c’était la mer à cause du reflet du soleil, comme ça brillait.
J’ai donc trouvé que c’était très intéressant de parler des deux, c’est à dire de la mer qui a disparu pendant mon enfance et la « mer » que mon enfant a vu dans la montagne. Et c’est comme ça que j’ai eu l’idée de faire ce film.

Dans Une aube nouvelle, la tradition et les feux d’artifices occupent une place centrale. C’est un sujet rarement exploré dans l’animation, alors qu’ils ont une place particulière dans la culture japonaise. Pourquoi avoir choisi de raconter cette histoire à travers cet élément?

C’est vrai que j’ai raconté cette histoire dans un film d’animation, mais avant tout je suis peintre. C’est vrai que j’ai regardé des animés étant petit, mais voilà c’était la narration, c’était cette histoire qui me paraissait importante. Pas vraiment le fait que ce soit de l’animation. C’était pas ce qui comptait pour moi. C’est raconter cette histoire là qui était important.

Le film est imprégné d’une forte impression de temps fragmenté, comme si la mémoire et le présent co-existaient. Quelle était votre intention derrière cette approche narrative du temps?

C’est un film de long-métrage, mais qui dure que 76 minutes, donc finalement c’est un film de long-métrage relativement court. À cause de ce format, j’ai dû vraiment mettre le maximum d’informations. Du coup, j’étais un peu obligé de mettre les scènes de mémoires, de souvenirs, puisque quatre années se déroulent pendant le film. En plus je voulais transmettre toutes les émotions possibles donc oui j’ai du mélanger plusieurs temps.

On retrouve un trio composé d’une ville et de deux garçons, une configuration qui existait déjà dans votre clip Heroes of the old forest. Est-ce que ce projet contenait déjà les première graines d’Une aube nouvelle?

En réalité, à l’époque où ce clip de musique est sorti, je travaillais déjà sur ce film. Et merci finalement à ce clip qui est sorti plus tôt que le film. Donc j’avais déjà l’idée de l’histoire et du coup le clip est un peu une sorte d’expérimentation.

Cette dynamique de trio est aussi très présente dans la pop culture japonaise, notamment dans les shonen. Est-ce que c’est une structure narrative qui vous influence ou c’est plutôt une coïncidence liée à votre manière de créer vos personnages ?

Au début au faite, je voulais raconter une histoire avec beaucoup plus de personnages, avec un groupe. Mais comme c’est mon tout premier film, je me suis dit qu’il fallait limiter et donc finalement je suis arrivé à trois.

Un passage qui peut en étonner plus d’un, l’insert du live-action et du stop-motion dans ce film. Personnellement, je suis une très grande fan de ce mix de techniques. Qu’est-ce qu’il lui a donné l’envie de mélanger ces techniques à l’animation?

Déjà quand je réalisais des formats courts, je mélangeais des techniques. Très souvent je mélangeais l’animation et la prise de vue réelle.
Et j’adore mélangé les genre. Par exemple quelque chose d’artistique et de commercial. Et en réalité, l’animation 2D, il y’a plus de choses fausses en 2D, car tout est dessiné, imaginaire, et donc quand il y’a des images réelles d’insérées, il y’a vraiment un décalage. Et j’adore ce décalage.

Vous avez travaillé avec de nombreux autres réalisateurs, notamment avec Makoto Shinkai. Qu’est ce que cette collaboration vous a apportés?

Je suis moi-même peintre, alors qu’à l’origine Shinkai c’est un réalisateur. Donc il ne tient pas juste au visuel, il tient beaucoup à la mise en scène, à l’utilisation du temps, donc c’est ça que j’ai appris grâce à lui.

Après Une aube nouvelle, qu’elles sont les histoires que vous aimeriez raconter en tant que réalisateur ?

J’ai déjà quelques idées. Quand j’ai réalisé Une aube nouvelle, ça a pris au moins dix ans, donc j’avais toujours l’impression d’être rattrapé par le temps. Et maintenant mon prochain film, je veux le réaliser en pensant au monde dans cinq ou dix ans.
Jusqu’à maintenant je faisais une sorte de test, d’expérimentation, mais j’espère que ça va être un peu plus complet ou un peu plus achevé.

Interview réalisée lors du festival d’Annecy 2026.
Traduit du japonais par une traductrice présente lors de l’interview. Merci à elle, à Games of com et Yoshitoshi Shinomiya.

L’article Interview avec Yoshitoshi Shinomiya le réalisateur d’Une Aube Nouvelle est apparu en premier sur Kazoku.

Retour sur notre échange !

Peux-tu te présenter pour nos lecteurs ?

Je m’appelle Sanit Klamchanuan. Je suis né en Thaïlande, et je vis maintenant en Nouvelle-Zélande, à Wellington. Et je travaille pour Weta Workshop (connus pour avoir réalisé les effets spéciaux sur la trilogie Le Seigneur des Anneaux) dans le département des costumes, et je fais évidemment du cosplay comme passe-temps.

Si je ne me trompe pas, vous êtes passé du cosplay au travail en studio de production. Quel était votre premier cosplay ?

Mon premier cosplay, c’était… Alors je travaillais dans le retail, et nous avions une fête de Noël. Le thème c’était les héros. Alors j’ai réalisé un costume du juge Dredd avec du ruban adhésif et du papier mâché. C’était mon premier en 2012.

Comment êtes-vous passé de cosplayeur à designer de props et de costume ?

Je vis à Wellington, donc ça, ça a beaucoup aidé, parce que je vis dans la région de Weta Workshop. J’ai fait un costume d’Halo, comme un Thai Halo Spartan, que j’ai porté à Armageddon. Notre plus grande convention en Nouvelle-Zélande. Et j’y ai rencontré par hasard des gens qui travaillaient à Weta Workshop. À l’époque, ils étaient occupés à faire un film appelé Spectral. Et ils m’ont demandé : « Serais-tu disponible pour venir pendant quatre jours pour nous aider ? » Alors j’ai pris quatre jours de congé, et maintenant, je suis ici depuis dix ans. Je ne suis pas parti depuis. Donc c’est assez cool.

Quel a été votre plus grand challenge ? Au travail ou dans le cosplay?

Au travail ou dans le cosplay ? Pour ce qui est du travail, c’est assez évident. Je dis toujours Power Rangers. Je suis aussi fan du film, donc la plus grande pression pour moi est de m’assurer de faire plaisir aux fans. Parce qu’on le fait pour eux, je le fais pour moi, et évidemment, nous voulons nous assurer de faire le meilleur travail possible. L’atelier Weta est connu pour être très précis. Si nous fabriquons un costume, il faut s’assurer de donner l’impression qu’il a vécu, qu’il n’est pas tout neuf. Et quand pour ça, on s’assure qu’il y a de la poussière sur la manche, de la poussière sur les genoux. Qu’ il y a du sang, enfin, pas forcément du sang. Mais il y a aussi des marques de boue ou des rayures. Donc nous voulons nous assurer que le costume ait l’air d’avoir été utilisé pendant des centaines d’années, pas seulement fabriqué il y a deux semaines. Nous sommes connus pour ça. Évidemment, nous avons un département des accessoires et des épées absolument incroyable. En tant que membres de Weta Workshop, nous avons une certaine réputation… Le Seigneur des Anneaux a été un projet majeur, et les fans ont des attentes quant à notre travail. Nous veillons à ne pas nous décevoir, et surtout, à ne pas décevoir les fans. C’est le plus difficile, je crois.

Quelle création vous à le plus marqué ?

Si j’en ai deux c’est okay ?
Évidemment, en grandissant dans les années 90, je regardais les Power Rangers après l’école. Je rentrais en courant après les cours pour pouvoir allumer la télé et regarder les Power Rangers. Et quand j’ai eu l’opportunité de travailler sur le reboot de 2017, c’était mon premier boulot au département des costumes, et ils m’ont confié le costume du Ranger Rouge. C’est grâce à lui que j’aime le rouge. Travailler sur ce costume, c’était quelque chose que j’ai adoré et qui m’a aussi beaucoup angoissé. Le second, ça serait Mulan. On a travaillé sur le film Mulan de Disney en prises de vues réelles, et j’ai pu… Je suis aussi d’origine chinoise, alors voir un film asiatique sur grand écran, travailler sur les armures et les armes, c’était génial. Et moi aussi, j’étais figurant dans le film, alors je suis allé à Queenstown pendant six semaines et j’ai joué le rôle d’un soldat pendant six semaines. C’était une expérience incroyable que je revivrai probablement.

Pour quel film ou licence vous aimeriez travailler?

Oh, il y’en a tellement !
Vous savez, j’ai la chance de pouvoir cocher pas mal de franchises que j’ai toujours adorées. Il y en a quelques-unes qui ne sont pas encore sorties. Malheureusement, je ne peux pas en parler, mais évidemment, travailler sur Star Wars serait génial. Travailler sur DC aussi… J’étais un grand fan de DC Comics quand j’étais petit. Ce serait vraiment cool de travailler avec certains de ces gars-là. Mais honnêtement, ce serait vraiment génial de travailler sur un projet original. Vous savez, il n’y a pas beaucoup de films originaux en ce moment. Ce serait bien d’avoir quelque chose d’original, d’avoir la liberté de construire un univers à nouveau. J’envie tellement les gars qui étaient là pendant Le Seigneur des Anneaux. Ils ont eu la chance de passer sept ans à faire ces films. Je veux vivre cette expérience et pouvoir travailler sur une série de films dont nous serions propriétaires, que nous pourrions concevoir et réaliser de A à Z. Je pense que pour moi, ce serait un rêve de pouvoir tout faire. Ce serait vraiment génial.

Quel est votre héros préféré chez DC Comics ?

DC ? Euh, Superman. Euh, Superman, je… Je… Pardon. Superman est le premier film que j’ai vu de ma vie… J’avais quatre ou cinq ans, et ma tante m’emmenait au cinéma. Le premier film que j’ai vu était Superman. Et puis, en rentrant à la maison ce jour-là, ma mère est coiffeuse, alors j’ai pris un petit fer à friser et j’ai essayé de me faire une petite boucle sur le devant.
J’ai eu la cape pour aller avec la coiffure, je l’ai mise autour du cou, j’ai dessiné un S sur mon t-shirt blanc. Je me suis fait gronder pour ça. Du coup, Superman est vraiment mon héros DC préféré de tous les temps.

Est-ce que vous auriez aimé travailler sur le film Superman de James Gunn ?

Oh, j’adorerais travailler sur n’importe quel film, tu sais. Mais pour moi, c’est un peu… c’est un travail, mais c’est aussi une passion, tu vois ?
C’est parfois difficile de séparer travail et passion. Je veux dire, évidemment, pour le travail… j’aimerais travailler sur n’importe quoi, mais en matière de passion, j’adorerais travailler sur un costume de Superman. Ce serait comme boucler la boucle. Pareil pour les Power Rangers, c’était la boucle bouclée aussi. Quand j’ai décroché le poste, mon moi de neuf ans était en train de crier : « Ouais, enfin ! »
Si je travaillais sur Superman, le petit moi de quatre ans serait aux anges.

C’est votre première fois en France, qu’est-ce qui vous marque le plus ici ?

Ce sont toujours les gens. Quand on vient dans ce genre d’endroits, on a envie d’un échange culturel. On vient ici pour s’immerger dans la culture, pas vrai ? Évidemment, j’adore la nourriture, alors… Je dois d’abord m’immerger dans la cuisine française.
J’essaie aussi de passer le plus de temps possible avec les cosplayeurs français. Ils m’ont invité à dîner, il y a deux soirs. C’est vraiment sympa de discuter avec eux et de voir comment ils abordent le cosplay. Tu sais, chaque pays, chaque continent, a sa propre approche du cosplay. C’est donc vraiment cool de parler avec les Français et de voir comment ils fonctionnent. Qu’est-ce qu’ils regardent en premier quand ils commencent un costume, et quel genre de matériaux ils utilisent ? Parce que chaque pays a ses propres matériaux. C’est vraiment bien de pouvoir parler boulot et passion, et vous savez… Vous êtes connus pour votre passion, les Français, n’est-ce pas ? C’est donc vraiment chouette de voir à quel point ces personnes là sont passionnés, et qu’ils aiment manifestement défendre leurs idées sans se disputer. C’est donc agréable d’avoir ce genre de conversation.

Arrivez-vous toujours à faire du cosplay, malgré que ça s’apparente à votre métier ?

Quand je travaille pour Weta, je me dis: « Ce ne sera pas mon travail. » Évidemment, Wizard est mon travail, mais je vais m’assurer de continuer à créer mes propres choses aussi, vous savez, parce que…
Si je fais des costumes mon seul travail, je vais m’en lasser. Pour moi, je suis dans un endroit incroyable. Je peux apprendre tellement de choses différentes, n’est-ce pas ? Alors, je considère Weta Workshop comme une école, en quelque sorte. J’y vais tous les jours pour apprendre de nouvelles techniques, et ensuite je les applique à mes costumes une fois rentré chez moi. Et puis, si je peux partager certaines de ces techniques avec le monde entier, je partagerai aussi celles que j’ai apprises sur ces films.

Du coup, je ne m’épuise jamais parce que je suis toujours enthousiaste. « OK, quelles nouvelles compétences vais-je apprendre aujourd’hui ? » Une fois que j’ai appris quelque chose, je peux l’utiliser pour mon costume. « Oh, c’est génial ! J’ai appris ça dans ce film. » C’est vraiment bien.

Un projet cosplay à venir ?

En projet à venir ? Eh bien, pour tous les cosplayers, on a une liste qui est tellement longue, vous savez ?
À chaque fois que je regarde un film, je me dis : « Mmm, j’adorerais faire ça. Mmm, ça a l’air cool. J’aimerais bien essayer. » Du coup, je me dis, pas pour le moment, mais il y a quelques trucs que j’aimerais bien essayer. Et les gens me disent : « Oh, tu devrais faire ça, tu devrais faire ça. » Et puis, récemment, Mortal Kombat est revenu plusieurs fois sur le tapis, on m’a dit que je devrais créer un personnage de Mortal Kombat. Mais bon, on verra. Je pense que mon objectif principal pour l’instant, c’est de créer mes propres personnages, et je m’inspire un peu plus de la culture thaïlandaise. Je rêve de faire une petite web-série.

J’aimerais faire une histoire thaïlandaise que j’adorerais adapter et mettre en scène.
Pour moi, c’est important de travailler sur mes propres projets. Je veux dire, c’est amusant de faire du cosplay, mais j’ai toujours envie de créer mes propres choses, de m’exprimer, et le meilleur moyen d’y parvenir, c’est de me plonger dans ma culture.

Peut-être un film, un jour ?

Oh oui, on verra. On verra. On commencera petit.
On fera une petite websérie de cinq minutes, et on développera le projet à partir de là.

Un cosplay de superman un jour ?

Je l’ai déjà cosplayé !
L’année dernière à Fantasy Basel ! Grâce aux gars de Parallel Life Studios, ceux qui font de la sérigraphie pour des costumes de super-héros… des costumes pour les cosplayers (note: ils ont également fait des costumes pour des productions cinématographiques). J’ai discuté avec eux en ligne, et comme je suis venu à Fantasy Basel, je les y ai rencontré. Lors de nos échanges je leur avait dit: « Si vous avez le costume de Superman, j’adorerais l’essayer ». Superman est mon super héros préféré, et quand je suis arrivé, ils étaient en train de me mettre un costume.

J’ai porté ce costume toute la journée, et apparemment, on m’a dit que j’avais un sourire jusqu’aux oreilles. Impossible de me faire perdre ce sourire. J’étais tellement content !
C’était comme si, j’étais redevenu un petit garçon de quatre ans. Je me disais : « Oh, c’est trop cool ! C’est génial ! Je ne veux pas l’enlever. Je veux l’emporter à la maison ! ». C’était vraiment génial.

Interview réalisée avec Agils_world à la Japan Expo 2025, lors de la venue de Spicy Thaï en tant que guest.
Traduit de l’anglais et réajustée pour l’écrit. La vidéo de l’interview arrive bientôt !

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Quelle a été votre parcours créatifs ?

J’ai commencé à dessiner quand j’étais petite et après le lycée, j’ai étudié l’animation. C’est là que j’ai appris les bases : l’animation, le storyboard, le dessin d’après modèle vivant, etc. En parallèle, je dessinais toujours des BD, comme passe-temps, en autodidacte, en tant qu’artiste indépendant. Une fois mes études terminées, j’ai travaillé pour Webtoon. Et c’est mon travail depuis quelques années.

Quelles sont vos sources d’inspirations ?

Je lis beaucoup et, ces derniers temps, je joue beaucoup aux jeux vidéo. J’apprécie particulièrement les concept-art et la narration des jeux interactifs, qui m’inspirent aussi pour mes propres histoires. J’aime lire énormément, donc je consomme beaucoup de livres, et c’est de là que me vient mon inspiration. J’aime aussi voyager et visiter des musées, où je prends parfois des notes sur des choses intéressantes concernant l’histoire. Globalement, c’est un peu de tout ça.

Avez-vous joué à Clair Obscur ?

Oui, bien sûr. Évidemment, dès sa sortie, j’ai eu envie d’y jouer immédiatement.

L’avez-vous aimé?

Oui j’ai adoré. Je vais même au concert à Bordeaux.

Comment est venu l’idée de Morgana et OZ ?

Ça remonte à tellement longtemps, il y a huit ans je pense. J’ai dessiné ça pour la première fois. J’ai toujours aimé les sorcières et les vampires, depuis l’enfance. Je suppose que je me suis inspirée de vieux dessins que je publiais sur les réseaux sociaux et j’ai vu que ça intéressait certaines personnes. Ce n’était pas une idée précise, on va dire c’est venu tout naturellement.

Vous avez parlé de terminer Morgana et Oz sous peu, à l’épisode 110 maximum. Qu’envisagez-vous pour la suite ?

Je pense terminer ça vers l’été, et ensuite, jusqu’à la fin de l’année, je voulais dessiner des chapitres bonus sur les personnages secondaires. En parallèle, je vais développer une nouvelle histoire. Donc, d’ici la fin de l’année, je devrais connaître mon prochain projet. Je veux juste expérimenter un peu et voir ce qui pourrait plaire. J’ai plusieurs idées, mais je ne sais pas encore laquelle choisir. Je pense donc que l’année prochaine, je me déciderai pour une idée. D’ici là, je vais faire des épisodes spéciaux et des bonus.

Quel est votre personnage préféré de Morgana & Oz ?

Cette question est si méchante! Tout le monde la pose. Comme je le dis toujours, le personnage le plus facile à dessiner pour moi, c’est Morgana, parce que je l’ai dessinée tellement de fois. Mais le plus amusant, celui que je préfère, c’est peut-être Rory. C’est mon personnage préféré à dessiner, même s’il n’apparaît pas beaucoup.

Aimeriez-vous une adaptation animée pour Morgana & Oz ? Si oui par un studio en particulier?

Eh bien, il y a déjà eu quelques courts métrages d’animation avant. Comme des publicités d’une trentaine de secondes. Mais je trouve que ça serait chouette de passer par des animateurs des studio Ghibli. Ou même un film d’animation, ça serait génial. Sinon, j’aime beaucoup le travail de Kyoto Animation. Je pense qu’ils pourraient faire un excellent travail sur Morgana & Oz.

Quel est votre processus créatif ?

D’abord, je travaille généralement avec mon éditeur et on discute du contenu. On décide de l’histoire et de son déroulement. Ensuite, j’écris le scénario et mon éditeur m’aide à le corriger et à harmoniser le tout. Après le scénario, je fais le storyboard, des croquis rapides, des bonshommes bâtons en gros. Puis, je travaille sur Clip Studio Paint et je mets en place l’épisode avec des croquis plus détaillés. Ensuite, j’ajoute les décors, créés à l’aide d’un logiciel de modélisation 3D. Après cela, je fais le dessin au trait, puis je le peaufine et le soumets à mon assistant avec une couleur unie. Une fois ces éléments reçus, je m’occupe des ombres et je fais en sorte que tout s’accorde. J’aime ensuite ajouter le texte et le reste, puis exporter le tout en webtoon. Normalement, ça prend une semaine, mais en général, j’en mets deux, donc je dois gérer le temps. C’est assez long.

Un projet de rêve ?

J’adorerais essayer de travailler sur un film d’animation. Ce serait vraiment intéressant. Mais en ce qui concerne le sujet, il y a tellement de choses que j’aime. J’aimerais dessiner quelque chose que je lirais moi-même. Étant adulte, j’aimerais dessiner des histoires destinées à un public plus âgé. Je ne sais pas si j’en suis capable pour l’instant, mais ce serait un rêve de créer quelque chose pour un public plus mature, peut-être à l’avenir.

This or That

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Et comme je suis super sympas, et qu’en plus elle m’a annoncer des dingueries, je vous partage tout.

Pourquoi l’édition française est-elle si coloré?

« My usual edition has fire all over it because the books are fire themed, but the French edition here is They also went with the fire theme, but they did something a little different. I think we wanted to give the French readers something really special, something beautiful. It keeps with the themes, and if you read the book, you’ll see there are little clues in the story on the cover.

But, it the original idea was as the magic develops, as the war heats up, the colors get more intense and they get, they start to represent what’s going on in the story. So I really love seeing the different colors of each version and how each cover really reflects the secrets of what’s happening inside the story.« 

Mon édition habituelle est entièrement recouverte de flammes, car les livres ont pour thème le feu. L’édition française, quant à elle, reprend ce thème, mais avec une approche légèrement différente. Je crois que nous souhaitions offrir aux lecteurs français quelque chose de vraiment spécial, de beau. Cela reste fidèle aux thèmes, et si vous lisez le livre, vous découvrirez de petits indices sur l’histoire, disséminés sur la couverture.

L’idée originale était que, à mesure que la magie se développe, que la guerre s’intensifie, les couleurs deviennent plus vives et commencent à représenter les événements de l’histoire. J’aime donc beaucoup observer les différentes couleurs de chaque version et la façon dont chaque couverture reflète les secrets de l’intrigue.

Diem, le personnage principale, est une femme forte et indépendante. T’es tu inspiré de quelqu’un existant ou d’une personne proche?

« Diem was not inspired by any real person, but she’s a combination of, I think, myself and every woman I’ve ever known.I think she is.

I love when people describe her as strong because she is very outwardly strong, but inside she’s a mess. You know, she’s filled with doubt and guilt and second guessing herself. And, you know, she’s very emotional. And I think that many women can relate to wanting to seem strong to the world. But inside feeling very weak and broken.

And I have loved writing her journey as she realizes that it’s okay. You can be strong and still have doubt and still feel weak and broken at times, and it doesn’t take away from your strength. And I hope that every woman that reads the story sees a little bit of themselves in DM and how complicated she is. »

Diem n’est inspirée d’aucune personne réelle, mais elle est, je crois, un mélange de moi-même et de toutes les femmes que j’ai connues.

J’aime quand on la décrit comme forte, car elle l’est en apparence, mais intérieurement, c’est un vrai désastre. Elle est rongée par le doute, la culpabilité et les remises en question. Et puis, elle est très émotive. Je pense que beaucoup de femmes peuvent se reconnaître dans ce désir de paraître fortes aux yeux du monde, tout en se sentant fragiles et brisées.

J’ai adoré écrire son parcours, la voir réaliser que c’est normal. On peut être forte et avoir des doutes, se sentir faible et brisée par moments, et cela n’enlève rien à notre force. J’espère que chaque femme qui lira cette histoire se reconnaîtra un peu en Diem et comprendra sa complexité.

J’ai découverts le principe de Reading Guide sur ton instagram (Guide de Lecture). Toi tu es du genre à lire en un mois, une semaine ou une journée?

« So I created the reading guides because I love a cliffhanger. I love a shock ending, and I know as a reader that sometimes I say just one more chapter and then I get to the end of the chapter and something explodes or somebody dies. And I thought, no, I can’t stop now. And so I stay up all night long reading and, you know, then it’s 8:00 am and I need to go to work, and I haven’t slept at all.

And so the reading guide was to help people who can’t, who really can’t do that, who need to break it up into little bits. I would say with my books, I’m the type of reader that once I start, I can’t stop. I have to finish the book like in one sitting, no matter how long it is, which is a problem.

But with my books, if they’re very long, it’s very difficult to do that. I think with book one, you can do it in a sitting with book two. It’s tough. Book three. Impossible, impossible. I think a week at least. And you need emotional recovery time and with book four, which I just finished, it’s my longest book I’ve ever written. And I think people are going to need maybe a full week to process the emotional damage. »

J’ai donc créé ces guides de lecture parce que j’adore le suspense. J’aime les fins surprenantes, et je sais, en tant que lectrice, que parfois je me dis « juste un chapitre de plus », et puis j’arrive à la fin du chapitre et là, il y a une explosion ou quelqu’un qui meurt. Et je me dis : « Non, je ne peux pas m’arrêter maintenant. » Alors je passe la nuit à lire et, vous savez, il est 8 h du matin, je dois aller travailler, et je n’ai pas fermé l’œil de la nuit.

Le guide de lecture est donc là pour aider les lecteurs qui ne peuvent pas, vraiment pas, faire ça, qui ont besoin de découper leur lecture en petits morceaux. Je dirais qu’avec mes livres, je suis le genre de lectrice qui, une fois commencée, ne peut plus s’arrêter. Je dois finir le livre d’une traite, quelle que soit sa longueur, ce qui pose problème.

Mais avec mes livres, s’ils sont très longs, c’est très difficile. Je pense que le premier tome se lit d’une traite, le deuxième est difficile. Le troisième… Impossible, absolument impossible. Je pense qu’il faudra au moins une semaine. Il faut du temps pour se remettre émotionnellement, et le quatrième tome, que je viens de terminer, est le plus long que j’aie jamais écrit. Je pense que les lecteurs auront besoin d’une semaine entière pour assimiler le choc émotionnel.

Une version audible est-elle prévu en français?

« Yes, actually, this is news. We just signed the contract for it recently, so it is in process and I don’t know when it will be coming, but the French audiobook is in development. »

Oui, c’est une information récente. Nous avons signé le contrat il y a peu, le projet est donc en cours et je ne sais pas encore quand il sera disponible, mais le livre audio français est en développement.

On peut trouvé la date du 14 juillet 2026 pour la sortie allemande du Tome 4 de ta série. Cette date est-elle confirmée ou erronée?

« I can definitely confirm that is not the date. I don’t know where that date came from. I Google sometimes just makes things up, I guess, and I don’t. I really don’t know where that date came from, but it is not coming out in July.

I can say that the book is finished. It is with my editors now, so we’re hoping it will be able to come out this year. We’re hoping in English and hopefully the French version maybe end of this year, but probably more likely early next year. »

Je peux absolument confirmer que ce n’est pas la bonne date. J’ignore d’où elle sort. Il arrive que Google invente des choses, je suppose, et ce n’est pas mon cas. Je ne sais vraiment pas d’où vient cette date, mais le livre ne sortira pas en juillet.

Je peux vous dire qu’il est terminé. Il est actuellement entre les mains de mes éditeurs, et nous espérons qu’il pourra paraître cette année. Nous espérons une sortie en anglais, et peut-être aussi en français, peut-être en fin d’année, mais plus probablement début de l’année prochaine.

As-tu déjà prévu d’écrire une autre histoire, ou vas-tu prendre un peu de repos après tout ce travail d’écriture?

« I need a break. I I’m going to take. I’m going to take the rest of this year to focus on, editing the fourth book, marketing the fourth book.

You know, just I’ve been kind of in hiding for almost two years as I worked on this final book. And so I’m really excited to get back out there to be talking with readers again and, hopefully recruiting new people to the series as we, you know, move into finishing it. So I think I’m going to take the next maybe six months or so to read other books besides. Fine. And, just focus on finishing this series in a really positive way.

And then later this year we’ll dive into something new. I haven’t decided what yet, but I definitely want to stay in romantic. See, it’s my favorite genre and I can tell you it won’t be a spin off of this series will be something completely new. But we’ll just have to wait and see what it is. »

J’ai besoin d’une pause. Je vais prendre le reste de l’année pour me concentrer sur la révision et la promotion du quatrième tome.

Vous savez, j’ai été un peu en retrait ces deux dernières années, occupée à travailler sur ce dernier livre. Je suis donc ravie de pouvoir renouer avec les lecteurs et, je l’espère, d’en recruter de nouveaux pour la série, à l’approche de sa conclusion. Je pense donc consacrer les six prochains mois à la lecture d’autres livres. Et surtout, à terminer cette série de la meilleure façon possible.

Plus tard cette année, nous nous lancerons dans un nouveau projet. Je n’ai pas encore décidé quoi, mais je souhaite rester dans le registre romantique. C’est mon genre préféré et je peux vous dire que ce ne sera pas un spin-off, mais quelque chose de complètement inédit. Il faudra attendre pour le découvrir.

Est ce que tu as eu des moments de doute pendant que tu écrivais ton livre?

« Oh, yeah. We. Yeah, absolutely. So actually, when I wrote book two, I published book one, and I was about a week away from publishing book two, and at the time I was self-published, so I was the only person who had control over it. And I had a huge moment of, this is it. Nobody’s going to like this book. I, I was proud of it, but I was. So I had somehow convinced myself in my head, no one else would like the book. And I came so close to deleting book two and taking book one off from sale and just walking away from writing. I mean, I came so close, and it was only because I had some friends that said, step away from my computer, do not do this. You put so much work into it. And at that point I had already written book three as well, so I had almost the whole series done, but I just got in my head and I told myself, I’m no good at this. These books aren’t any good. Nobody’s going to like them. And I did it anyway. I published the book anyway, and now those books have sold 2.5 million copies in English. They book to. The one I was so scared about is the one most people say is their favorite book. And I’m so glad I didn’t trust myself and trust those negative voices, because I think every author goes through a moment where they they look at what they’ve written and they say, this is garbage, this is terrible, and it’s never true. So I’m really glad that I believed that the books would find their readers, because they definitely have I. »

Ah oui. Oui, absolument. En fait, quand j’ai écrit le deuxième tome, j’avais déjà publié le premier, et il me restait environ une semaine avant la sortie du deuxième.

À l’époque, j’étais auto-édité, donc j’étais la seule à avoir le contrôle. Et là, j’ai eu un gros moment de panique : « Ça y est. Personne ne va aimer ce livre. » J’en étais fière, mais c’était vrai. Je m’étais persuadé que personne d’autre ne l’aimerait. J’ai failli supprimer le deuxième tome, retirer le premier de la vente et tout abandonner. J’étais vraiment à deux doigts de le faire, et c’est seulement grâce à des amis qui m’ont dit : « Éloigne-toi de ton ordinateur, ne fais pas ça. Tu y as consacré tellement de travail. »

À ce moment-là, j’avais déjà écrit le troisième tome, donc la série était presque terminée, mais je me suis mis à penser : « Je ne suis pas douée pour ça. Ces livres sont nuls. Personne ne va les aimer. » Et pourtant, j’ai continué. J’ai quand même publié le livre, et maintenant, il s’est vendu à 2,5 millions d’exemplaires en anglais. Celui qui m’inquiétait tant est celui que la plupart des gens considèrent comme leur livre préféré.

Et je suis tellement contente de ne pas m’être fiée à mon intuition ni d’avoir écouté ces voix négatives, car je pense que chaque auteur passe par un moment où il regarde ce qu’il a écrit et se dit : « C’est nul, c’est horrible », et c’est toujours faux. Je suis donc vraiment heureuse d’avoir cru que mes livres trouveraient leurs lecteurs, car c’est indéniablement le cas.

Quel livre t’as fait aimé la lecture?

« The book that really inspired me to be an author is a book called Kushiel’s Dart by Jacqueline Carey. It’s very old. It’s 25 years old now. I think something like this. And it is one of the very first romantics.

I think that ever before, long before we called it romance, it was, Jacqueline Carey, the author was really opening the door to women in fantasy and writing books with female characters that were as big and as epic as Lord of the rings, or any of these big legendary fantasies that we know of. But it was women saving the day, and it was, you know, other female characters who were supporting her.

And I remember reading that book when I was young and at the time, the entire fantasy section was just men as far as the eye can see. And I found this book with this amazing female lead. And I said, we need this in the world. We need more of this. And now we are so spoiled for choice. There’s many, many, many wonderful fantasy books with women leading them and written by women. But that was not always the case.

So that book really inspired a lifetime love of romance and fantasy combined with very strong female characters. »

Le livre qui m’a vraiment inspirée à devenir écrivaine s’appelle « Kushiel’s Dart » de Jacqueline Carey. C’est un vieux livre. Il a 25 ans maintenant, je crois. Et c’est l’un des tout premiers romans romantiques.

Je pense qu’avant même qu’on appelle ça de la romance, Jacqueline Carey, l’auteure, ouvrait la porte aux femmes dans la fantasy et écrivait des livres avec des personnages féminins aussi importants et épiques que ceux du Seigneur des Anneaux, ou de toutes ces grandes sagas fantastiques légendaires. C’étaient des femmes qui sauvaient la situation, et d’autres personnages féminins les soutenaient.

Je me souviens avoir lu ce livre quand j’étais jeune, et à l’époque, toute la section fantasy était remplie d’hommes. Et j’ai découvert ce livre avec cette héroïne incroyable. Et je me suis dit : il nous faut ça dans le monde. Il nous en faut plus. Et maintenant, on a l’embarras du choix. Il existe une multitude de merveilleux romans fantastiques écrits par des femmes et mettant en scène des femmes. Mais cela n’a pas toujours été le cas.

Ce livre a donc véritablement fait naître en moi une passion durable pour la romance et la fantasy, agrémentée de personnages féminins forts.

L’article Interview de Penn Cole, l’autrice de Spark of the Everflame est apparu en premier sur Kazoku.

Une horreur repensée pour 2026

Dans cette vidéo coulisses, Christophe Gans revient sur son approche et rappelle à quel point l’horreur a évolué en vingt ans.
« La perception de l’horreur a totalement changé depuis 2006 », confie-t-il, soulignant la nécessité d’adapter le langage visuel, les codes et la mise en scène à un public désormais habitué à des œuvres plus sombres, plus psychologiques, plus immersives.

Retour à Silent Hill promet ainsi une vision modernisée, tout en respectant l’âme tourmentée du matériau original.

Silent Hill au cœur de la Paris Games Week

Le film a également été mis à l’honneur lors d’un panel spécial à la Paris Games Week, où Christophe Gans a livré une interview complète avec Carole Quintaine, désormais disponible en replay vidéo.

L’occasion pour les fans de découvrir ses inspirations, sa relation de longue date avec l’univers Silent Hill et la façon dont le projet a été façonné en collaboration avec Konami.

Un retour aux origines : Silent Hill 2 comme base principale

Réalisé par Christophe Gans — déjà derrière Silent Hill (2006), Crying Freeman ou encore Le Pacte des loups — le film s’appuie directement sur Silent Hill 2, l’un des épisodes les plus mythiques du jeu vidéo édité par Konami.

Ce choix souligne une volonté de revenir à l’essence même de la série : une horreur psychologique intimiste, centrée sur la culpabilité, la douleur, la solitude… et bien sûr, les créatures symboliques qui ont marqué des générations de joueurs.

En parallèle, les spectateurs peuvent également (re)découvrir le teaser officiel, disponible en vidéo. Une première immersion dans cette nouvelle adaptation qui promet atmosphère suffocante, brouillard épais, visions cauchemardesques et ce mélange unique d’émotion et de terreur qui fait la force de Silent Hill.

Février 2026 : un rendez-vous attendu

Avec son making-of, son teaser et ses prises de parole publiques, Retour à Silent Hill entame véritablement sa montée en puissance.
Le 4 février 2026 marquera le retour du réalisateur dans une ville fantôme qui continue de hanter les imaginaires, prête à accueillir une nouvelle génération de spectateurs… et à replonger les fans dans leurs peurs les plus profondes.

L’article Retour à Silent Hill : un premier making-of dévoile les coulisses du film attendu pour février 2026 est apparu en premier sur Kazoku.

Artiste aux divers talents, elle a su passer de l’animation, au manga en passant par la sculpture avec brio !

Retour sur notre échange !

J’ai vu que vous étiez autodidacte. Est-ce que vous avez des conseils pour en faire un métier ?

Déjà, de bien développer sa patte personnelle. Quand on est autodidacte, il y a beaucoup de gens qui ont tendance à être sous l’influence de certains auteurs ou de certaines tendances. Et l’une des choses qui est très importante quand on veut se lancer, et qu’on n’a pas de diplôme ou de choses comme ça qui attestent d’une capacité, c’est d’extrêmement bien développer sa patte personnelle.

« Quand on est autodidacte, il y a beaucoup de gens qui ont tendance à être sous l’influence de certains auteurs ou de certaines tendances. »

Donc, quand on est autodidacte et qu’on veut se lancer dans l’édition professionnelle, il va falloir trouver sa patte. Il faut passer beaucoup de temps à le faire et, surtout, il faut éviter de trop se comparer aux autres. Il faut vraiment rester sur son optique à soi, son but à soi, et chercher à combler ses propres lacunes. Tout ça, sans forcément penser que le profil qu’on a est le même que celui d’un autre, qui pourrait lui aussi être autodidacte.

Voilà, c’est vraiment un truc : se mettre la tête entre quatre murs et bûcher à fond son truc pour développer sa patte perso. Car, au moment où l’on va se retrouver en concurrence avec les autres autodidactes qui vont proposer des dossiers — surtout ces dernières années, on a vu que ça s’est drôlement développé, il y en a vraiment eu de plus en plus — la concurrence est forte. Donc il va falloir, non seulement être bon, mais aussi faire des trucs vraiment personnels qui se détachent.

Donc pour moi, un autodidacte, vu qu’il n’est pas formé à faire quelque chose de standard, sa force, elle va être dans ce qui le différencie des autres.

Comment est née la collaboration avec Aienkei pour Horion ?

Alors, ça remonte à assez loin. C’est quelqu’un que j’avais rencontré sur un salon de type Japan Expo. C’était d’ailleurs il y a 20 ans. On s’était rencontrés tout à fait par hasard, avec des groupes d’amis qui se connaissaient, mais on n’avait pas parlé ni de scénario, ni de dessin, ni de quoi que ce soit. On s’était juste dit : « Ah ben c’est cool, pour une prochaine édition, ce serait sympa qu’on se retrouve. » Donc on avait pris les adresses les uns des autres pour correspondre.

Et en fait, on s’est rendu compte, en échangeant, que lui, il écrivait drôlement bien. Et moi, en fait, comme je trouvais que ce qu’il écrivait, c’était super chouette, mais que j’avais pas ce niveau d’écriture, je décorais de plus en plus les envois que je lui faisais.

On s’est découvert qu’en fait, il avait une âme de scénariste et moi de dessinatrice. Les années ont passé comme ça, on est restés amis et tout. On a commencé à parler de ce qu’il aimait écrire, des personnages qu’il imaginait, etc. Et moi, je prenais beaucoup de plaisir à les dessiner, à les mettre en image. Car forcément, quand on écrit des histoires, l’un des trucs qui fait surtout plaisir, quand on est dans l’univers du manga, c’est de voir apparaître ses personnages. J’adorais faire ça, parce que j’avais pas spécialement des idées de scénario. Donc j’étais hyper inspirée par les siennes, et j’ai commencé à dessiner ses persos.

De fil en aiguille, en fait, on s’est dit : « Ah, euh, on pourrait faire un projet de fanzine qui reprendrait ces persos… enfin, des histoires que toi tu écris, et moi je mettrais tout en image. » Et c’est ainsi qu’est née la première mouture d’Horion. Elle est apparue dans les années 2000, où justement on avait fait un petit fanzine — enfin, qui faisait quand même 80 pages — avec des planches et du texte qui présentaient déjà des personnages qu’on retrouvera d’ailleurs dans le Horion moderne.

C’était l’époque où on avait nos études, le boulot, tout ça. Donc tout ça, c’est resté en arrière-plan pendant qu’on faisait le travail, les cours et tout. Puis, passé un certain stade, où j’ai travaillé dans une entreprise où l’on faisait du jeu vidéo et du dessin, on s’est dit : « Ah là, quand même, on commence à connaître les ficelles du monde professionnel pour les avoir côtoyées et tout. Ce serait peut-être carrément bien, en fait, de reprendre le projet qu’on a toujours développé en arrière-fond pendant toutes ces années, de lui donner un coup de jeune et de faire un dossier de présentation pour les professionnels. »

Et en fait, c’est comme ça qu’on en est arrivés là. On a fait ce dossier, on l’a envoyé aux éditeurs, et il a été pris tout de suite, dans les six mois. C’est comme ça qu’on a pu créer le nouvel Horion. Donc Horion, il remonte à super loin, il a beaucoup évolué, mais c’est toujours lui qui est arrivé à la fin chez Glénat.

Justement, entre le fanzine et maintenant, il y a eu quoi comme vraies différences ?

Bah déjà, graphiquement, il s’est passé tellement d’années… C’est plus du tout pareil. J’ai fait énormément d’expériences au niveau graphique, au niveau des mises en page, des plans caméra, tout ça.

J’ai beaucoup mûri. Entre le moment où on est étudiant et le moment où on est dans le monde professionnel, il y a beaucoup de choses qui changent.

Et le rapport aux éditeurs, les attentes des éditeurs aussi ont beaucoup changé. Donc, fut un temps, par exemple, on nous demandait beaucoup de faire du manga qui était assez hybridé avec la BD. Les éditeurs avaient toujours pris pour habitude d’exploiter le style européen. Et le manga de création, faut quand même bien le dire, il y a 20/25 ans en arrière, il n’en était absolument pas question. Donc, il y a bien eu deux ou trois tentatives, mais elles étaient un peu vues comme des ovnis. C’était pas du tout un label qui existait chez les maisons d’édition. Alors qu’ils commençaient déjà, quand même, à bien battre leur plein avec l’importation et la traduction de mangas. La création, c’était déjà plus difficile.

Donc après, ils se sont rendus compte qu’en fait, il y avait énormément de gens de notre génération — des personnes nées entre la fin des années 80 et les années 90 — qui s’étaient énormément entraînés. Du coup, le style est devenu beaucoup plus mature. Et par rapport aux fanzines, c’est devenu plus personnel. Il commençait à y avoir du développement personnel, des univers personnels, beaucoup moins de fanarts, de trucs comme ça.

Et pour moi, d’un point de vue auteur, la différence principale, elle va être très terre à terre. C’est que quand un éditeur nous gère, on n’a pas à faire toute la distribution, ces choses-là. Quand on fait du fanzinat, le souci, c’est qu’il faut penser à chercher où est-ce qu’on va faire imprimer, il faut qu’on ait la place pour les stocks.

C’est comme l’autoédition maintenant. Sauf qu’à l’époque, en plus, il n’y avait pas Internet, ni tout ça, développé comme aujourd’hui. Il n’y avait pas de sites exprès pour faire du print. Donc les fanzines de mon époque, c’était assez rude.

Donc la grande différence, déjà techniquement, avec la vie en édition, c’est que là, on a quelqu’un qui manage nos sorties, les promos, les trucs comme ça. Et puis après, d’un point de vue vraiment du bouquin : il y a mes premières moutures, elles n’étaient pas jolies, alors que maintenant, ça profite de toute l’expérience que j’ai eue. Et donc le bouquin est beaucoup plus beau que le fanzine.

Même scénaristiquement, il y a eu beaucoup de changements ?

Oui, complètement. On a tous mûri, on a tous grandi, on a pris le temps justement de réfléchir. Et puis, l’optique de le faire pour une plus large distribution que quand on fait du fanzine, ça permet aussi de considérer le lectorat. D’essayer de se projeter un peu plus que juste avec un cercle un peu fermé.

Le fanzine, à l’époque, c’était quand même des cercles assez fermés, où c’étaient vraiment souvent les fans qui parlaient aux fans. Alors que là, quand on fait du manga pour les professionnels, c’est beaucoup plus large, soudainement.Donc, on a pris de la bouteille, on est plus grands, on a vécu plus de choses dans la vie. Du coup, on n’appréhende pas la façon dont on va dessiner ou scénariser de la même manière.

« La motivation intrinsèque de départ, elle est restée exactement comme au départ. »

Par contre, pour ce qui est vraiment du fond, c’est-à-dire la motivation de départ et tout, ça n’a pas changé du tout.C’est juste vraiment dans la forme : on a appris à présenter les choses, à les rendre plus fonctionnelles. Donc il y a une différence, mais la motivation intrinsèque de départ, elle est restée exactement comme au départ.

Encore une fois, là c’est une chance : quand on travaille, nous, avec Glénat, ils nous laissent vraiment faire. Ils nous font vraiment confiance sur le développement du projet.C’est quelque chose qu’on peut demander à ne pas avoir, c’est-à-dire que, quand on est un jeune auteur, on peut demander à être supervisé et suivi par son éditeur.

Mais il se trouve que, nous, dans notre cas, comme le projet était bien étudié, notre éditeur est toujours là quand on demande, mais il n’est pas là à nous corriger ou à nous fliquer. Donc ça, pour nous, c’est OUI !

Pour Horion, vraiment, on a une super liberté, et ça, c’est hyper bien.

Il y a combien de temps à peu près pour la création d’un tome ?

Alors, normalement, c’est un an, mais il m’arrive souvent de dépasser un peu.Ça dépend de plein de choses : la vie personnelle, quand on est indépendant, des fois ça prend un peu le dessus, plus ou moins, sur le travail.

Comme j’expliquais plusieurs fois, quand on bosse en entreprise, on peut vraiment faire une distinction entre la vie personnelle et la vie professionnelle.Alors, ça n’a pas toujours des super avantages — la plupart du temps, d’ailleurs, ça n’en a pas. Comme je disais, on ne voit jamais chez soi, on ne voit pas sa famille, on ne voit pas ses animaux… Enfin, c’est très difficile.Nous, on n’a pas ces désavantages-là quand on est indépendant.

Mais par contre, la vie personnelle est beaucoup plus fusionnée avec la vie professionnelle.Comme on bosse à la maison, il arrive des fois que, sans réel gros événement, on soit extrêmement ralenti dans son travail.

Donc moi, en général, ça fait un an, parfois un an et demi entre chaque tome. Les trois premiers étaient sortis vraiment à un an d’intervalle — enfin, le premier et le deuxième, moins — après, on était rentrés dans un rythme de production un peu plus posé : c’était un an.Et quand il y a eu le Covid, là par contre, euh… j’ai mis plus. Le 5 est ressorti l’année d’après le 4. Mais par contre, là, pour le 6, normalement, il aurait dû sortir cet été, mais au final, il va être certainement pour la fin de l’année. Ce qui fera, du coup, plus d’un an.

Il y a des trucs, des machins, même pas des trucs énormes, mais qui font que c’est ralenti. C’est assez difficile, cette part-là du travail d’indépendant : justement, d’avoir une différenciation, enfin de réussir à se couper des problèmes, des soucis de santé, parce qu’on reste dedans, on travaille en étant toujours sur le même lieu.

Quand il y a quelqu’un qui ne va pas bien dans la famille ou quoi, bah, on est avec. Donc, des fois, c’est un peu difficile et ça ralentit le travail.

Il y en a qui arrivent très bien à le gérer, hyper bien. Moi, des fois, vraiment, pour le coup, ça déborde, et puis pendant une semaine, j’aurais pu rien faire. C’est pas bien.

Tiff : Du coup, les fans sauront à cause de qui ça traîne (rires)

Enaibi : Ah oui, mais de toute façon, ça ne peut être que moi, je suis en bout de chaîne ! (Rires)

Il y a beaucoup de personnages dans Horion. C’est environ combien de chara designs différents avant de trouver le bon ?

Oui, ça dépend des personnages, très honnêtement, c’est très aléatoire. Les premiers, qu’on voit d’ailleurs beaucoup dans le tome 1… alors pas pour les deux personnages principaux, qui eux ont été ajoutés exprès pour le projet de *Horion* moderne — comme je fais la distinction entre l’ancien et le moderne. Mais la plupart des personnages qu’on voit dans la cité de Landgrave — la cité principale, là où les personnages principaux se rendent — ont été repris du projet initial.

Donc eux, ça va, je les ai mis à jour, mais j’ai pas eu besoin de les refaire. Il y a des choses qui ont été revues selon mes goûts d’aujourd’hui et selon ma façon de dessiner d’aujourd’hui, qui a bien évolué quand même. Mais au moins ceux-là, j’ai pas eu à les refaire.

Pour les personnages nouveaux, très honnêtement, c’est très aléatoire. Il y a des personnages qui sortent vraiment très vite. Et il y en a d’autres, alors qu’ils apparaissent pas beaucoup, je galère pendant trois mois.

En fait, Aienkei, lui forcément, comme il écrit, il a une image du personnage. S’il faut qu’il le fasse vivre, il faut qu’il le connaisse. Donc il se fait un personnage dans sa tête, avec un caractère et tout ça, mais ça reste un fan de manga. Donc forcément, il a un genre de guide graphique dans sa tête pour voir ce personnage au moment où il écrit, pour s’imaginer ses scènes et tout. Simplement, après, moi quand je lis le script, c’est pas forcément exactement la même chose.

Ou alors, j’essaie de proposer quelque chose qui va justement sortir du premier standard auquel on aurait pensé. Comme il ne le représente pas, il n’est pas non plus obligé d’être précis. Il me dit : “Oui, c’est un personnage, il est comme ci, comme ça, je le verrais bien du coup avec plutôt une coiffe en pétard parce que ça correspond au caractère que je voudrais qu’il évoque tout de suite quand on le voit en image.” Mais des fois, moi je me dis : “Ah ouais, mais un personnage avec des cheveux en pics, j’en ai déjà un qui est comme ça. J’aimerais bien du coup varier mes motifs.”

Je suis quelqu’un qui aime énormément appuyer la caractérisation de ses personnages, mais jamais en tombant dans la caricature. Et du coup, parfois, mes premiers jets ne lui plaisent pas du tout.

Alors du coup, faut que je les reprenne jusqu’à ce qu’on arrive à la croisée des chemins — le moment où, entre sa vision et ce que j’ai envie de dessiner, ça correspond à peu près. Il y en a, vraiment, ça a été long, et il y en a, ça a été vraiment hyper rapide. Genre : “Oui, ben je vois un gars un peu sombre avec les cheveux machin”, paf, c’était Lupa — personnage d’*Horion*. Pour les fringues, j’ai fait le truc le plus simple, et en fait, c’était parfait.

Et il y en a d’autres où je me dis : “Moi j’aimerais bien les cheveux longs”, et il me dit : “Bah non, absolument pas des cheveux longs, faut des cheveux courts.” Alors on se galère pendant un quart d’heure pour choisir la longueur des cheveux. Juste ça déjà, et on n’est pas encore arrivé à la suite. Donc oui, c’est très aléatoire en fonction du personnage, ça.

Quelles sont vos sources d’inspirations de manière globale ?

Le problème, c’est qu’elles sont extrêmement globales. C’est-à-dire que même graphiquement, je ne suis pas quelqu’un qui ne regarde que du manga ou de l’animé. Évidemment, dans mon apprentissage, quand j’étais adolescente et que je commençais vraiment à dessiner en bûchant, j’ai regardé beaucoup de mangas et d’animés.

« J’ai pioché un peu dans tout ce qu’il y avait à cette époque-là, dans le sens où il y avait parfois des aspects techniques qui me plaisaient chez certains auteurs »

Le truc, c’est que moi, dans les années 90, c’était l’époque où il n’y avait pas autant de traductions de mangas en français qu’aujourd’hui. Et en fait, j’avais la chance d’avoir une sœur aînée qui faisait partie des pionniers de l’importation de mangas et compagnie — les premiers magazines, les premiers fanzines et tout. Les premières conventions, les trucs comme ça. Et ils faisaient de l’import un peu à l’aveugle. C’est-à-dire qu’on achetait des choses sans forcément les comprendre, parce qu’on n’avait pas l’âge d’apprendre le japonais encore.

Et donc, j’ai passé en revue énormément de choses parce que je les avais à disposition chez moi. C’était ma sœur qui avait une bibliothèque énorme, et puis ça défilait : il y avait du courrier, des correspondances, des tas de trucs. Et donc, j’ai pioché un peu dans tout ce qu’il y avait à cette époque-là, dans le sens où il y avait parfois des aspects techniques qui me plaisaient chez certains auteurs — des encrages, des façons de représenter les yeux, les cheveux, ou de texturer les décors et tout ça. Et donc, j’empruntais un petit peu à tout le monde.

Il y en a certains qui sont revenus plus souvent, il y en a d’autres sur lesquels je me suis attardée, mais que j’ai complètement abandonnés derrière, parce que finalement ça ne me correspondait absolument pas. Je trouvais que c’était beau en illustration, mais pour ce qui était des planches, ça ne rendait pas l’esprit que je voulais.

C’est comme ça que, du coup, je me suis beaucoup plus rabattue sur du shōnen que sur du shōjo.

La plupart des dessinatrices dessinaient énormément de choses très shōjo quand on faisait du fanzine. Moi, je n’étais pas du tout de cette catégorie-là. Je voulais vraiment apprendre à dessiner des corps plus que des visages jolis ou des cheveux jolis. Je voulais savoir dessiner les mains, les pieds, les machins. C’est ça qui me passionnait : les pantalons, les machins, les bidules… Savoir la tête des personnages, c’était vraiment assez secondaire.

Donc ouais, voilà, je me suis encore perdue.

Ça a presque embrayé un peu sur une autre question, parce que j’allais demander s’il y avait une référence particulière dans le manga ? Genre un mangaka ?

Bah en fait, en termes d’esprit, il s’est trouvé qu’avec Aienkei, on s’était bien trouvés là-dessus.

Mais si vraiment, je parle de quand j’avais 12 ou 13 ans, moi, le truc qui me passionnait, c’était Yoshihiro Togashi, l’auteur de Hunter x Hunter, qui, à notre époque à nous, dessinait Yu Yu Hakusho. Et ça, j’aimais beaucoup, parce que c’était un gars qui faisait du shōnen — et toujours encore aujourd’hui — mais un shōnen qui est bizarre.

Ce qui est assez bien, en le prenant en exemple, c’est que c’est quelqu’un qui ne dessinait pas spécialement hyper bien, mais qui faisait beaucoup de personnages très variés, très mignons. Alors techniquement, ce n’est pas quelqu’un qui va m’apporter énormément de choses, mais dans mon graphisme, par contre, ce décalage qu’il y a entre ses persos mignons et les trucs abominables qui leur arrivent… Et tout ça reste du shōnen, mais franchement, des fois c’est borderline. Je trouve que c’est une super source d’inspi.

Dans le sens où si Horion pouvait — non pas être pareil — mais éveiller le même sentiment auprès des lecteurs que ce que lui a réussi à nous insuffler, à moi et à Aienkei, je serais ravie. J’adorerais que ça corresponde. Donc c’est vrai que ce gars, c’est un peu le mangaka dont l’état d’esprit m’influence, dans le sens où j’ai adoré sa façon de travailler et d’aborder le manga.

Justement, où il se dit : « Ouais bah c’est pas grave, des fois c’est pas bien dessiné, mais on s’en fout, c’est l’histoire qui compte. » Je trouve ça hyper kiffant, en fait.

Un projet manga en solo vous intéresserait ?

Non, je ne pense pas. Déjà, quand j’étais adolescente, je m’étais bien rendu compte que, pour avoir un super bon niveau de dessin, il faudrait que je mette l’histoire de côté. Parce que ça prend énormément de temps de se développer personnellement. Alors, j’ai quand même mes bases, je pourrais faire un truc normal et qui serait beau.

Mais des choses qui ont des histoires normales et qui sont belles, des mangas comme ça, il y en a déjà pléthore. Le but, c’est pas juste de faire l’exercice de dessiner. J’ai vraiment envie de faire vivre des personnages qui sont intéressants, et je ne me sens pas à la hauteur, en fait, de faire ça.

Je pourrais éviter les gros pièges, parce que voilà, maintenant je suis plus cultivée sur le scénario, le cinéma, les trucs comme ça. Aienkei, c’est quelqu’un qui se renseigne tout le temps et qui nous fait voir des choses régulièrement — voire tous les jours — sur le cinéma, des documentaires… justement pour éviter les gros pièges. Donc ça, ça irait.

Mais très honnêtement, je ne pense pas que ça casserait la baraque. Donc euh… non, tant que je peux continuer de travailler avec quelqu’un qui est largement supérieur à moi en écriture, je préfère largement.

Alors, j’ai vu que vous aviez déjà travaillé sur des celluloïdes des personnages d’Horion et des animations. Est-ce qu’il y aurait un projet d’animé dans les tiroirs ?

Alors ça, je ne peux rien certifier du tout. En soi, officiellement non. Si ça avait été le cas, je l’aurais déjà annoncé avec fracas. Mais par contre, c’est vrai qu’étant donné qu’on a constaté qu’il y avait certaines licences, ou en tout cas des auteurs de manga en France, qui commençaient justement à avoir des studios qui s’intéressaient à leur cas…

Moi, évidemment, comme beaucoup de jeunes de quand j’étais ado, les animés, j’aimais autant ça que les mangas papier. Et un des grands kiffs qu’on a toujours eu, c’était de s’imaginer nos persos : comment ils rendraient s’ils étaient travaillés pour être adaptés en anime.

Et j’adore cet exercice. C’est pour ça que j’ai fait mes chara designs, les fiches de model sheets pour les personnages.

Tiff : C’est tout prêt.

Enaibi : Ah oui, ils n’ont qu’à signer ! Moi, c’est bon, je peux filer tous les dossiers, tout est là. Mais rien d’officiel du tout.

Par contre, oui, l’exercice en lui-même me plaît. Je ne fais pas d’animation. J’ai fait des petits trucs en sketch et autres, mais les plus jolies choses, ce sont des gens qui travaillent dans l’animation qui nous les avaient soumises.

C’est toujours un grand kiff de les voir. Et justement, ça permet de tester, de voir un peu à quoi ça pourrait ressembler. Je trouve que ça pourrait être un plus, effectivement, si un jour quelqu’un de sérieux, ou en tout cas de volontaire à lancer une série, se disait : “Ah tiens, ça pourrait donner quoi là ?” Il y a des petits exemples et tout. Je me dis que c’est pas mal. C’est peut-être convaincant.

Ça vous intéresserait de travailler avec quel studio par exemple ?

Alors malheureusement je ne suis pas une grosse calée en studio, mais sinon Fortiche (studio derrière Arcane) !

Tiff : Moi je pensais à La chouette compagnie.

Enaibi : Non mais c’est bien aussi ! Mais je pense à Fortiche, parce qu’ils ont une scène dans Arcane qui est complètement reprise d’un chapitre du dernier tome d’Horion qui est sorti. Alors, on avait déjà remarqué des similitudes passées sur la saison 1.
On s’est donc dit qu’il y a quelqu’un qui lit Horion dans l’équipe. Mais alors sur la saison 2, c’est signé en gros : “Bonjour, on lit Horion.”

Donc voilà, s’il nous entend celui-là, on est prêt hein ! On veut bien prêter l’œuvre en entier, pas juste un chapitre. Allez-y.

Du coup de l’animation 3D ? (intervention de LavisdeBen le goat)

Pour le coup, Arcane, il n’y avait rien à redire. C’était de la 3D, mais c’était magnifique. Et l’idée de mettre tous les FX en 2D, ça donne un cachet. Moi, ce mélange-là, je veux bien.
Tout en 3D, j’ai rien contre. Évidemment, tout en 2D, je prends en premier, mais là, le mélange qu’ils ont réussi à faire, il est parfait. Voilà, c’est ça. Eux, c’est vraiment l’exception.

Tiff : Puis le mélange des techniques aussi.

Enaibi : Non mais l’idée du mélange, les textures illustrées sur les persos et les FX en 2D, c’est un truc de fou. Je suis complètement fan de la technique.

Je passe un peu sur un autre champ qui est totalement à part. J’ai vu que vous aimiez la création de Doll. Est-ce que vous pensez un jour en faire quelques-unes à l’effigie des héros d’Horion ?

Ouais. Évidemment, évidemment, évidemment. En fait, de base, le craft en général, c’était un truc que j’adorais. C’est un truc sur lequel on s’est collé avec mes sœurs aînées quand j’étais toute petite et que j’ai jamais lâché. C’est pour ça que j’ai commencé à dessiner. Faire de la sculpture, de la pâte à modeler, tout ça, c’était le grand kiff pour moi. Il n’y avait rien de mieux. Plutôt que de m’acheter un jeu, il fallait m’acheter un paquet de pâte à modeler. C’était trop bien.

Et donc quand j’ai découvert l’univers des BJD — les fameuses dolls — ce que j’avais trouvé formidable, c’est que ça redonnait un coup de jeunesse aux poupées figées, pas très intéressantes quand on était gamin. Là, elles avaient un design extrêmement asiatique. L’intérêt des BJD a été relancé par le Japon avec la grande marque Volks. Et eux, la première chose qu’ils ont faite, c’est créer des modèles très esthétisés, à la japonaise. Ensuite, ils ont même fait des produits dérivés d’animés : des dolls à l’effigie de leurs personnages principaux, et tout.

Donc forcément, quand on aime le manga, et que quand on était gamine on rêvait d’avoir des garage kits ou des figurines — parce que c’est avoir le personnage “en vrai” — là, c’était encore mieux : c’était l’avoir en vrai, en grand, habillé, articulé. Donc ça a été irrésistible de s’y mettre.

Et évidemment, avec Horion, ça me prend beaucoup de temps, donc c’est pour ça que je peux pas le faire. Mais évidemment qu’en faisant ça, on n’a qu’une envie, c’est de créer le personnage avec ses petites fringues — enfin, un cosplay en poupée quoi.

Votre objectif artistique ? Un objectif à atteindre ?

Avoir une adaptation animée, j’aimerais bien. Ça voudrait dire que je suis assez bonne.

Non, mais après très honnêtement, le truc qui m’intéresse dans la démarche que je peux appliquer encore aujourd’hui, c’est de continuer à évoluer. Ne pas avoir l’impression de stagner. Alors, c’est pas un but précis en soi, mais tant que je peux encore apprendre de nouvelles choses et réussir à les restituer correctement, sans me sentir dépassée ou quoi que ce soit, moi je reste motivée. Tant que le dessin m’apporte toujours autant, c’est bon.

Mais j’ai pas de but arrêté. Je ne me dis pas : “Quand j’arriverai à ce truc-là, ce sera bon, j’aurai réussi.” Je pense que personne, en vrai, dans le monde artistique, ne pense comme ça.

Déjà rien que se dépasser, c’est un moteur. On se met des petites étapes, et à chaque fois qu’on en passe une, on voit déjà la suivante. C’est ce qui nous fait continuer à avancer, à vivre. C’est ce qui fait qu’on n’a jamais envie d’arrêter. On se dit toujours : “Ah tiens, demain je ferai ça.” Et dans le dessin, c’est exactement pareil. Il y a toujours quelque chose à apprendre, à mieux maîtriser. Toujours des petits détails à corriger, des aspects sur lesquels on ne s’était pas vraiment surpassé.

Là, par exemple, ce que j’aimerais, c’est mieux gérer mes décors, mes textures de décor. Les personnages, ça commence à aller, mais j’aimerais qu’ils soient encore plus expressifs. Ouais, c’est des petites choses comme ça qu’on peut toujours améliorer.

Et à chaque fois que je fais un nouveau tome, j’essaie d’améliorer un peu tout ça, pas à pas. Et je continuerai… jusqu’à ce que je tienne plus debout.

Est-ce que vous avez une idée de la durée de la série ?

Assez flou, honnêtement. Je pense que ce sera au moins dix tomes, et sûrement moins de vingt. Je sais pas, dix, douze, treize, quinze… quelque chose comme ça. J’en sais rien.

En fait, avec le scénario, on ne se coupe jamais de la possibilité d’avoir une nouvelle idée. Et à partir du moment où l’éditeur est d’accord, je vois pas pourquoi on s’en priverait. On n’a donc pas établi quelque chose d’extrêmement carré dès le départ, parce que faire du manga, c’est long — il faut au moins un an par tome. Les idées qu’on avait dix ans plus tôt, forcément, elles évoluent. Et figer ça, ce serait se priver de toute l’évolution qu’on a eue nous-mêmes en avançant sur la série.

Donc oui, on a une ligne directrice, mais elle peut bifurquer à tout moment. Pour l’instant, on suit cette trajectoire, mais ça ne veut pas dire qu’il n’y aura que ça, ni que ce sera précisément en douze ou treize volumes. Je ne peux vraiment pas le dire.

Déjà, à la base, on devait s’arrêter à cinq tomes pour clore un premier arc, et finalement, on a rajouté des événements, donc ça fait sept. Et je sais qu’après le sept, c’est pas encore fini. Donc… on verra bien jusqu’où ça nous mène.

Et pour finir, si vous avez trois ou quatre mots pour convaincre nos lecteurs de lire Horion

Alors Horion, c’est un manga où vous pensez lire quelque chose et ce n’est pas ce que vous allez découvrir du tout.

C’est un manga qui est extrêmement intriguant et qui peut avoir plusieurs niveaux de lecture.

C’est un manga qui est extrêmement intriguant et qui peut avoir plusieurs niveaux de lecture. Donc c’est intéressant. C’est un manga qui se relie pour vraiment capter les subtilités.

Mais attention, quand je parle de subtilités, je ne parle pas de complexité. C’est des choses qui sont là, mais quand on lit une fois ou deux, des fois on passe complètement à côté et plus les tomes avancent et plus on fait « mais je l’ai pas vu arriver celle-là. Je ne sais pas comment c’est possible ». Aienkei travaille énormément ses scénarios comme ça. Ça pour moi c’est c’est ce qui en fait le sel.

Tiff: Je suis totalement d’accord. On s’attend à quelque chose et c’est pas ce qu’on lit.

Enaibi: Et même avec le design, il y a beaucoup de gens justement. Et c’est pour ça que j’avais rigolé avec Togashi parce qu’on nous disait « Ah, il ressemble beaucoup à Gon. » Ouais ben tu vas voir ce qui lui arrive. Ça ressemble pas à Gon. Mais ça, c’était notre petit clin d’œil à notre maître adoré.

Donc voilà, on a concédé cette image du shonen, qui elle lui-même était inspirée de Dragon Ball, qui lui-même est inspiré d’Astroboy, enfin une longue histoire d’héros de shonen.

Pour moi Horion c’est ça, c’est des surprises.

Donc on a voulu aussi lui faire notre hommage en incluant ce type de personnage mais c’est que physique en fait. Pour le reste de l’histoire justement, il lui arrive pas du tout les choses qu’on on était habitué à voir sur ce type de personnage. Donc voilà pour moi Horion c’est ça, c’est des surprises.

L’article Interview d’Enaibi, la dessinatrice de « Horion » est apparu en premier sur Kazoku.

Il a également donné sa voix à Toge dans Jujutsu Kaisen, Ban dans Seven Deadly Sins ou encore Dabi dans My Hero Academia, entre autres.

Je suis donc en présence de Arnaud Laurent, comment vas-tu ?

Eh bien ça va très bien. Un peu fatigué. Ils (Japan Expo) m’ont programmé plein de trucs à faire et c’est ce que j’adore, mais du coup c’est vrai que ça s’enchaîne bien.

Aujourd’hui, on va parler de ton métier et des personnages que tu as interprété notamment Natsu, parce que la France te connaît surtout pour ce héros. Tout d’abord, depuis combien de temps tu fais du doublage ?

Alors, j’ai commencé à démarcher pour pouvoir faire du doublage en 2006. Donc ça fait quasiment… ça fera bientôt 20 ans que j’ai commencé à faire ça !

Waouh ! Tu as vu des évolutions dans le métier depuis que tu as commencé jusqu’à aujourd’hui ?

L’évolution, elle est plus au niveau qu’il faut être toujours de plus en plus efficace, faut aller toujours de plus en plus vite. On a de moins en moins de temps, de moins en moins de budget. Sinon, par contre, dans les points positifs, c’est au niveau du travail en lui-même : dans l’interprétation, dans le jeu, on fait beaucoup plus attention maintenant à la culture japonaise dans le cas des animes. Par exemple, moi j’ai été élevé par le Club Doroté et à l’époque on savait même pas que c’étaient des animes, on appelait ça des dessins animés. Ils édulcoraient tout, ils utilisaient des noms occidentaux pour les désigner : les Olivier Tom, les Jacques, les François,… Et là vraiment depuis les années 2000 et puis surtout de plus en plus maintenant, il y a un vrai savoir-faire au niveau du jeu aussi, de savoir comment jouer les animés, de comment aborder les fameuses réactions, les façons de crier tout ça. Et aussi, il y a un vrai respect de la culture japonaise, des noms japonais et donc au niveau de ça par contre, c’est une belle évolution je trouve !

Est-ce que tu peux nous donner le déroulement d’une journée type quand tu travailles et que tu vas doubler sur un animé ?

Alors on arrive en général aux alentours de 9h30 au studio. Après ça dépend de comment on est convoqué parce qu’en fonction de la quantité de texte et du personnage qu’on fait, des fois on peut être convoqué 1h, 2h, parfois une journée entière. C’est variable. Si par hasard on prend une journée qu’on a la chance d’être une journée entière, donc avec un personnage important qui parle beaucoup, comme c’était mon cas à l’époque de Natsu, souvent je faisais 24 épisodes en une journée.

Ce n’est pas un peu rush ou ce sont des conditions normales de travail ?

Si, effectivement ! Comme je disais, de plus en plus efficace, de plus en plus un peu contraignant – on veut faire des économies ? – oui voilà, des économies. Et donc en gros ben j’arrivais à 9h30, alors là, je savais ce que je doublais, mais très souvent on ne sait pas encore ce qu’on va enregistrer. On le découvre sur le moment. Le directeur artistique, qui nous a convoqué, nous dit : « Voilà, alors c’est telle série ou tel film, tel animé, c’est ce personnage que tu vas faire. » Certaines fois, ils vont l’expliquer : « il se passe ça, il lui arrive ça« . D’autres fois, ils vont dire : « Bah, on y va ! » Et puis en fait on découvre au fur et à mesure.

On va faire boucle par boucle. Ce qu’on appelle des boucles, ce sont des petites scènes de 1 minute, 1 minute 30 qui résultent de l’épisode qui a été divisé. Et on va faire boucle par boucle, toutes les boucles où il y a notre personnage, on va les faire les unes après les autres. On en fait une, on regarde la version originale, on écoute bien, on regarde l’image, la fameuse band ritmo qui défile en dessous avec le texte. C’est là où on découvre le texte, on découvre comment ça se passe, qui il y a à jouer, tous les détails techniques auxquels il faut faire attention. Donc là, on fait un visionnage. Une fois qu’on a fait le visionnage, on coupe le son complètement dans le studio. Il y a plus que le comédien qui parle. Il y a plus les musiques, il y a plus rien. Vraiment, on enregistre dans un silence complet pour avoir que la voix. Et ensuite, cette voix française qu’on vient d’enregistrer, est rajoutée à ce qu’on appelle la ‘VI‘, la version internationale, qui est en fait tout ce qui n’est pas la voix : ça va être tous les bruitages, les musiques, qui va être utilisé dans tous les pays. Et donc cette voix française avec la VI va faire une petite version française d’une scène. On l’écoute. Si c’est bien, on passe à une boucle suivante. Si c’est pas bien, on la refait aussi souvent qu’il le faut. Et voilà. Et on fait ça toute la journée. On fait boucle par boucle par boucle et à la fin de la journée, on a enregistré tout notre rôle.

Et concrètement, tu as les scènes dans l’ordre ? Est-ce que tu vois tous les épisodes en entier ou vraiment juste ce que tu vas doubler ?

Vraiment que les parties de mon personnage.

Est-ce que c’est contraignant quand tu dois doubler quelqu’un, de ne pas avoir, peut-être, tout le contexte ?

C’est pas contraignant dans le sens où c’est notre travail, on a appris à le faire et c’est aussi pour ça que le doublage est très particulier à l’inverse du théâtre ou des film où on va avoir des mois pour préparer un rôle. Là, vraiment le doublage, c’est de jouer ce qui se joue dans la scène. Si tu joues vraiment ce qui se passe dans la scène, tu peux pas te tromper sur ce qui se passe avant et après parce que tu auras joué la même chose que ce qui a été fait au départ. Et donc vraiment il faut se concentrer là-dessus. Parfois, effectivement, s’il y a un truc que tu comprends pas parce que c’est un peu compliqué, tu peux demander au directeur artistique, qui lui a vu tout l’épisode, et il te dira : « Oui, alors là en fait, il s’est passé ça, son papa est mort », des trucs comme ça, ou alors « c’est toi le méchant, c’est pour ça que tu parles comme ça » et ça peut t’aider. Mais après, c’est vraiment cette force là qu’a le doublage, c’est de jouer ce qu’il y a à jouer et logiquement, en général, ça passe.

Par contre, ce qui est drôle c’est qu’effectivement, je ne vois que les scènes de mes personnages et parfois quand je regarde la série, bah je comprends plein de choses que j’avais pas compris avant parce que j’ai joué des choses sans comprendre ce qui se passait et après je fais « Ah ok, c’est pour ça que j’ai dit ça. » Et voilà, donc ça c’est rigolo !

Est-ce que ça a été le cas avec Fairy Tail du coup ? 

Fairy Tail pas trop parce que, je vais me faire engueuler, mais j’ai pas regardé Fairy Tail. J’ai regardé genre quelques épisodes au début et les cinq derniers pour voir un peu le résultat et voilà. Mais sinon non. Par exemple, ça me l’a fait sur 13 Reasons Why, où je doublais Alex. Et ben en fait comme j’avais bien aimé la série, bon je l’ai regardé en VO. Je suis un très mauvais camarade !! Même si on est beaucoup à le faire.

Un comédien de doublage français qui regarde ses séries en VO ? Etonnant ! C’est juste par principe car tu ne veux pas t’entendre ou ça n’a rien à voir ?

Non, ça rien à voir. J’aime bien m’entendre. Des fois même je vais aller écouter pour entendre le résultat par curiosité, voir ce que ça donne. Mais sinon, c’est plus que moi c’est comme ça que je le ressens. J’aime bien, surtout sur une série live-action, voir le jeu de l’acteur original et parce que j’ai envie de voir ce qu’il a créé à la base. On essaiera toujours de faire au mieux pour ressembler à ce qu’il a fait, mais il y a une authenticité qu’on ne pourra pas avoir. Des fois, on s’en sort très bien et les VF sont de très bonne qualité, mais moi, un peu en tant que puriste, car j’aime beaucoup le cinéma et les séries, j’aime bien voir le jeu de l’acteur original : comment il l’a créé, les indications du réalisateur, l’accent aussi des fois, parce que du coup en VF on perd les accents anglais, les accents irlandais, etc…

Vous avez des indications par rapport à ça justement ?

Non, en général, il faut que ce soit le plus « accent français normal ». Il faut pas qu’il y ait de différence au niveau des accents. À la rigueur avec les anglais, le petit truc qu’on va nous dire c’est essayer de le faire un petit peu plus… – Bourgeois ?– Ouais, voilà exactement ! Mais sinon les accents on peut pas jouer là-dessus malheureusement.

On va revenir un peu aux animés et à Fairy Tail notamment. Natsu est du coup le personnage pour lequel on te connaît le plus. C’est quoi le lien que tu as avec ce personnage après l’avoir doublé pendant des années ? C’est quoi ton rapport à Natsu ?

Je le dis souvent, Natsu, ça a été une belle rencontre, dans le sens où c’était le premier rôle important qu’on m’a confié. C’était un rôle que je rêvais de faire depuis gamin car c’est un rôle de héros de shonen. Ayant été élevé avec les Chevaliers du Zodiaque ou Dragon Ball… pouvoir crier un pouvoir, c’était un rêve de gamin que j’ai réalisé. Donc tomber sur ce rôle là, en plus, il réunit tout ce que j’aime dans un héros de shonen qu’on retrouve un peu dans Nicky Larson. Ce côté il est complètement débile, il dit n’importe quoi et puis d’un coup dès qu’il est dans l’action par contre il a un charisme de ouf et il déchire tout. Ça c’est quelque chose que j’adore. À jouer, c’est super intéressant aussi. Et au-delà de ça, dans le métier, des fois, il y a des rôles qui seront plus difficiles à atteindre que d’autres parce qu’il va falloir les composer. Des rôles qui sont plus loin de nous. Et des fois, il y a des rencontres, ce que j’appelle des rencontres, c’est qu’il va y avoir des rôles où c’est une évidence ! Objectivement, notre voix a été faite pour ce personnage. On a rien à faire. On a juste à jouer les intentions. Donc il va falloir être dans la même énergie. Il va falloir donner, il va falloir crier. Mais on n’a pas à composer. Moi, Natsu, je regarde ce qu’il fait, j’y vais. Et c’est moi… En fait, Natsu, c’est moi ! J’ai pas besoin de réfléchir à ce que je fais.

On peut dire que tu t’identifies un petit peu à lui aussi ou pas à ce point ?

Pas vraiment identifié, parce que bon c’est quand même un univers différent, mais en fait même pas jusque là. C’est juste que c’est moi. J’ai pas besoin de réfléchir et au fur et à mesure des années en plus c’est devenu… je l’appelle un peu mon âme sœur dans le doublage, c’est mon meilleur pote, c’est mon meilleur ami. Quand je le retrouve je sais comment il va réagir je sais ce qu’il va faire, je le connais par cœur ! Pour moi, ça a été ma belle rencontre effectivement dans le doublage en tant que personnage.

Natsu, c’est quand même un personnage qui est connu pour brailler énormément. Il déborde d’énergie. À quel point c’est difficile de doubler un personnage qui finalement est tout le temps en action, qui a tout le temps la voix qui part dans tous les sens ? Je pense qu’on te le demande souvent, mais est-ce que tu finis la voix cassée en fin de tournage ?

Ouais. à l’époque où je faisais les 24 épisodes dans la journée. À la fin de la journée, alors j’avais pas la voix cassée, je me suis jamais cassé la voix, mais la voix était très fatiguée. Je le sentais, elle était raillée. Je n’aurais pas pu enregistrer autre chose derrière. Mais, c’est un personnage tellement chouette. Il est très proche de moi et moi j’ai naturellement aussi beaucoup d’énergie donc voilà, je peux mettre cette énergie dedans. La seule difficulté, c’est un peu au niveau de la voix, effectivement, de réussir à économiser sa voix. Maintenant, je me rends compte qu’en vieillissant, entre le moment où j’ai doublé les derniers Fairy Tail et là où j’ai doublé la Quête de 100 ans, à l’époque, je faisais 24 épisodes en une journée. Là, j’en ai fait 8 et on faisait que par session de 8 et j’étais mort à la fin. Donc je sens que l’âge fait que j’ai un peu moins la force et l’énergie que j’avais à une certaine époque pour assurer aussi bien. Je suis lessivé à la fin des 8 épisodes, là j’étais mort, j’en pouvais plus.

Mais est-ce que les personnes avec qui tu travailles respectent ça et du coup ne vont pas t’imposer de faire plus d’épisodes ?

Bah s’ils m’imposaient, je le ferai, je serais obligé de toute façon, je n’aurais pas le choix. Mais il se trouve que les conditions ont un peu évolué, qu’on va moins dans ce côté-là, en tout cas pour cette série là. On a fait plus de temps pour enregistrer, ce qui est bien et ce qui ce qui m’allait bien aussi.

Et toujours pour rester dans l’animé, c’est vrai que tu le disais un peu au début, ils ont vraiment des expressions très marquées, parfois des bruitages très typique qu’on entend vraiment beaucoup dans les animés. Est-ce que ça c’est un truc que tu fais? Et si oui, comment est-ce que ça tevient ? Comment tu as réussi à travailler ce côté-là ?

Alors moi je pense que je fais partie de ceux qui ont un avantage, c’est que avant de doubler dans de l’animé, j’étais très fan de manga et d’animé donc j’en avais regardé énormément et en VO ! En tout cas les derniers, pas forcément les premiers que j’ai regardé en VF, mais les derniers : Naruto, Bleach, je les ai défoncé en VO. Et donc en moi, il y a cette culture de la réaction du jeu japonais qui fait que faire un cri qui monte petit à petit, ça c’est un truc que je savais faire parce que j’en avais tellement bouffé que c’était en moi, c’était imprégné en moi. Après, il y a des comédiens, qui sont plus habitués à doubler dans des séries et des films. Quand ils arrivent dans des animés, ils sont perdus parce que justement, ils ont pas ces codes, ces façons de jouer, ces réactions. C’est tout bête, mais c’est quelque chose que si tu ne sais pas le faire, c’est quelque chose que tu ne fais pas dans la vie de tous les jours. Donc il faut apprendre à le faire, en fait !

C’est une super transition pour ma prochaine question qui est que donc tu as eu l’occasion de faire de l’animé, mais également des séries live action. Il y a eu notamment Pretty Little Liar, Mentalist, mais aussi tu as joué Léo Fitz dans les Agents du SHIELD… C’est quoi la principale différence entre quand tu fais du live action et quand tu doubles un animé ?

Alors il y a plusieurs petites différences. La base est la même, ce sera toujours du jeu. Si on va dans les différences, l’animé ça va être, ce que j’appelle moi, des émotions très sincères mais complètement exacerbées. Des ruptures d’émotions : c’est soit on pleure à fond, soit on est complètement joyeux. Il y a toujours une espèce de, moi ce que j’appelle une espèce de petite bulle d’énergie à avoir qui fait qu’on sera toujours un petit peu au-delà de ce qu’on serait dans la vie de tous les jours. C’est ça qu’il faut réussir à tenir et après il y a beaucoup de ruptures, ça va dans tous les sens, faut vraiment réussir à gérer ça.

Quand on va doubler du live action, en fait ça va être plus doubler la vie de tous les jours. Donc ça va demander un jeu beaucoup plus fin. Ça va demander de savoir aussi respecter ce qu’a fait l’acteur à la base et donc de se plonger en lui, d’être en empathie avec lui, de faire ce qu’il a fait et donc c’est beaucoup plus exigeant parce que c’est plus fin, plus précis. Et donc moi entre les deux, j’adore les animés, mais le challenge est plus difficile et donc plus intéressant pour des séries live-action.

Et quand tu parles de Leo Fitz, j’en parlais avec Natsu, mais Leo, c’est mon personnage tout confondu, mon comédien, mon acteur préféré. Celui que j’ai préféré doubler de tout confondu parce que l’acteur est exceptionnel. Ce qu’ils lui ont fait jouer au fur et à mesure des saisons, ils lui ont fait tout jouer. Il a une évolution incroyable. Quand on est comédien, c’est intéressant de pouvoir jouer plein de choses différentes. Et grâce à cet acteur-là, qui est pour moi un des meilleurs acteurs de sa génération et je regrette qu’on ne le voit pas plus parce qu’il est exceptionnel, il fait des choses mais incroyables. Pouvoir passer derrière lui et avoir la chance d’avoir ce challenge de réussir à le mettre en valeur, c’était un truc de fou ! Donc vraiment, j’ai adoré le doubler. Et lui pour le coup chacune de ces scènes c’était un challenge pour moi parce que c’était tellement bien en VO que je me disais « là, il faut pas que je me plante, faut que je fasse aussi bien que lui« . Donc c’était un vrai challenge ! Et quand j’ai vu le résultat là récemment, je me le suis regardé en VF. J’avais jamais vu en VF. Et objectivement, j’ai trouvé la VF cool quand même. – Du coup, tu es fier de toi et de ce que tu as pu faire ? – J’arrive à être fier. Il y a des fois, je suis très critique mais objectivement, j’arrive aussi à savoir me rendre compte quand les choses ont bien été faites et cette VF là en dehors de moi, tous les autres personnages, même les voix, le choix des voix qui a été fait par le DA, pour moi, c’est une des meilleures VF, elle est vraiment parfaite !

Deux questions en une : la première étant est-ce qu’il t’arrive d’écouter aussi les versions pas forcément juste originales anglaises, mais italiennes ou espagnoles, enfin ce qui se fait en Europe ou à l’étranger pour comparer ? Est-ce que tu as ce truc de d’aller voir un peu ailleurs pour voir ce qui a été fait ou pas du tout ?

Non, parce que je vais regarder les séries et les films espagnols ou italien de quand ils le sont à la base, donc quand c’est la VO – La Casa de Papel par exemple ? – Voilà. Exactement ! Mais c’est vrai que non, j’ai jamais été trop regardé le doublage en lui-même espagnol ou italien ou allemand. Je me suis pas trop intéressé à ça. J’avoue pour le coup, j’ai pas trop fait gaffe.

Après, c’est vrai qu’en France, on a quand même un certain prestige vis-a-vis de nos voix françaises. On est très fier de cette industrie là. Même à l’international, c’est reconnu comme étant une des meilleures. Ma question, c’est est-ce que tu as déjà eu l’occasion de discuter avec les vrais comédiens ? Donc, par exemple, peut-être l’acteur de Léo Fitz. Est-ce que tu as déjà rencontré tes homologues américains ou peut-être japonais ?

Léo, j’aurais adoré. Je le taguais sur Instagram quand des fois je mettais des petits extraits VF pour en me disant peut-être qu’un jour il le verra. J’ai fait pareil aussi avec Levi Schmitt que je double dans Grey’s Anatomy parce que j’aime beaucoup aussi cet acteur, mais il m’a jamais répondu. Curieusement c’est une autre actrice de la série qui a commencé à me suivre, je sais pas pourquoi. Donc c’est marrant, mais sinon non.

Le seul que j’ai réussi à rencontrer, c’est celui que j’ai doublé dans la dernière saison de Stranger Things, c’est Jason. C’est un enfoiré dans la série, mais il est ultra gentil en vrai. J’ai réussi à lui parler 30 secondes. Il m’a dit : « C’est génial ce que tu as fait. » Est-ce qu’il l’a fait à l’américaine du genre : c’est cool, ou est-ce qu’il l’a déjà vraiment vu ? J’en sais rien. Mais en tout cas, il était super gentil ! C’était un amour et voilà, c’était 30 secondes assez magiques. Et sinon non, mes homologues japonais, j’ai pas pu les rencontrer parce que c’est tellement des stars qu’ils sont intouchables au Japon. Par contre, j’ai eu la chance de rencontrer Hiro Mashima, le créateur de Fairy Tail et je l’ai même interviewé, je lui ai parlé, je lui ai fait un hurlement du dragon de feu en japonais. Il a été mort rire, il a adoré ! Il m’a fait un dessin spécial pour moi. Enfin voilà, donc c’était une belle rencontre.

Dans le milieu du doublage français, est-ce que tu as des noms qui t’ont inspiré ? Je pense peut-être par exemple à Brigitte Lecordier qu’on connaît énormément et qui est d’ailleurs très souvent à Japan Expo. Est-ce que tu as des noms où tu te dis « Ah ouais, je veux faire comme eux » ?

J’en ai plein parce que si j’ai fait ce métier, c’est grâce à tous ceux qui sont passés avant moi. Moi, j’étais amoureux de la VF. Je suis devenu très vite amoureux de la VF quand j’étais au collège, lycée. Je reconnaissais les voix. Je regardais à la fin des films, j’obligeais tout le monde à rester à la fin des films pour regarder le carton de doublage. Je repérais les noms et je suis devenu amoureux de ces comédiens de par les émotions qui nous transmettaient : de nous faire pleurer, tout ça. Et donc pour moi tous ces comédiens de doublage sont des références. C’est grâce à eux que je suis là aujourd’hui ! Je pourrais en citer plein mais effectivement Brigitte Lecordier, mais pour moi il y a par exemple Thierry Wermut, c’est la voix de Tintin dans les années 90 ou Dawson dans les années 2000 qui est très important. Un qui nous a quitté récemment, Éric LeGrand, qui a été pour moi un mentor. C’est grâce à lui que je suis là aujourd’hui puisque c’est lui qui m’a donné tous les conseils qu’il me fallait au départ pour pouvoir faire ça. Il a répondu à tous mes mails alors que j’étais insupportable. Quand je relis mes mails, je me dis : « Mais comment il a eu la patience de me répondre ?« . Il m’a tout expliqué. Il m’a dit : « Faut que tu fasses ça, ça ». Et alors après effectivement, j’ai fait ce qu’il m’a dit, donc c’est grâce à ça que j’y suis arrivé ! Mais s’il n’avait pas été là au départ, je serais pas là ici, aujourd’hui. Donc je lui dois beaucoup. Et il y en a d’autres, beaucoup d’autres…

En France, les animés sont de plus en plus démocratisés, de plus en plus appréciés, mais la place de la VF est encore un peu sensible. On voit souvent passer des remarques négatives de personnes très fans d’animé qui disent que la VF : ça sera jamais aussi bien que la VO, que c’est enfantin, que c’est nul… Il y a beaucoup de gens dans la communauté qui rabaissent le travail des comédiens de doublage. Comment toi tu vis tout ça ? Est-ce que tu as déjà été face à des gens comme ça ? C’est quoi ton ressenti là-dessus ?

Maintenant, je le prends avec beaucoup de distance. Mon ressenti là-dessus, c’est qu’on devrait laisser chacun faire ce qu’il a envie de faire. C’est-à-dire que les Pro-VO, si vous n’aimez pas la VF, ben vous regardez pas la VF, vous laissez la VF tranquille. Après aussi l’autre chose que je dis souvent, mais que ce soit VO ou en VF ou n’importe quelle série ou film avant de juger, regardez et ensuite faites vos critiques… constructives ! Le problème des réseaux maintenant, c’est qu’on va critiquer pour critiquer. Moi, je considère que je vais mettre un commentaire quand je trouve que le truc est bien. Si le truc est pas très bien et que ce que je vais dire n’a pas d’intérêt, ne va rien apporter, je vais rien dire. Je vais pas dire juste : « c’est de la merde ce que tu fais » parce que je trouve que ça n’a aucun intérêt. Ça ne va faire avancer personne à part blesser des gens.

Au moment de la sortie de Fairy Tail dans les années 2011/2012, le canal home vidéo de Facebook avait sorti deux premiers petits extraits pour annoncer que la VF de Fairy Tail allait arriver. On s’est fait descendre de ouf ! Moi j’étais comme un fou parce que c’était pour moi, mon premier gros rôle. J’avais vraiment la pression car je savais que c’était très attendu ! En plus, ils ont pris des extraits qui ont été faits pour les essais qui ont été envoyés au Japon. Donc pas le produit final, et des extraits pas très intéressants. Et quand j’ai vu ça effectivement, les commentaires m’ont fait beaucoup de mal… Pour moi c’était important et là on s’est fait vraiment descendre.

Ce qui est drôle, c’est que 1 an plus tard, on était élu meilleur VF de l’année par Animeland. Et ce, pour 2 ans de suite d’ailleurs ! Bonne revanche ! Mais c’est comme ça, c’est qu’il y aura toujours les pro-VO qui veulent que ça soit ‘authentique’ donc en japonais. Moi j’ai envie de leur dire : « Les gars, c’est un dessin donc que ce soit en japonais ou en français, à la base c’est un dessin donc on va le jouer différemment et chacun a sa préférence« . C’est une question d’affect, c’est une question de de sensibilité. Chacun aime ce qu’il a envie d’aimer. On se laisse tranquille, on accepte, on est tolérant envers la pensée de chacun. C’est juste que chacun a le droit de penser ce qu’il a envie de penser. S’il a envie de le dire, il le dit. Du moment qu’on reste dans le respect de la personne et qu’on évite de blesser les gens et puis après, il n’y a pas de raison que ça se passe mal. S’il y a des bons arguments, argumentez ! Et sinon bah restez sur la VO, personne vous oblige à aller voir la VF.

C’est une belle conclusion ! Je vais finir quand même avec quelque chose de plus sympathique. Il me semble que si tu avais pu doubler n’importe quel personnage d’animé, tu aurais aimé doubler Naruto. Est-ce que c’est le cas ?

Ouais, j’ai adoré Naruto ! C’est une des raisons pour lesquelles j’ai voulu faire du doublage. Enfin, dans les derniers moments où j’ai pris ma décision et où j’ai écrit à Eric Legrand, Naruto venait de sortir et je lui ai dit : « Ah, j’adorerais doubler dans Naruto » et il m’a répondu par mail, « D’abord, tu vas te calmer. On ne choisit pas ce qu’on double« , en rigolant un peu, mais il m’a remis les idées en place. C’est grâce à ça justement qu’après j’ai pris les bonnes bases. Mais au-delà de Naruto, après je me suis fait un petit essai plus tard sur TikTok et je me suis rendu compte que la voix aurait pas été bien. Par contre je pense que sur Shikamaru, j’aurais pu faire un boulot vraiment cool. J’adore Shikamaru, c’est un de mes personnages préférés ! Et sinon pour le coup Ichigo dans Bleach, je pense que ça aurait pu vraiment être cool.

As-tu d’autres projets en cours par rapport au doublage d’animé. Est-ce qu’on peut en parler ?

Alors, on pourrait en parler s’il y en avait. En général, il y a une période un peu calme dans le doublage où il y a beaucoup moins de travail et moi ça fait longtemps qu’on m’a pas proposé de vrais nouveaux rôles. Si ! Dans les jeux vidéos, j’ai des petites interventions dans des nouveaux jeux vidéos. Mais pour le coup, eux, je peux vraiment pas en parler parce que les jeux vidéos… Tu peux rien dire du tout. Donc, il y a des trucs qui vont arriver en jeux vidéo mais en animé, malheureusement rien pour l’instant et mais j’espère que ça va bouger !

Dans les animés récents, il y a des trucs qui t’intéressent un petit peu ?

J’ai pas trop suivi. J’arrive pas à savoir trop ce qui va sortir. Donc je connais pas assez les choses qui qui arrivent pour le savoir. Mais si, j’adorerais être dans la nouvelle version des One Piece, les One Piece Kai qui vont arriver. J’aimerais avoir un rôle là-dedans. Ça, ça me ferait triper !!

On te le souhaite en tout cas ! Merci beaucoup Arnaud Laurent, de nous avoir accordé cette petite interview !

Propos recueillis par Ines-Scarlet et L’avis de Ben.

L’article Interview d’Arnaud Laurent, le comédien de doublage de Natsu dans Fairy Tail ! est apparu en premier sur Kazoku.

Andrea c’est la voix française derrière Miguel dans Coco et derrière les titres comme Un Poco loco et actuellement vous l’avez entendus dans le live action Dragons en tant qu’Harold !

Quel est le rôle qui t’as le plus marqué ?

Ah bah Miguel hein, franchement j’ai fait d’autres rôles mais Coco …

J’ai eu une grosse promo dessus, c’était mon premier rôle, j’avais 12 ans. Je pense que c’est gravé à vie dans la mémoire.

Ton expérience Coco en quelques mots ?

C’était intense je pense et…j’ai pas trop d’adjectifs… c’était très émotionnel en fait.
Comme j’étais très jeune, je découvrais encore le milieu du doublage, tout ça.

Donc j’y allais avec toute l’innocence qu’un enfant peut avoir. Surtout pour le rôle de Miguel qui est triste. Faut se le dire, c’est quand même un un film qui est triste, mais aussi joyeux, on passe par pleins d’émotions. Donc en quelques mots, je sais pas, ça se dit pas en quelques mots. C’est quelque chose qu’il faut vivre. C’était magnifique.

C’est pas trop difficile de passer derrière Donald Reignoux pour la voix d’Harold ?

Si, si. En fait, moi Donald c’est quelqu’un que je connais depuis que je suis gamin et c’est vraiment un exemple de jeu pour moi. Je l’ai toujours écouté, pas de manière admirative dans le sens où je le voyais à travers les personnage qu’il doublait.

Donc moi je l’ai suivi à travers Spider-Man, inFamous, Titeuf… mais comme je faisais du doublage, j’écoutait surtout sa manière de jouer, ses intentions, où est-ce qu’il mettait ses intentions par rapport au jeu.

Et je me suis servi de ça pour Harold, je lui est même envoyé un message quand j’ai été pris sur le rôle. Quand on prend le rôle de quelqu’un qu’il a pendant dix ans, c’est quelque chose de compliqué. Et il a lui-même vécu ça avec Damien Witecka qui faisait la voix de Spider-Man. Donc je pense qu’il comprend que je marche sur des œufs.

Mais c’est vrai que passer derrière Donald c’est… mais je suis très content, très heureux de pouvoir faire ça.

Découvrez en plus sur Donald Reignoux avec son interview par Mimi.

Par rapport au public, tu n’as pas peur de ça?

Franchement, il y aura toujours des critiques. Il y aura toujours des gens pour dire non, nous on veut Donald. D’ailleurs, dans les commentaires des bandes d’annonces, on peut déjà voir tous les gens qui disent « Non, on veut Donald » et tout. Mais c’est quelque chose de normal.

Je vais pas reprocher aux gens de vouloir une voix qui a bercer leur enfance. Il a fait une trilogie sur Dragon. Il y a eu des tonnes et des tonnes de dessins animés en rapport, une série, tout ça. Donc c’est normal. Et le tout c’est de faire un bon travail derrière et parce qu’au-delà de ça, là on est plus sur un dessin animé, c’est un rôle, donc c’est un acteur et c’est de faire au mieux ce que l’acteur a voulu dégager.

On a sûrement déjà la réponse, mais qui est ta référence dans le doublage ?

Alors oui, je vais dire Donald évidemment, mais j’en ai aussi une autre. J’aime beaucoup Damien Ferret parce que pareil, on est dans le jeu. On n’est pas sur une façon de faire du doublage. On est sur une façon de faire du jeu, c’est plus théâtral.

Leur jeu est plus théâtral. Damien Ferret, Donald et par exemple Gabriel Le Doze. J’ai eu la chance de travailler avec Gabriel Le Doze sur The Hand of God, un film de de Paolo Sorentino. Et pareil, ça c’est une référence pour moi en terme de jeu et c’est tout ce qui compte, surtout aujourd’hui dans le doublage.

Un personnage ou un acteur que tu rêverais de doubler ?

Oh franchement, je sais pas.

Tiff : Il va nous dire Andrew Garfield.

Andrea : Non pour le coup j’aimerais pas doubler Andrew Garfield, il a des mimiques assez bizarres. C’est un acteur, qui est dans le regard et tout, je l’écoute en VO aussi et il a une façon de jouer qui lui est propre. Et d’ailleurs je pense que Donald a dû mettre du temps avant de trouver cet acteur parce qu’il a vraiment un truc à lui.

Et doubler des gens qu’on qui sont difficilement doublables autre que par eux-mêmes, c’est compliqué. Donc, j’aurais pas aimé doubler Andrew Garfield, mais là tout de suite je peux pas te dire qui j’aimerais doubler.

Ça serait plus dans le dessin animé. Je pense que j’aurais aimé faire un personnage dans les Looney Tunes ou un truc comme ça. Mais en tout cas avoir un personnage, où c’est ton personnage. C’est toi qui crée sa voix et tout. J’aimerais beaucoup faire ça.

Une anecdote en tant que comédien de doublage ?

J’ai failli mourir sur un plateau de doublage !

Une anecdote ? Ouais, j’en ai une. J’ai failli mourir sur un plateau de doublage. C’est vrai, c’est pas une blague. En fait, j’étais en plateau avec deux autres comédiens et euh et j’ai manqué de m’étouffer de très gravement. Il y avait des petites cacahuètes dans le doublage. C’était hyper bonne ambiance, c’était cool quoi. L’ambiance dans le studio, on se marrait et tout.

Pourtant le film prêtait pas à ça, mais bon c’était ça. Il y avait des cacahuètes sur le un petit comptoir juste à côté de la barre et je mangeais ces cacahuètes entre les boucles. Et à un moment bah je m’étouffe. Je m’étouffe et c’est Anatole De Bodinat qui me sauve la vie en me faisant Heimlich. Heimlich, pour ceux qui ne savent pas, c’est des compressions abdominales pour sauver la vie des gens qui s’étouffent. Bah il m’a sauvé la vie sur ce plateau. Voilà. Donc vraie vraie anecdote de plateau quoi.

Le personnage que tu aimerais doubler plus que tout ?

Si je devais en choisir un, bah je peux pas. Ah si peut-être, ça serait dans le jeu vidéo. Bon, j’ai pas du tout la voix assez mature et je suis pas assez vieux pour faire ce rôle, mais Joël dans The Last of Us. C’est le genre de personnage très intense. J’aime quand c’est intense dans le doublage et c’est le genre de trucs qui sont super cool à doubler quoi.

Si tu pouvais passer une journée avec un perso ou un acteur que tu as doublé ?

J’allais dire Dante pour la blague. Mais Miguel, je pense. Comme je me retrouvais beaucoup dans ce personnage, comme je fais de la musique et tout ça. Je pense que ce serait avec lui.

La réplique que tu as déjà doublé et qui t’as marqué ?

Un jour j’ai eu une phrase qui m’a vraiment saoulée à faire. C’est toutes les phrases un peu d’articuline, assez techniques. Je me souviens j’avais une phrase, avec « un bol de porridge ».

J’avais galéré à dire « bol de porridge ». J’avais douze/treize ans, et je sais pas pourquoi, j’avais galéré à dire ça. J’ai pris au moins dix/quinze minutes à dire juste « bol de porridge ».

Ce qui te rend le plus fière dans ta carrière ?

Bah Coco, franchement Coco. Après, bon Dragon, je pense que ça vient juste après !

Aimerais-tu passer devant la caméra ?

Bien sûr. J’aime bien tourner. J’ai fait des courts-métrages avec des amis qui bossent dans le cinéma en indépendant. Donc c’était pas rémunéré, mais en fait j’aime tous les exercices de comédie.

J’aime le théâtre, j’aime l’opéra, j’aime l’acting donc derrière les caméras et le doublage. Bon, le doublage, c’est au-dessus !

La musique est aussi ta passion, plutôt scène ou derrière l’écran ?

Scène ! Toute la vie !

Il y’a toujours un truc, un échange avec le public. Un écran, c’est pas pareil. puis on peut pas véhiculer la même émotion. Par exemple, aujourd’hui je trouve qu’il y a plus beaucoup de monde qui va voir autant de concerts qu’à l’époque et aujourd’hui pour connaître un artiste, aller voir un concert c’est magnifique. On découvre tout son univers.

Aujourd’hui, on a des playlists qui ont 1000 /1500 chansons qui tournent et on a peut-être une ou deux chansons d’un artiste qu’on aime bien et après on passe au suivant. Alors qu’à l’époque, on achetait les CD, donc on découvrait l’ensemble des choses. Ce qui n’est plus possible aujourd’hui, enfin c’est encore possible mais bon, c’est très rare.

Je ne sais pas si vous avez un lecteur de CD chez vous encore, mais bon, voilà. Donc euh live tout le temps ! Pour prendre exemple, j’ai un ami qui euh qui détestait le métal et je l’ai emmené à un concert et il a adoré. Parce qu’il écoutait comme ça et après il est venu et il fait wouaouh, parce que c’est quelque chose. Donc scène, toute la vie scène.

Tu es aussi pompier volontaire, pas trop dur à concilier avec ta carrière ?

Non ça va, franchement, ça va. J’avais peur au début de devoir choisir entre l’un ou l’autre car je suis vraiment passionné par les deux et au final non, j’arrive à avoir du temps pour les deux vraiment. J’ai du temps et j’ai même encore du temps à côté. Tout est question de priorité, j’arrive à concilier deux.

Bon, évidemment, je peux pas travailler autant chez les pompiers qu’ un pompier professionnel, mais dès que je peux, je pose des gardes et je fait en fonction de des plateaux et cetera.

Qu’est ce qui t’as poussé à t’engager?

En fait, j’ai rencontré un pompier pendant des vacances à la montagne qui m’a juste parlé du métier et à ce moment-là je cherchais un truc en plus du doublage.

Donc il m’a parlé des pompiers ce qui n’a rien à voir hein. Mais je sais pas, je me suis dit pourquoi pas, j’aime le sport, j’aime aider les gens pourquoi pas voir. Donc je me suis engagé et ça m’a plu. Donc j’ai continué.

Des projets en cours dont tu peux parler?

Non, j’ai pas de projet en cours. Bon, à part du coup Dragon. Mais à part ça, non, j’ai pas d’autres projets.

Ça vient les projets, ça peut être de la veille pour le lendemain.

Un conseil pour devenir comédien de doublage ?

Aujourd’hui c’est compliqué de donner des conseils. Il y a beaucoup de gens qui donnent des conseils.

Je pense qu’une grande qualité d’un comédien c’est d’être humble. Parce que c’est un métier. Regardez, on fait une interview. Moi, je suis je suis personne. On fait des voix dans des films. Donc certes, c’est un c’est un joli métier, mais voilà, j’ai pas de vrais conseils à donner.

Après, ça sera évidemment du jeu. Si on rentre plus profondément, ça sera des conseils de jeu. Ça sera comment placer sa voix. Quand je dis placer sa voix, c’est par exemple « moi j’ai des petites difficultés à crier ». Je me casse vite la voix et il y a des techniques. On apprend, on travaille à placer sa voix. Donc travailler sa technique vocale, travailler son jeu, prendre des cours de théâtre et ça sera déjà bien.

Après la le doublage, c’est quelque chose, c’est un exercice qui est compliqué. Donc pratiquer, pratiquer, pratiquer et après ça vient.

Mimi Voxographe : Par exemple Arnaud Laurent lui il doit tout le temps crier pour Natsu (Fairy tail). C’est incroyable

Andrea : Ouais, la manière de crier pour pas se fatiguer c’est un c’est un vrai travail.

Quel serait ton animal totem / Spirituel mexicain ?

J’aime bien les loups moi.

J’ai ce côté très familial. J’aime beaucoup ma famille, donc la meute, discret, j’aime bien les loups et puis j’adore les chiens. Mais bon, j’ai un chat donc je pourrais dire un chat aussi. Oh ou une araignée. Non, je sais qu’il y a beaucoup de gens qui détestentles araignées. Moi j’adore les araignées.

Tiff : On en revient encore à Spiderman.

Andrea: Non non non non, il n’y a aucun lien. (rires)

Vous pouvez retrouvez l’interview en vidéo ici.

N’hésitez pas également à suivre Andrea sur ses réseaux sociaux afin de le soutenir.

Et si vous souhaitez le rencontrer il sera présent aux Château LAN days (je vous en reparle bientôt).

Merci encore à lui pour son temps ! Et j’espère que vous avez été voir Dragon en VF !

L’article Interview d’Andrea Santamaria, la nouvelle voix d’Harold et la voix de Miguel dans COCO ! est apparu en premier sur Kazoku.

Il est de Caen, 31 ans et il a fait une œuvre autobiographique, sur sa vie, et il va nous en parler un tout petit peu plus.

Est-ce que tu peux nous pitcher un peu Diamond Little Boy, juste pour les nouveaux lecteurs ?

Ça raconte mon histoire. Sur la série complète – là, c’est le premier tome – on est entre mes 13 et mes 19-20 ans !

Guillaume : Et ça aborde quoi exactement de ta vie, et quelle période ? 13-19, c’est le début de l’adolescence…

Victor : Ouais, c’est le moment des premiers traumas, des premières glissades… Un parcours un peu chaotique. Je suis passé par pas mal d’étapes, dont la délinquance, le trafic de stups, etc. Un parcours assez chaotique et un peu violent. Mais voilà, j’ai couché cette histoire sur papier.

C’est ce qui t’a donné envie de le réaliser, ce manga ? C’était surtout pour parler de ton parcours aux plus jeunes ou vraiment pour dire ce qui se passe aussi dans les quartiers ?

Ouais, moi je dirais que c’est plus un témoignage générationnel, tu vois. Ce n’est pas un message pour les plus jeunes, ni un hommage pour les plus vieux.

C’est : je suis d’une génération – je suis né en 94 – et je raconte comment ça se passait dans mon environnement, là où j’ai grandi, et mon histoire. Mais j’ai pas raconté cette histoire parce que ma vie est incroyablement exceptionnelle. Je l’ai raconté justement parce que je sais que d’autres personnes vont s’y retrouver, que tout le monde peut y accrocher.

Guillaume : Je me permets de rebondir sur ce que tu viens de dire, parce que dès la première page de ton manga, tu le dis très bien : « Ce manga raconte mon histoire, mais peut-être aussi la votre ». Et je trouve que ça résume très bien le manga en soi. Et je voulais revenir un peu sur le manga Furyo / Underground, auquel ton manga peut être rattaché. C’est vrai que c’est un genre qui s’est un peu perdu en France.

Victor : Est-ce qu’il s’est déjà trouvé ?

Guillaume : Au début, on va dire qu’il y en a certains qui sont sortis du lot… Et après on a perdu ça. Récemment, il y a une reconnaissance grâce à Tokyo Revengers, qui est sorti et qui a redonné un peu plus de lumière au genre.

Victor : Tokyo Revengers, c’est un Furyo ?

Guillaume : C’est considéré comme tel. Alors, on peut en débattre longtemps, mais c’est réel que ça a redonné ses lettres de noblesse à ce type de mangas.

En parlant Furyo, c’est un style que tu affectionnes particulièrement ?

Pour la petite anecdote, je ne connaissais pas le Furyo, et je croyais que j’avais inventé un style ! Moi, je dis souvent que je fais du street manga, tu vois, le manga de la street.

Et il y a quelques années, quand j’ai commencé à me pré-publier sur Internet, quand j’étais en indépendant, en 2017-2018, j’ai trouvé toute une communauté de gens qui étaient à fond dans le Furyo, et j’ai découvert ce que c’était.

Donc le Furyo, pour ceux qui ne connaissent pas, ce sont des mangas sur le thème de la délinquance juvénile. Après, c’est un peu différent. Moi, je pense que c’est juste parce que c’est facile de classer Little Boy comme « le Furyo français ». Mais la délinquance juvénile au Japon, on parle beaucoup d’années 70-80, des bosozoku, des yankees, etc. Et c’est très édulcoré. C’est de la fiction. Ce sont des crews de 50 contre 5, sur des terrains vagues, à coups de battes.

Au Japon, je pense que ça n’a jamais vraiment existé. C’est anecdotique. Le Japon, c’est pas connu pour sa criminalité. Alors qu’en France, là, tu sors dehors, tu peux te faire arracher ton tel par un petit, normal, tu vois. Donc je pense qu’on a peut-être plus de choses à dire que les Japonais.

Pourquoi penses tu que ce genre d’œuvre n’est pas sorti plus tôt en france ?

Maintenant, on dirait que c’est une évidence : le manga, le rap, le hip-hop, la culture quartier – même je dirais la culture kaïra, tu vois. Au Japon, on dit Furyo. En France, moi, je dirais la culture kaïra en général.

Pourquoi on n’a pas un manga comme ça ? Quand j’ai commencé à le faire, c’était hyper dur. Les gens me prenaient pour un fou. Et même moi-même, avec mon premier chapitre…

La plupart des mecs de quartier, ils kiffent Dragon Ball, One Piece, Naruto à la mort !

Tu vois, on disait tout à l’heure hors caméra que mon chemin est ponctué de rencontres. Mais moi, avant ces premières rencontres qui m’ont dit que je n’étais pas fou, je ne savais pas dans quoi je m’aventurais. Je n’avais aucune référence sur laquelle me caler, aucun mec qui avait fait ça avant moi.

J’ai dû tracer un parcours pour que ce soit lisible par le plus grand nombre. Pour moi, ça a toujours été une évidence. Mais pour la plupart des gens, non.

Et en même temps, on n’a pas non plus la même culture en France qu’au Japon en matière de manga. On aime bien dire que la France est le deuxième pays consommateur de manga au monde après le Japon – mais c’est par rapport au nombre d’habitants.

On ne se rend pas compte : je crois que l’année dernière, ils ont vendu 47 millions de mangas en France. Au Japon , 800 millions. Ce n’est pas qu’on est juste derrière, tu vois. Il y a un monde entre nos deux cultures.

Du coup, la culture manga en France est quand même très tournée vers le shōnen. Et la plupart des mecs de quartier, ils kiffent Dragon Ball, One Piece, Naruto à la mort !

Au Japon, la plupart de mes potes, ils ne consomment même pas ça. Il y a un vrai manque de diversité dans la lecture en France.

Guillaume : C’est exact que c’est aussi très intéressant ce que tu as pu ramener : un côté seinen, un peu dur, mais aussi qui montre une réalité – une réalité de terrain, si je peux dire ça comme ça.

Victor : Ouais. Et puis je crois que la réalité dont je parle dans mon manga, elle n’existe plus aujourd’hui.

Genre à l’époque, on n’avait pas trop de téléphones, pas de réseaux sociaux…

Aujourd’hui, les petits bicravent sur Snapchat, Telegram… Ils ne sont pas dehors chargés comme à l’époque. Il y a 15 ans, ce n’était pas pareil. C’est plus le même truc. Mais je trouve ça cool. C’est dans ce sens que je dis que c’est un témoignage d’une génération.

Quelqu’un qui découvre ça aujourd’hui, en 2010, il y a plein de phases qu’il va découvrir. Je ne suis pas sûr qu’il sache ce que c’est qu’un Skyblog…

Moi, on me disait que j’étais un « rockeur chinois » !

Guillaume : [Rires] J’ai rencontré ma femme sur un Skyblog, c’est pour dire la génération !

Et pour rebondir un peu sur ce que tu disais tout à l’heure, sur le fait de se sentir un peu différent : je l’ai ressenti dans ton manga. Tu semblais un peu différent des autres dans ton quartier, tu t’intéressais à des choses que personne n’aimait forcément… Et ce côté-là, cette découverte de nouvelles choses, je l’ai ressenti.

Quelqu’un qui voulait absolument aller découvrir la musique, autre chose, etc.

Et la référence aux remarques du style « Mais qu’est-ce qu’il fait lui ? Il aime des trucs de Chinois… Il aime un style de musique un peu différent, etc. »

Victor : Ouais, c’est vrai que ça aussi, il faut en parler. Parce qu’aujourd’hui, les mangas, même la culture asiatique en général ,tu vois, avec la montée de la K-pop et tout, c’est la hype de fou.

Mais à l’époque, c’était un truc chelou. Moi, on me disait que j’étais un « rockeur chinois » !

Guillaume : J’ai bien aimé parce qu’il y a une rencontre – je ne vais pas spoiler, allez le lire ! -mais il y a une rencontre avec un personnage qui a un style un peu particulier, qui m’a beaucoup fait penser à ce qu’on pouvait voir au Japon pendant une certaine période.

Victor : Ouais, c’est vrai que cette rencontre-là, même en France à cette époque-là, 2008… On parle de la Japan Mania, ces jeunes fascinés par le Japon. Et vraiment, c’est la génération, moi je l’appelle la génération Skyblog, et tu croisais des filles habillées en Lolita, et tout.

Je ne suis pas de Paris, je suis de Caen, tu vois. Mais je pense qu’à Paris, ça devait encore plus vous toucher, dans le premier arrondissement, etc. Je me rappelle ma première Japan Expo : il y avait des stars des réseaux sociaux… avant les réseaux sociaux !

Genre Princesse Pudding, ce genre de meuf-là… Elle était archi connue sur la toile parce qu’elle s’habillait en decora, gothic lolita, tout rose, très kawaii… Et c’est pareil, ça n’existe plus trop aujourd’hui. Donc tu sais, je remets une couche pour qu’on n’oublie pas.

Guillaume : C’est vrai. Après, comme tu l’as dit, les réseaux sociaux ont tout changé. C’est une nouvelle génération. Moi, je voulais aussi te parler de ton style de dessin : je le trouve très expressif, très réaliste.

Comment tu l’as développé ? Je sais que tu as travaillé avec un studio japonais, Atsu Studio. Tu es un des premiers étrangers, voire le seul, à bosser avec eux. Tu peux nous en dire plus ?

Ouais, bien sûr. Mon parcours pour devenir mangaka professionnel est assez singulier. J’ai un contrat spécial, parce que j’ai un parcours spécial. J’ai pas juste envoyé un dossier d’édition comme ça. Avant, j’ai fait sept ans d’indépendant.

J’ai pris mon temps avant de signer un contrat. Je voulais signer le meilleur possible, avec le meilleur accompagnement possible. Je savais déjà qu’au Japon, les mangakas travaillaient avec des tantō et des assistants. Moi aussi, en indé, j’avais deux assistants : la petite Kenza et Léo.

Et là, l’opportunité s’est présentée de travailler avec Atsu Studio, grâce à mon tantō. Ça a été hyper formateur. Je travaille beaucoup à partir de photos, dans une approche photoréaliste, un peu comme Inio Asano et Naoki Urasawa.

Guillaume : Même Boichi..

Victor : Boichi, c’est un peu différent.

Guillaume : Ouais, il travaille surtout ses décors dans Sun-Ken Rock.

Victor : C’est clairc! Lui, dans ses dessins de personnages, je le ressens moins. Il est tellement fort en character design que le décor, même s’il est parfait, il ne prend jamais le dessus. Moi, mon dessin est parfois un peu plus faible que mes décors.

Guillaume : Mais ça va, tu gères quand même !

Victor : Après, je suis jeune. C’est mon premier tome édité, mon premier manga publié. Je sais que ça va évoluer avec le temps. Et franchement, pour un premier tome, je suis content.

Guillaume : J’en ai connu des premiers tomes de manga français et tu es vraiment pas mal.

Victor : Tu veux dire que ce ne serait pas le meilleur premier tome de manga français que t’aies jamais lu ? [rire]

Guillaume : [rires] Je ne sais pas… Mais on ne doit pas être loin ! Je lis pas mal de mangas français. Et c’est vrai que pendant longtemps, on reprochait aux mangas français un manque de maîtrise du dessin.

Victor : Mais maintenant, y’a des tueurs,  Je te parle de 2014-2015, quand je commençais à m’y intéresser : c’était dramatique. Aujourd’hui, la nouvelle génération, y’a des monstres !

Et justement, comment tu vois l’émergence du manga français en ce moment ? Avec Dreamland, Radiant…  Certains commencent à avoir un peu d’importance au Japon. T’en pense quoi, en tant que mangaka français ?

Déjà, petit disclaimer : je respecte tous les mangakas. C’est un des métiers les plus durs du monde. Faire 200 pages, 20 tomes, ce n’est pas donné à tout le monde. Donc je respecte de ouf.

Mais la scène du manga français, en vrai, je m’en fous un peu. Je ne fais pas de shōnen. Je connais des auteurs, j’ai des amis dans le milieu, mais je ne suis pas concerné. Dreamland, Radiant, ce sont des titres qui ont fait leurs preuves. Mais aussi parce que c’était peut être les seuls aussi.

Dire qu’ils ont une vraie importance au Japon… je ne dirais pas ça. Ce n’est pas dans le top 50, ni même dans le top 1000, je pense. Mais je respecte leur travail. Est-ce que les Japonais savent au moins que ce sont des mangas français ?

Guillaume : Très bonne question. Faudrait demander à un Japonais !

Victor : Ce n’est pas une critique mais si ce n’est pas marqué  « Tony Valente » ou même « Reno Lemaire » sur la couv’, je ne suis pas sûr qu’ils le sachent.

Dreamland, ça se passe à Montpellier, ok, mais en termes de character design, ça reste très shōnen. Est-ce qu’on comprend tout de suite que c’est un manga français par son character design ? Pas sûr !

Regarde les Webtoons coréens : on reconnaît tout de suite leur style graphique. Nous, on est encore dans une recherche de notre identité. Pour défendre, mes collègues, il faut dire qu’on vient de la BD franco-belge, donc est-ce qu’on va vraiment s’approprier un média japonais à 100 % ? C’est comme si les Japonais se mettaient demain à faire du fromage : je ne suis pas sûr qu’ils fassent mieux que nous ! [rires]

Guillaume : C’est une bonne image. Et puis chacun a sa manière de créer, sa petite folie…

Victor : Forcément, maintenant avec mon taf et les années, je commence à croiser tout le monde. J’étais à Angoulême, il y a des frappes, des mecs que j’aime bien, tu vois… mais chacun son délire. Moi, j’ai même pas l’impression d’être dans la même compétition, je ne fais même pas la même chose, tu vois ? C’était hyper intéressant.

Tu connais bakuman ? J’adore ce manga parce qu’il montre plein de profils de mangakas différents. T’as Neijima, le mec ultra passionné, un fou de dessin. Et de l’autre côté, t’as le gars qui déteste dessiner, alcoolique, qui veut juste que sa série s’arrête… Chacun a son style.

Tu connais Senchiro ? Un mangaka français. Lui, c’est clairement le niizuma français. Il me parle pendant qu’il dessine, il adore le processus, il adore la plume. Moi, je suis fukuda, le mec furyo, un peu fou, un peu nerveux, avec un projet bien précis.

Et justement, tu fais partie de ces profils à part. Tu ne fais pas juste un manga, tu racontes un vrai vécu, et en plus tu touches à plein d’univers : mode, musique, rap…

C’est ça. Mon éditeur dit souvent que j’ai fait un manga parce que j’avais un truc à dire.

Je ne suis pas sûr que je puisse faire une autre série. Diamond Little Boy, ce n’est pas juste un manga français, c’est un projet générationnel, culturel, ancré dans la street culture.

Tu parlais des influences tout à l’heure. Est-ce qu’il y a des mangas ou des auteurs qui t’ont vraiment marqué, qui t’ont donné envie de créer ?

Franchement, GTO. Je me le refais tous les ans, parfois même tous les trimestres. C’est mon manga “safe place”. C’est pas le meilleur, mais c’est mon doudou. Mon cousin, tu vois ?

Et puis Nana. Ce manga m’a retourné la tête. Je ne connais personne qui reste tiède face à Nana. Soit t’aimes pas du tout, soit tu tombes raide dingue. Et quand t’aimes, tu finis par t’acheter du mobilier inspiré de l’univers ! C’est comme Harry Potter, tu vois ? Une fanbase hyper intense.

Guillaume : Je fais partie de cette fanbase… en espérant un jour avoir une fin à cette œuvre mythique

Victor : Grave…

Et pour finir, qu’est-ce que tu rêves de faire avec Diamond Little Boy ? Quel est ton objectif ultime ?

Je veux tout faire. Animation, film, fringues, franchise complète.

Demain, si je suis blindé comme LeBron James, j’ouvre une université gratuite dans mon quartier pour former des mangakas !

Hier, on m’a posé la question “C’est quoi ton rêve ?” Bah j’ai pas de limite. Tu vois, Pokémon, ça ne s’est jamais arrêté.

Demain, si je suis blindé comme LeBron James, j’ouvre une université gratuite dans mon quartier pour former des mangakas ! Mais déjà, à court terme, je veux que le public comprenne que ma vision n’est pas déconnante. Que ce qu’on propose, c’est peut-être exotique, mais si ça marche, c’est qu’on avait raison.

Guillaume : Et pour rappel, Diamond Little Boy sort le 20 juin chez Vega. Disponible dans toutes les librairies. Et chez nous, à Kazoku, c’est ultra validé !

Victor : Merci beaucoup !

L’article Interview de Victor Dermo, l’auteur de «Diamond Little Boy» est apparu en premier sur Kazoku.

Alliant un scénario complexe à un graphisme puissant, Jay et Kim forment un duo créatif dont la complémentarité donne vie à un monde fascinant, entre héroïc-fantasy et récits initiatiques.

Lors de cette interview, ils nous ont partagé leurs inspirations, leurs méthodes de travail et leur vision pour développer cet univers unique qui passionne leurs fans.

Qu’est-ce qui vous a inspiré pour créer l’univers d’Egregor ? Y a-t-il des œuvres ou des auteurs qui vous ont influencé ?

Kim Jae Hwan : Personnellement, j’aime déjà le genre heroic fantasy et quand j’ai reçu le scénario, j’ai tout de suite pensé à Game of Thrones !

En fait, l’ambiance était à peu près similaire et ça m’a donné quelques inspirations.

Jay Skwar : Je crois que les premières œuvres qui m’ont influencé, et presque parfois de façon inconsciente, sont celles avec lesquelles j’ai grandi !

Il y a eu bien sûr Dragon Ball qui a bercé toute mon enfance. Il y a eu aussi la saga de jeux vidéo The Legend of Zelda qui m’a vraiment suivi pendant toute mon adolescence.

Je me suis rendu compte, après avoir commencé Egregor, que c’était des inspirations presque intuitives, avec des petites connexions, des petites références dont je ne me rendais pas compte en écrivant, mais seulement en relisant par la suite.

Bien sûr, il y a eu aussi, dans la forme, un petit peu de Star Wars, par rapport au parcours initiatique du personnage principal, notamment la trilogie originale avec Luke Skywalker. Il y a aussi, évidemment, Berserk ! C’est vraiment — je pense — l’inspiration la plus évidente qui me vient, dont j’avais le plus conscience en écrivant, et encore aujourd’hui.

Comme disait Jae Hwan, bien sûr, il y a aussi Game of Thrones pour les jeux de pouvoir, tout ça, qui m’a beaucoup influencé !

Jay, vous êtes un auteur français, Jae Hwan un artiste sud-coréen. Comment s’est passée votre collaboration à distance ? Aviez-vous une méthode particulière pour harmoniser vos visions ?

Kim Jae Hwan : Avec internet aujourd’hui, on peut travailler un peu n’importe où dans le monde.

Donc techniquement, il n’y a vraiment aucun souci. En plus, la direction scénaristique que Jay a prise ressemble beaucoup à la direction visuelle que je cherche à réaliser.

Donc on s’entend très bien et on collabore vraiment très aisément.

Jay Skwar : Je crois que je n’aurais pas dit mieux, effectivement. C’est vrai que plus on travaille ensemble, plus on est en harmonie et plus on se comprend de façon automatique !

Donc c’est vraiment super agréable de travailler avec Jae Hwan. Et en plus, il y a M. Park (le coordinateur) aussi présent, qui est très modeste, mais qui nous aide énormément. Il est toujours là pour faire le lien entre nous, et il nous apporte aussi beaucoup de conseils, beaucoup d’idées.

À nous trois, on est bien en symbiose, et franchement, on est super motivés à l’idée de continuer à travailler ensemble !

Pourquoi avoir choisi le format manga pour raconter cette histoire plutôt qu’un roman (comme initialement) ou une BD franco-belge ?

Jay Skwar : À l’origine, effectivement, j’écrivais Egregor sous la forme d’un roman parce que j’avais envie de mettre l’emphase sur le point de vue interne du héros.

« J’avais aussi vraiment envie de mettre en avant l’aspect graphique, un aspect plus visuel, avec une mise en scène forte et des personnages au design vraiment intéressant »

J’étais par exemple influencé par la saga littéraire de L’Assassin royal de Robin Hobb, où on voit toutes les pensées, toute la façon de concevoir le monde du personnage principal, Fitz — et vraiment, j’avais dans l’idée de développer toute l’histoire, tout l’univers à travers le point de vue de Foa. Un petit peu comme dans Le Journal de Foa, un bonus qu’on a sorti (disponible dans la box 2) et qui m’a permis de renouer avec la première vision que j’avais d’Egregor.

Mais en écrivant le roman, je me suis quand même rendu compte que j’avais aussi vraiment envie de mettre en avant l’aspect graphique, un aspect plus visuel, avec une mise en scène forte et des personnages aux designs vraiment intéressants et variés.

« Je n’exclus pas, plus tard, de pouvoir développer d’autres histoires, d’autres spin-offs sous la forme de light novel« 

Et c’est pour ça que j’ai commencé à chercher un dessinateur, et que de fil en aiguille, j’ai fini par travailler avec un artiste qui allait bien au-delà de mes espérances.

En plus de ça, j’aimais déjà le manga à l’origine. Donc effectivement, j’étais vraiment content de pouvoir transposer l’histoire d’un roman à un manga.

Mais je n’exclus pas, plus tard, de développer d’autres histoires, d’autres spin-offs sous la forme de light novel, par exemple.

(Pour Jay Skwar) – Egregor est un récit choral, avec de nombreuses intrigues et des personnages aux trajectoires croisées. Cela évoque parfois l’univers dense de Game of Thrones. Est-ce une difficulté, en tant que scénariste, de gérer autant de personnages et d’arcs narratifs sans perdre en cohérence ?

C’est effectivement l’un des enjeux les plus difficiles dans l’écriture que de devoir gérer plusieurs intrigues disparates comme ça, où les personnages ne vont pas forcément se croiser entre eux car ils vont avoir leurs propres vies, leurs propres cultures, leurs propres façons de penser et de vivre.

C’est très difficile, après, de réussir à gérer toutes ces différentes intrigues. Et on a même dans l’idée, en plus, de les entremêler entre elles au fur et à mesure, pour pouvoir créer des points de jonction, des équipes qui pourraient être intéressantes pour l’histoire.

Notamment avec les quatre héros qui sont dispersés à travers la contrée dès le début de l’histoire. Mais c’est vraiment quelque chose auquel on tient, parce qu’on a envie de développer tout un univers, avec toutes les intrigues en parallèle, et de créer une sorte d’égrégore, soit une forme de fusion, par la suite, de tous ces personnages et toutes ces intrigues…

(Pour Kim Jae Hwan) – Même question pour vous Kim, est ce une difficulté en tant que dessinateur d’inventer autant de nouveaux chara designs uniques ?

Avec un peu de recul, on se rend compte que j’ai fait beaucoup de chara-design. Mais sur le moment, en fait, j’essaie juste de trouver le personnage qui colle au scénario. Je ne ressens pas tellement de difficultés, c’est plutôt un plaisir.

Le titre Egregor évoque une entité collective issue de la pensée. Quelle est sa signification dans le contexte du manga ?

Jay Skwar : Dans le contexte du manga, ça s’éloigne un peu du contexte de base. Même s’il y a d’autres aspects qui vont s’en rapprocher… mais je ne peux pas trop en dire, on va garder la surprise, sinon on va spoiler (rires).

Mais c’est vrai que dans Egregor, les égrégores sont des êtres exceptionnels, qui sont hors du commun parce qu’ils sont capables de créer une nouvelle énergie en liant d’autres énergies qui sont, à la base, séparées.

Donc c’est vraiment un don que peu de personnages possèdent dans Egregor, dont le héros, bien sûr. Et ce seront vraiment des personnages, à chaque fois qu’ils apparaîtront, qui seront marquants dans l’histoire, car ils représenteront des focales très fortes dans l’univers d’Egregor.

L’univers est très sombre et parfois brutal. Est-ce une manière de refléter des réalités humaines ou une volonté purement narrative ?

Jay Skwar : C’est un peu des deux. Je pense qu’on est influencé de façon latente par ce qu’on voit au quotidien, et effectivement, il y a des choses abominables qui se passent autour de nous. Je pense que ça nourrit à la fois notre inspiration, mais aussi notre envie de dénoncer ces choses-là, en les représentant à travers ce qu’on développe, à travers ce qu’on créé.

Il y a aussi une volonté narrative de raconter une histoire qui est sombre, avec des enjeux dramatiques et des trajectoires très violentes et très dangereuses pour les protagonistes. On a tendance à vouloir les orienter vers des intrigues qui vont s’assombrir pour eux à mesure qu’ils vont grandir.

Donc le récit va tendre vers un assombrissement progressif, sans non plus aller dans le crépuscule absolu. Ce ne sera peut-être pas du Berserk, mais on s’en approche.

(Pour Jay Skwar) Y a-t-il un personnage qui vous ressemble ou que vous avez particulièrement aimé écrire ?

J’aime beaucoup le personnage principal, tout bêtement. En fait, même les quatre personnages principaux, parce qu’ils ont vraiment ce potentiel de grandir et d’évoluer. Du coup, ça fait qu’on s’attache beaucoup à eux à travers l’écriture. On va les suivre de leur enfance jusqu’au début de l’âge adulte, parce qu’on tient vraiment à ce que plusieurs années s’écoulent tout au long de l’histoire.

Maintenant, il y a plein d’autres personnages que j’aime beaucoup, qui sont intéressants à écrire. Des personnages qui ont des tonalités qui sont difficiles à cerner, qui peuvent n’être ni totalement noirs ni totalement blancs.

Je pense notamment au directeur de l’école des Égides, le Rempart du Salut, donc Warren, qui est un personnage qui va être sans doute de plus en plus intéressant à développer au fur et à mesure de l’histoire. Et il y en aura d’autres comme ça, bien sûr… mais je ne veux pas trop en révéler.

(Pour Kim Jae Hwan) Et vous Kim, un personnage qui vous ressemble ou que vous avez particulièrement aimé dessiner ?

C’est difficile à dire. Je pense qu’il n’y a aucun personnage qui me ressemble (rires), mais c’est quelque chose que je répète à chaque fois : pour moi, c’est Foa qui est le personnage le plus important, et qui me plaît le plus, parce que c’est vraiment le personnage principal.

Et aujourd’hui, Foa est devenu un peu mon avatar, et il le restera, même si je deviens encore plus âgé. (rires)

Le récit mélange des thèmes sombres, une quête initiatique, des combats intenses et des réflexions presque philosophiques sur la volonté. Comment vous répartissez les rôles dans cette construction : est-ce que le scénario influence le dessin, ou parfois l’inverse ?

Jay Skwar : Ça peut aller dans les deux sens. Parce que c’est vrai qu’au départ, je vais envoyer une arche narrative à Jae Hwan pour qu’il puisse me dire ce qu’il en pense de prime abord.

Après, une fois qu’on se sera concertés tous les trois ensemble, on va commencer à concrétiser le scénario, et puis Jae Hwan commencera à dessiner les planches par la suite.

On travaille vraiment ensemble pour développer tout ça. Mais les dessins eux-mêmes peut beaucoup m’influencer aussi. Ils vont être tellement bien faits, tellement aller au-delà de ce que j’imaginais, que ça va presque me pousser à donner plus d’importance à tel ou tel personnage.

Donc il y a une véritable influence du talent graphique de Jae Hwan.

Kim Jae Hwan : (fou rire après avoir fait tomber le micro) – Quand je débutais ma carrière, j’en étais sûr et certain : c’était le dessin qui était le plus important (rires).

Mais au fur et à mesure, j’ai commencé à comprendre que finalement, c’est le scénario qui donne la vie à chaque personnage. Donc c’est le scénario qui prime et qui influence forcément le dessin.

Jay Skwar : Non c’est le contraire ! (rires)

Visuellement, Egregor impressionne par son sens du détail et sa mise en scène épique. Kim Jae Hwan, quels ont été vos défis artistiques sur ce projet ? Certaines scènes vous ont-elles donné du fil à retordre ?

Kim Jae Hwan : Chaque changement, que ce soit pour les personnages ou pour les lieux, est difficile à réaliser, parce que ce sont des personnages ou des lieux nouveaux, donc je ne suis pas encore vraiment habitué.

Mais à force de travailler dessus, je peux les réaliser avec beaucoup plus de facilité. Je commence à former une entité avec ces personnages et ces lieux. Donc après, il n’y a plus vraiment de difficulté.

L’univers d’Egregor est dense, avec une mythologie propre, des langages, des royaumes… Aviez-vous déjà tout pensé dès le début, ou certaines choses se sont construites au fil de l’écriture et des tomes ?

Jay Skwar : La construction de l’univers a été établie assez tôt dans l’histoire pour ne pas donner lieu à des incohérences sur certains aspects. Donc j’ai vraiment essayé de définir un maximum de choses, un maximum d’éléments au niveau des différentes contrées, des différents royaumes. Il y en a même plusieurs qui ne sont pas encore apparus, et j’essaie de le faire de la façon la plus progressive possible, pour que ça ne paraisse pas trop confus, trop dense.

C’est pour ça qu’on va devoir développer l’histoire sur trois sagas, sur trois arcs différents, parce qu’il y a encore pas mal de choses à présenter dans l’univers. Et on tient vraiment à montrer un maximum de cultures différentes, d’univers différents. Il y a par exemple l’univers de la piraterie qui est apparu, un royaume un peu inspiré de l’Indonésie également. Et bien sûr, tout ce qui est Europe médiévale.

Donc c’est vrai qu’on a envie de représenter un maximum de choses différentes, aussi exotiques que possible, mais on va le faire de façon progressive… pour que Jae Hwan ne s’en prenne pas à moi (rires).

Avez-vous déjà une fin en tête pour Egregor ?

Jay Skwar : J’ai une fin en tête. Je n’en ai pas encore parlé (rires), mais il y a des chances qu’elle ne change pas. On aura d’autres occasions d’en discuter entre nous tout au long de l’avancée.

Mais je tiens vraiment à finir l’histoire de cette manière-là. C’est difficile d’en dire plus maintenant, mais c’est une fin qui me paraît cohérente avec le début de l’histoire. Ça ferait une belle boucle, je pense.

Nous en sommes actuellement au tome 14, disponible pendant cette Japan Expo, que peut-on attendre des prochains tomes ? Des révélations majeures à venir ? Sans trop spoiler évidemment, mais est-ce qu’on peut s’attendre à un tournant majeur dans les prochains tomes ?

Jay Skwar : (rires) Alors je vais encore me répéter, mais j’ai prévu quelque chose… DE TRÈS FORT ! Mais je ne peux pas leur en parler encore (montre Kim Jae Hwan et rigole), parce qu’ils vont chercher à m’en dissuader, j’en suis sûr à 95%.

« Là, c’est une exclu, hein ! J’ai prévu quelque chose…. DE TRÈS FORT ! Sincèrement, ça va être très difficile à écrire. »

Cela dit, ça va être sincèrement très difficile à écrire. Je ne suis pas sûr qu’ils vont être très contents…

J’espère que les lecteurs ne seront pas être mécontents non plus. J’espère vraiment qu’ils ne vont pas mal le prendre et trouver que ça fait un pied de nez…

(Kim Jae Hwan se demande de quoi il parle)

Là, c’est une exclu, hein. Il n’était même pas au courant (rires). Mais je pense que c’est nécessaire. Donc on sera amené à en reparler, bien sûr. Ne t’inquiète pas (rires).

Pour terminer, avez vous quelques mots pour nos lecteurs Français ?

Jay Skwar : Moi, le premier mot qui me vient, c’est : UN GRAND MERCI ! Sans vous, on n’en serait pas là aujourd’hui… On est tellement reconnaissants, tellement contents qu’il y ait de plus en plus de lecteurs intéressés par ce qu’on fait. C’est inespéré, d’ailleurs !

Pour moi, c’est un rêve de gosse qui s’est réalisé : pouvoir travailler et vivre de ce que j’aime. Donc sincèrement, UN TRÈS GRAND MERCI ! Je ne cesserai jamais d’être reconnaissant envers les lecteurs. J’espère pouvoir continuer à plaire à ceux qui sont déjà là, et aussi en attirer de nouveaux dans le futur.

Kim Jae Hwan : Peut-être que notre œuvre n’est pas encore à la hauteur de l’attente de nos lecteurs, mais nous allons faire de notre mieux pour répondre à leurs attentes ! Et MERCI BEAUCOUP !

La critique : Egregor : Le Souffle de la Foi – Quand le Seigneur des Anneaux rencontre Berserk !

Merci à vous, c’était super sympa ! Egregor, 14 tomes disponibles aux éditions Meian. N’hésitez pas à aller le lire, c’est INCROYABLE ! Donc foncez, allez lire Egregor, vous ne serez pas déçus !

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